7 самых таинственных картин русских художников. 7 картина


7 картин знаменитых художников, которые запретили к показу

Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Искусство никогда не шло на поводу у власть имущих. И даже у самых ярых приверженцев идеи «искусства ради искусства» нет-нет да и проскальзывает сюжет, неугодный тем, кто имеет возможность вершить судьбы. Одни картины удается быстро реабилитировать, а другие произведения могут ждать «выхода в свет» годами. И это притом, что мастерство художника может быть на высоте. Но кого это волнует, если сюжет на злобу дня?

Мы в AdMe.ru собрали самые выразительные примеры цензуры, чтобы вы могли поближе познакомиться с шедеврами «запрещенного искусства».

1. «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», Илья Репин, 1885 г.

Мир знает это произведение искусства под именем «Иван Грозный убивает своего сына». Но мало кто знает, что, когда художник закончил свое полотно, Александру III и его окружению очень не понравился сюжет картины. Поэтому 1 апреля 1885 г. она была запрещена к показу, став первой картиной, которую подвергли цензуре в Российской империи. И только через 3 месяца, 11 июля 1885 г., по ходатайству близкого ко двору художника Алексея Боголюбова запрет был снят.

2. «Раздача продовольствия», Иван Айвазовский, 1892 г.

Необычная картина посвящена событиям 1891–1892 гг., когда Америка послала в Россию гуманитарную помощь в момент экономического и эпидемического кризиса, охватившего основную часть Черноземья и Среднего Поволжья. Положение людей было бедственным, и император Николай II лично поблагодарил Америку за существенный финансовый вклад. Но одно дело быть благодарным, и совсем другое — выставлять данный период истории на всеобщее обозрение. Неугодную правительству картину Айвазовский во время своего визита в США подарил вашингтонской Corcoran Gallery of Art (вместе с картиной «Корабль помощи» с тем же сюжетом).

3. «Что есть истина?», Николай Ге, 1890 г.

Написал картину русский живописец Николай Ге (1831–1894). И хотя сейчас она находится в Третьяковской галерее (по просьбе самого Льва Толстого), но на момент своего создания картина навлекла на себя много критики как со стороны Священного Синода, так и со стороны государственных мужей, и в итоге ее сняли с выставки Товарищества передвижников в 1890 г. Все дело в том, что художник подобрал необычное световое решение для своих персонажей: если обычно Иисуса изображали в сиянии солнечного света, то тут он стоит в тени, явно контрастируя с залитой солнцем фигурой Пилата. А ведь свет по традиции отождествляется с добром, а тьма — со злом. Немаловажным фактором негативной реакции на данное произведение было еще и то, как именно здесь изображен Иисус: на картине он тщедушный и жалкий, лишенный значительности. Неудивительно, что ее убрали с выставки.

4. «Мистерия XX века», Илья Глазунов, 1978 г. и 1999 г.

Довольно необычная картина современного художника произвела невероятный фурор, поскольку на ней наиболее значительные фигуры эпохи были изображены совсем не в том свете, в каком их обычно представляли художники того времени. Глазунова чуть не сослали в Сибирь (ему чудом удалось этого избежать), а все из-за того, что он отказался менять изображение Солженицына (известного врага власти) на Брежнева. Картина надолго пропала из виду, но в 1999 г., когда режим пал и появилась возможность выставить полотно, художник представил 2-й вариант «Мистерии ХХ века» с добавленными историческими лицами и постперестроечными эпохальными событиями.

5. «Протодиакон, провозглашающий на купеческих именинах долголетие», Николай Неврев, 1866 г.

И хотя нет прямых указаний на существование запрета на эту картину, все же данное полотно вызывало неудовольствие тем, что служитель церкви изображен здесь в явно нетрезвом виде. Да и сама атмосфера картины говорит о том, что происходящее на ней далеко от общепринятого идеала. Художник Николай Неврев написал множество полотен на исторические и бытовые темы, причем некоторые из них были очень близки к журнальным карикатурам.

6. «Натурщица», Николай Янчук, 1927 г.

«Натурщица» — картина украинского художника, одно из тех многочисленных полотен, которые собирали по всей Украине до 1937 г. Их хотели уничтожить, потому что сюжеты не были идеологически выверенными, а авторы подвергались всяческим гонениям и репрессиям. Война помешала планам уничтожения, и картины чудом сохранились до наших дней в закрытых фондах музеев. Сейчас полотна выставляются, и мы можем только порадоваться, что они дошли до нас в целостности и сохранности.

7. «Освящение публичного дома» (эскиз), Владимир Маковский, 1900 г.

Данная работа Владимира Маковского, знаменитого русского художника, так и не была закончена. Вероятно, живописец понимал, насколько невелики шансы пройти церковную цензуру с таким сюжетом. В эскизе ярко читается протест против современной художнику действительности, в которой могли происходить подобные абсурдные вещи.

Может, вы знаете о еще каких-либо запрещенных картинах? Делитесь с нами в комментариях!

www.adme.ru

7 картин, тайна которых до сих пор не раскрыта — Альтернативный взгляд Salik.biz

Порой можно испытать сильные эмоции или ощутить настоящий страх при одном лишь взгляде на картину. И это объяснимо, ведь художник вкладывает определенную энергетику в свою работу. И чем талантливее художник, тем больше силы он может передать своему творению.

Айзелуортская Мона Лиза

90 % посетителей Лувра приходят туда лишь ради того, чтобы взглянуть на самую загадочную картину в мире — легендарную «Мону Лизу». До сих пор остается множество нераскрытых тайн картины. Кроме того, известно, что она способствует возникновению синдрома Стендаля. Это расстройство, при котором человек очень остро воспринимает произведения искусства: дезориентируясь в пространстве, люди буквально переносятся внутрь картины. Что можно увидеть по ту сторону «Джоконды», неизвестно, но факты говорят за себя: она доводила посетителей как до агрессии, так и до самоубийства.

Но мало кто знает, что существует еще одна версия «Джоконды» — «Айзелуортская Мона Лиза», которая, вероятно, принадлежала кисти того же Леонардо да Винчи и была написана годами ранее. Либо она и вовсе представляла оригинал картины, а всем известный вариант был написан Леонардо спустя 20 лет в его мастерской. Это полотно было найдено более века назад в частной коллекции, сейчас же оно представлено в музее Прадо в Мадриде. Возможно, когда-нибудь именно эта картина поможет расшифровать все тайны знаменитой «Джоконды».

Почтовый дилижанс

Эта картина была написана художницей Лаурой П. с фотографии. Причем автор фотографии Джеймс Кидд утверждает, что никакого человека, стоящего слева от дилижанса, он не снимал. Он неожиданно возник в процессе проявления фотографии (оригинал фотографии вы можете посмотреть здесь).

Завершенную работу художница повесила в офисе, но ее попросили немедленно забрать оттуда полотно. Именно с появлением картины в помещении будто завелся полтергейст, а сама она всегда висела криво, несмотря на то что ее поправляли каждый раз. Далее история повторялась в других домах, которые «приютили» картину. В конце концов ее пришлось сжечь.

Плачущий мальчик

Существует целая серия картин плачущих детей итальянского художника Бруно Амадио. Это портреты 65 детей-сирот, которые художник продавал туристам после Второй мировой войны.

Самой знаменитой картиной этой серии является «Плачущий мальчик», которая официально признана проклятой в нескольких регионах Англии. По легенде, автор полотна зажигал перед позирующим мальчиком спичку, чтобы тот плакал. С тех пор репродукции этой картины поучаствовали в 50 пожарах по всей Англии.

Венера с зеркалом

Картина Диего Веласкеса «Венера с зеркалом» сама по себе представляет тайну: искусствоведы теряются в догадках, почему же отражение лица настолько красивой и молодой богини нарисовано довольно старым. И почему здесь неправильная перспектива? Что имел в виду автор?

Помимо этих тайн картине приписывают также и мистическую силу. Получилось так, что всех ее владельцев преследовали несчастья: разорения, пожары и грабежи. Где бы она ни оказалась, от нее пытались тут же избавиться. В начале XX века картина попала в Национальную галерею Лондона, казалось бы, найдя успокоение. Но в 1914 году британская активистка по борьбе за права женщин нанесла ей пять ударов тесаком, растерзав красавицу Венеру. Больше с картиной ничего странного не случалось.

Женщина дождя

Картина «Женщина дождя», написанная винницкой художницей Светланой Телец, также производит крайне странное впечатление. Художница признается, что нарисовала картину всего за 5 часов, и при этом будто кто-то водил ее руку. Все покупатели полотна возвращали его обратно, жалуясь на бессонницу, беспокойство и ощущение, что за ними кто-то постоянно следит.

Портрет испанского генерала Бернардо де Гальвеса

Если вы пишете роман о привидениях, вам определенно стоит посетить отель «Гальвеc» в Галвестоне (Техас, США). Постояльцы зачастую жалуются на портрет испанского генерала Бернардо де Гальвеса, чей взгляд, как они утверждают, пристально следует за ними по коридору и лестнице. При этом многих не покидает чувство, что генерал следует за ними и после — настолько живо он изображен. Самое удивительное, что эту картину не получается сфотографировать. Снимок на камеру обычно выходит с пятнами, засвеченным либо искаженным.

Вообще про этот отель ходит множество таинственных слухов и легенд.

Руки противятся ему

Художник Билл Стоунхэм утверждает, что картину он писал со своей детской фотографии. Кукла, что стоит рядом с ним, выступает тут проводником в мир снов, которая находится за дверью. Но в мир каких снов...

Неприятные истории случились в семье уже одних из первых ее владельцев. Семья, которая приобрела картину, повесила ее в детской. В итоге маленькая дочка стала каждую ночь с плачем прибегать в спальню родителей и кричать, что дети на картине дерутся. Последующие обладатели полотна также жаловались на странные обстоятельства, плохое самочувствие и жуткие трансформации картины. На нее и правда дольше минуты спокойно не посмотришь.

salik.biz

7 самых таинственных картин русских художников

Существует суеверие, что написание портрета может принести несчастье модели. В истории русской живописи было несколько известных полотен, у которых сложилась мистическая репутация.

«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». Илья Репинivan-grozny-repin-663x514

У Ильи Репина была репутация "рокового живописца": многие из тех, чьи портреты он рисовал, скоропостижно умирали. Среди них Мусоргский, Писемский, Пирогов, итальянский актер Мерси д’Аржанто и Федор Тютчев.Самой мрачной картиной Репина признают «Иван Грозный убивает своего сына». Любопытный факт: до сих пор неизвестно, убивал ли Иван IV своего сына или эту легенду действительно сочинил ватиканский посланник Антонио Поссевино.

Картина произвела гнетущее впечатление на посетителей выставки. Были зафиксированы случаи истерии, а в 1913 году иконописец Абрам Балашов распорол картину ножом. Позже его признали невменяемым.

Странное совпадение: художник Мясоедов, с которого Репин писал образ царя, вскоре чуть было не убил в приступе гнева своего сына Ивана, а литератор Всеволод Гаршин, который стал натурщиком для царевича Ивана, сошёл с ума и покончил с собой.

«Портрет М. И. Лопухиной». Владимир Боровиковский

Borovikovsky_maria_Lopukhina-663x844

Мария Лопухина, происходящая из графского рода Толстых, стала натурщицей художника в 18 лет, вскоре после собственной свадьбы. Изумительно красивая девушка была здоровой и полной сил, но скончалась спустя 5 лет. Спустя годы поэт Полонский напишет «Красоту ее Боровиковский спас…».

Появились слухи о связи картины со смертью Лопухиной. Родилась городская легенда, что на портрет нельзя долго смотреть - постигнет печальная участь "натурщицы".

Некоторые утверждали, что отец девушки, магистр масонской ложи, заключил дух дочери в портрете.

Спустя 80 лет картину приобрёл Третьяков, который не побоялся репутации портрета. Сегодня полотно находится в коллекции Третьяковской галереи.

«Неизвестная». Иван Крамской

1-40-768x598

Картина «Неизвестная» (1883) вызывала бурный интерес у Петербургской публики. А вот Третьяков наотрез отказался приобретать картину для своей коллекции. Так, «Незнакомка» начала своё путешествие по частным собраниям. Вскоре начали происходить странности: первого ее владельца бросила жена, у второго сгорел дом, третий обанкротился. Все несчастья приписывали роковой картине.

Не избежал беды и сам художник, вскоре после написания картины скончались два сына Крамского.

Картин продали за рубеж, где она продолжила приносить владельцам одни несчастья, пока в 1925 году полотно не вернулось в Россию. Когда портрет оказался в коллекции Третьяковской галереи несчастья прекратились.

«Тройка». Василий Перов

264perov_Troyka-663x488

Перов долго не мог найти натурщика для центрального мальчика, пока не познакомился с одной женщиной, которая ехала через Москву на богомолье со своим 12-летним сыном Васей. Художнику удалось уговорить женщину дать Василию попозировать для картины.

Спустя несколько лет Перов снова встретился с этой женщиной. Оказалось, что спустя год после написание картины Васенька умер, и его мать специально приехала к художнику, чтобы на последние деньги выкупить картину.

Но полотно уже было приобретено и экспонировалось в Третьяковской галерее. Когда женщина увидела «Тройку», она упала на колени и стала молиться. Растроганный, художник написал для женщины портрет ее сына.

«Демон поверженный». Михаил Врубель

070924000703d-663x236

Сын Врубеля, Савва, скоропостижно скончался вскоре после того, как художник закончил портрет мальчика. Смерть сына стала ударом для Врубеля, поэтому он сконцентрировался на своей последней картине «Демон поверженный».

Желание закончить полотно переросло в одержимость. Врубель продолжал дописывать картину даже когда ее отправили на выставку.

Не обращая внимания на посетителей, художник приходил в галерею, доставал кисти и продолжал работать. Обеспокоенные близкие связались с врачом, но было уже поздно - сухотка спинного мозга свела Врубеля в могилу, несмотря на лечение.

«Русалки». Иван Крамской

kramskoy-663x438

Иван Крамской задумал написать картину по мотивам повести Н.В. Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». На первой выставке в Товариществе передвижников картину повесили рядом с пасторалью «Грачи прилетели» Алексея Саврасова. В первую же ночь картина «Грачи» упала со стены.

Вскоре обе картины купил Третьяков, «Грачи прилетели» заняла место в кабинете, а «Русалок» выставили в зале. С этого момента прислуга и домочадцы Третьякова начали жаловаться на заунывное пение, доносящиеся по ночам из залы.

Более того, люди стали отмечать, что рядом с картиной они испытывают упадок сил.

Мистика продолжалась, пока старая нянька не посоветовала убрать русалок со света в дальний конец зала. Третьяков последовал совету, и странности прекратились.

«На смерть Александра III». Иван Айвазовский

117697876_RRRRRRR66-320x471

Когда художник узнал о смерти императора Александра III, он был шокирован и без всякого заказа написал картину. По задумке Айвазовского, картина должна была символизировать торжество жизни над смертью. Но, закончив картину, Айвазовский спрятал ее и не показывал никому. Впервые картину выставили на всеобщее обозрение лишь спустя 100 лет.

Картина разбита на фрагменты, на полотне изображен крест, петропавловская крепости и фигура женщины в черном.

Странный эффект заключается в том, что под определенным углом женская фигура превращается в смеющегося мужчину. Некоторые видят в этом силуэте Николая II, а другие - Пахома Андреюшкина, одного из тех террористов, которым не удалось покушение на императора в 1887 году.

Читайте также:

исправить оишбку

cyrillitsa.ru

Музей Прадо. 7 картин, которые стоит увидеть

Веласкес Менины фрагмент

Диего Веласкес. Менины (фрагмент). 1656 г. Музей Прадо, Мадрид

[sg_popup id=”1″ event=”onload”][/sg_popup]

Свое знакомство с музеем Прадо я начала с книжного подарочного издания. В те стародавние времена проводной интернет был лишь мечтой и увидеть работы художников реальнее было именно в напечатанном виде.

Тогда я и узнала, что музей Прадо считается одним из самых выдающихся музеев мира и входит в двадцатку самых посещаемых.

Появилось жгучее желание его посетить, хотя на тот момент поездка в Испанию казалась чем-то недостижимым (перемещалась я исключительно на поездах, даже если на поездку из одного города в другой требовалось двое суток! Самолет был слишком роскошным средством передвижения).

Однако спустя 4 года после приобретения книги о музее, я увидела его воочию.

Да, я не была разочарована. Особенно меня поразили коллекции Веласкеса, Рубенса, Босха и Гойи. В общем, в этом музее есть, от чего впечатлиться любителю живописи.

Хочу поделиться своей мини-коллекцией самых любимых работ.

1.Франсиско Гойя. Молочница из Бордо. 1825-1827 гг.

Гойя молочница из бордо

Франсиско Гойя. Молочница из Бордо. 1825-1827 гг. Музей Прадо, Мадрид.

Гойя написал картину “Молочница из Бордо” в последние годы своей жизни, когда уже жил во Франции. Картина грустная, минорная и в то же время гармоничная, лаконичная. Для меня эта картина – то же, что прослушать приятную и легкую, но грустную мелодию.

Картина написана в стиле импрессионизма, хотя до его расцвета еще пройдет полвека. Творчество Гойи серьезно повлияло на формирование художественного стиля у Мане и Ренуара.

2. Диего Веласкес. Менины. 1656 г.

Веласкес Менины

Диего Веласкес. Менины. 1656 г. Музей Прадо, Мадрид

“Менины” Веласкеса – один из немногих заказных семейных портретов, при создании которого художника никто не ограничивал. Поэтому она так необычна и интересна. Так мог себя вести разве что Франсиско Гойя: спустя 150 лет он нарисовал портрет другой королевской семьи, также позволяя себе вольности, пусть и другого толка.

А что собственно интересного в сюжете картины? Предполагаемые главные герои находятся за кадром (королевская чета) и отображаются в зеркале. Мы же видим то, что видят они: рисующего их Веласкеса, его мастерскую и свою дочь с девушками служанками, которых и называли менинами.

Интересная деталь: в комнате нет люстр (только крюки для их подвески). Получается, что художник работал только при дневном свете. А вечером был занят придворными делами, которые сильно отвлекали его от живописи.

О шедевре читайте также в статье «Менины» Веласкеса. О картине с двойным дном».

3. Клод Лоррен. Отплытие святой Паулы из Остии. 1639-1640 гг. Зал 2.

Лоррен отплытие святой Паулы

Клод Лоррен. Отплытие святой Паулы из Остии. 1639-1640 гг. музей Прадо, Мадрид.

Впервые познакомилась с Лорреном в … съемной квартире. Там висела репродукция этого пейзажиста. Даже она передавала, насколько художник умел изображать свет. Лоррен, кстати, первый художник, который досконально изучал свет и его преломление.

Поэтому не удивительно, что, несмотря на чрезвычайную непопулярность пейзажной живописи в эпоху Барокко, Лоррен тем не менее был известным и признанным мастером еще при жизни.

4. Питер Пауль Рубенс. Суд Париса. 1638 г. Зал 29.

Рубенс суд Париса

Питер Пауль Рубенс. Суд Париса. 1638 г. Музей Прадо, Мадрид.

В музее Прадо хранится одна из самых значительных коллекций работ Рубенса (78 работ!). Его пасторальные работы очень приятны глазу и созданы в первую очередь для удовольствия от созерцания.

С эстетической точки зрения среди работ Рубенса сложно выделить какую-то одну. Однако особенно мне нравится картина “Суд Париса” скорее из-за самого мифа, сюжет которого изобразил художник – выбор “самой прекрасной женщины” привел к длительной Троянской войне.

О другом шедевре мастера читайте в статье «Охота на львов» Рубенса. Эмоции, динамика и роскошь в одной картине».

5. Эль Греко. Басня. 1580 г. Зал 8b.

Эль Греко басня

Эль Греко. Басня. 1580 г. Музей Прадо, Мадрид.

Несмотря на то, что у Эль Греко есть гораздо более известные полотна, мне больше всего импонирует именно эта картина. Она не совсем типична для художника, который чаще писал на библейские темы с характерными вытянутыми телами и лицами изображенных персонажей (живописец, кстати, похож на героев своих картин – такой же худощавый с длинным лицом).

Судя по названию, это картина-аллегория. На сайте музея Прадо выдвигается гипотеза, что разгорающийся от небольшого дуновения уголек означает легко вспыхивающее сексуальное влечение.

6. Иероним Босх. Сад земных наслаждений. 1500-1505 гг. Зал 56а.

сад земных наслаждений прадо

Иероним Босх. Сад земных наслаждений. 1505-1510 гг. Музей Прадо, Мадрид.

Если вам нравится Босх, в музее Прадо вы найдете самую большую коллекцию его работ (12 работ).

Конечно, самая знаменитая из них – Сад земных наслаждений. Перед этой картиной можно простоять очень долго, рассматривая большое количество деталей на трех частях триптиха.

Босх, как и многие его современники в средневековье, был очень набожным человеком. Это еще более удивительно, что от религиозного живописца никак не ожидаешь такой игры воображения!

Более подробно о картине читайте в статьях: “Сад земных наслаждений” Босха: в чем смысла самой фантастической картины Средневековья”.

7. Роберт Кампен. Святая Варвара. 1438 г. Зал 58.

Кампен святая Варвара

Роберт Кампен. Святая Варвара. 1438 г. Музей Прадо, Мадрид.

Я, конечно, была потрясена этой картиной (это правая створка триптиха; левая створка также хранится в Прадо; центральная же часть утеряна). Мне было сложно поверить, что в 15 веке создавали буквально фотографическое изображение. Это же сколько нужно мастерства, времени и терпения!

Сейчас я, конечно, полностью согласна с версией английского художника Дэвида Хокни о том, что подобные картины рисовали с помощью вогнутых зеркал. Они проецировали на холст отображаемые предметы и просто обводились мастером – отсюда такая реалистичность и детализированность.

Ведь недаром работы Кампена так похожи на работы другого более знаменитого фламандского художника Яна ван Эйка, который также владел этой техникой.

Однако от этого картина не теряет своей ценности. Ведь перед нами по сути фотографическое изображение быта людей 15 века!

***

Только поставив в ряд свои любимые работы музея Прадо, поняла, что временной охват получился серьезным – 15-19 века. Это сделано не предумышленно, цели показать разные эпохи у меня не было. Просто шедевры, которые сложно не оценить, создавались во все времена.

Вам также могут понравиться статьи:

 “Пушкинский музей. 7 шедевров старых мастеров”

“Картины Эрмитажа. 7 шедевров, которые стоит увидеть”

Автор: Оксана Копенкина

Facebook

Twitter

Мой мир

Вконтакте

Одноклассники

Google+

Pinterest

Похожее

arts-dnevnik.ru

7 ранних картин знаменитых художников, Buro 24/7

Дэмиен Херст. Этюд к Делакруа (Сирота на кладбище), 1981

Дэмиен Херст. Этюд к Делакруа (Сирота на кладбище), 1981

Пабло Пикассо проявил свой талант уже в 8 лет, 11-летний Джон Эверетт Миллес, будущий прерафаэлит, стал самым юным студентом Королевской академии художеств за всю ее историю, а Микеланджело, когда ему было 12, работал над полотном "Мучения святого Антония". Мы вспоминаем ранние картины семи знаменитых художников, которые были созданы ими в возрасте от 8 до 18 лет, и в большинстве своем абсолютно не похожи на работы, которыми они широко прославились. Разве что в "Виде на Рюэлль" можно легко угадать Клода Моне. 

1. Клод Моне

7 ранних картин знаменитых художников (фото 1)

Клод Моне. Вид на Рюэлль, 1858

"Вид на Рюэлль" — первая весомая картина Клода Моне, в которой чувствуется влияние пейзажей Эжена Будена. Юный импрессионист написал ее в возрасте 18 лет. В том же году полотно впервые показали на муниципальной выставке в Гавре. До этого были и карикатуры на учителей (Моне не особенно преуспевал в учебе, но регулярно упражнялся в рисовании преподавателей), и последовавшие за ними заказы портретов от жителей города, но живопись привлекла его только после знакомства с художником Эженом Буденом, предшественником импрессионизма.

Моне рассказывал, что благодаря Будену у него словно "пелена спала с глаз", он понял, что такое живопись и по-настоящему полюбил природу. "Эжену Будену я обязан тем, что стал художником..." — писал Моне. Сегодня французскому живописцу существованием Моне обязан весь мир.

2. Пабло Пикассо

7 ранних картин знаменитых художников (фото 2)

Пабло Пикассо. "Пикадор", 1890

Уже в возрасте 8 лет Пикассо рождал на свет шедевры. "Пикадор"— это первая серьезная картина маслом, с которой художник не раставался в течение всей жизни. Живописи Пикассо научил отец — учитель рисования Хосе Руиса Бласко, который с семи лет позволял сыну дописывать мелкие детали своих полотен. После юный Пикассо учился в школе изящных искусств в Барселоне, затем — в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде. Когда Пабло было 18, его уже ждала первая выставка — картины будущего кубиста показали в богемном кафе "Els Quatre Gats" в Барселоне.

3. Микеланджело

7 ранних картин знаменитых художников (фото 3)

Микеланджело. "Мучения святого Антония", 1487-1489

Авторство картины "Мучения святого Антония" долгое время приписывали мастерской Доменико Гирландайо, где обучался и сам Микеланджело. Только в 2008 году ее признали работой именно Микеланджело Буонаротти — об этом свидетельствовали данные искусствоведа XVI века Джорджо Вазари и стилистическое сходство с живописью мастера.

Работу над "Мучениями святого Антония" Микеланджело закончил, когда ему было только 12-13 лет. Сегодня эту картину можно считать самым дорогим произведением искусства, созданным ребенком — не меньше $6 млн., по оценкам, в 2009 году заплатил за нее  Художественный музей Кимбелла штата Техас.

4. Жан-Мишель Баския

7 ранних картин знаменитых художников (фото 4)

C 1976 года Баския, которому было тогда 16 лет, со своим другом Аль Диазом рисовал граффити на зданиях в Нижнем Манхэттене и был совершенно неизвестен. Они работали под псевдонимом SAMO и эту аббревиатуру включали в свои надписи. Когда в 1979 году дружбе Баскии и Диаза наступил конец, прекратило свое существование и объединение SAMO. Тогда на стенах Сохо появилось граффити "SAMO is dead".

Свою первую картину Жан-Мишель Баския, будучи уже самостоятельным художником, продал в 1981 году, в возрасте 21 года. Успех пришел к нему благодаря поэту и арт-критику Рене Ричарду, которому нужна была сенсация. Ею и был Баския, со своим неповторимым стилем, которым так восхищался впоследствии весь Нью-Йорк и, в частности, его друг Энди Уорхол. После статьи "The Radiant Child" Рене Ричарда в журнале Artforum на молодого Жана-Мишеля обратил внимание весь мир.

5. Марсель Дюшан

7 ранних картин знаменитых художников (фото 5)

Марсель Дюшан. Портрет Ивонны Дюшан, 1901

В ранних работах Марсель Дюшан экспериментировал как с классическими техниками и сюжетами, так и упражнялся в кубизме и фовизме. Если спустя годы его спрашивали о том, кто именно оказал на него влияние в то время, Дюшан называл символиста Одилона Редона, чья живопись хотя и не шла вразрез с классикой, но все же стояла особняком. С 1904 по 1905 год Дюшан изучал искусство в Académie Julian, но предпочитал скорее играть в бильярд, чем посещать занятия. Еще раньше, в 1901 году, он написал "Портрет Ивонны Дюшан" — тогда художнику было 14 лет.

6. Дэмиен Херст

Дэмиен Херст. Этюд к Делакруа (Сирота на кладбище), 1981

Дэмиен Херст. Этюд к Делакруа (Сирота на кладбище), 1981

Еще до коров и акул в формальдегиде, до знаменитых цветных точек, калейдоскопов и бриллиантового черепа, до вхождения в группу Young British Artists и статуса одного из самых дорогих современных художников, у Дэмиена Херста были и работы в жанре академического рисунка. "Этюд к Делакруа (Сирота на кладбище)" 1981 года он создал в возрасте 16 лет. 

Эжен Делакруа "Сирота на кладбище", 1824

Эжен Делакруа "Сирота на кладбище", 1824

7. Джон Эверетт Миллес

7 ранних картин знаменитых художников (фото 6)

Джон Эверетт Миллес. The Wrestlers, около 1840-1 

Джон Эверет Миллес, когда ему было 11, стал самым молодым студентом Королевской академии художеств за всю ее историю. Будущий член "Братства прерафаэлитов", которое отступило от академических канонов и было против слепого подражания традиционным образцам, Миллес в раннем возрасте следовал всем требованиям классики: акварель The Wrestlers начала 1840-х годов — яркий тому пример.

www.buro247.ru

7 самых дорогих русских картин

За последние 10 лет работы известных русских художников побили многие рекорды мировых художественных аукционов. «Культура.РФ» рассказывает о самых дорогих отечественных картинах по сведениям этого года.

Марк Ротко. «Оранжевый, красный, желтый», 1969

86,9 млн долларов (Christie’s, 2012)

Маркус Яковлевич Роткович, родившийся в 1903 году в Витебской губернии, традиционно из года в год возглавляет все рейтинги продаж «русского искусства». В возрасте 10 лет он эмигрировал с родителями и вырос в США, где укоротил имя до Марк Ротко и стал знаменитым художником-абстракционистом. Ротко прославился как мастер «живописи цветового поля» — беспредметных абстракций, где главным выразительным средством был эффектный, энергичный цвет. А полотно Ротко «Оранжевый, красный, желтый» входит и в десятку самых дорогих картин в мире — после шедевров Пабло Пикассо, Густава Климта и Энди Уорхола.

Казимир Малевич. «Супрематическая композиция», 1916

60 млн долларов (Sotheby’s, 2008)

Абстракции Малевича попадают в свободную продажу крайне редко и обычно весьма сложными путями. Например, «Супрематическая композиция» отправилась на аукцион прямо из государственного музея. Дело в том, что в 1927 году Малевич, стремительно уезжая из Германии, оставил на хранение архитектору Гуго Герингу много работ, привезенных на выставку. В 1958 году наследники Геринга, веря в железный занавес, продали их в амстердамский музей Стеделик. А в 2008 году потомки Малевича отсудили у музея несколько шедевров, поскольку сделка была незаконной.

Хаим Сутин. «Бычья туша», около 1923

28 млн долларов (Christie’s, 2015)

Уроженец Смоленской губернии 20-летний Хаим Сутин переехал в Париж в 1913 году и стал признанным мастером парижской школы, объединившей живописцев из многих стран. Эта картина входит в серию с изображением подвешенных бычьих туш. Сутин писал мясо с натуры, покупая его на бойне, туши висели в мастерской по несколько дней, и он поливал их свежей кровью — для яркости. Соседи жаловались на запах и мух в полицию. Современные искусствоведы считают серию знаковой для современного искусства благодаря натуралистичности живописи и эмоциональному посылу.

Василий Кандинский. «Картина с белыми линиями», 1913

41,8 млн долл. (Sotheby’s, 2017)

Василий Кандинский написал эту абстрактную композицию в 1913 году для выставки в Германии, однако картина там так и не побывала — началась Первая мировая война. После Октябрьской революции 1917 года картина хранилась в фонде Музея живописной культуры на Волхонке, затем в Пензе, позже — в Третьяковской галерее. В 1974 году полотно оказалось у коллекционера Вильгельма Хака — он выменял работу Кандинского у советского правительства на письма Владимира Ленина. В 1970-х годах для своей коллекции Хак построил музей, там и хранилась «Картина с белыми лилиями» до самых торгов Sotheby’s.

Василий Кандинский. «Негнущееся и согнутое», 1910

23,3 млн долл. (Christie’s, 2016)

Картина относится к парижскому периоду творчества Кандинского, когда после переезда из Германии он глобально изменил палитру и добавил в нее нежные оттенки и серые тона. Кандинский писал, что его вдохновила атмосфера Парижа, которая напоминала о дождливых днях на родине, в Москве. Фигура в правой части картины, возможно, изображает сюжет похищения Европы быком-Юпитером. Сторонники этой теории даже опознают в фигуре в самом углу резвящегося морского конька.

Алексей Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)», около 1910

16,5 млн долларов (Sotheby’s, 2008)

Соратник Кандинского по берлинскому художественному обществу «Синий всадник» Алексей Явленский, покинувший Россию в 1896 году, считается одним из создателей немецкого экспрессионизма. На картине изображена девушка из деревеньки под Мюнхеном, чье настоящее имя неизвестно. Прозвище Schokko она заработала, каждый раз прося чашку горячего шоколада во время позирования в холодной студии. Картина была написана на доске, на обороте которой когда-то находился второй портрет девушки — «Шокко в красной шляпе». Художник сумел разделить доску, и «Шокко в красной шляпе» сегодня находится в нью-йоркской частной коллекции.

Валентин Серов. «Портрет Марии Цетлиной», 1910

14,5 млн долларов (Christie’s, 2014)

Произведения Серова так редко появляются в продаже, что покупатели за них едва ли не дерутся. Это полотно попало на аукцион при печальных обстоятельствах. Мария Цетлина, которая также была коллекционером, в 1959 году завещала свое собрание израильскому городу Рамат-Ган с тем условием, что новый музей русского искусства будет назван в честь нее и мужа. Хорошего здания у этого музея с годами так и не появилось, и в 2014 году муниципалитет города отдал портрет — самую дорогую картину унаследованной коллекции — на аукцион. Причем сделал это втайне и от горожан, и от местных депутатов. Однако картина Серова все же была продана за 14,5 миллиона долларов.

Автор: Софья Багдасарова

www.culture.ru

Музей д'Орсе в Париже. 7 картин постимпрессионистов, которые стоит увидеть

Анри Руссо заклинательница змей

Музей д’Орсе славится своими шедеврами импрессионистов. О самых интересных из них я рассказала в статье “Прогулка по музею д’Орсе”.

Однако не менее значительны работы постимпрессионистов. Без них не было бы искусства 20 века. Именно они “навели мосты” от академизма и рафинированного реализма к новым стилям и направлениям. Ван Гог проложил путь к экспрессионизму. Сезанн – к абстракционизму и кубизму. Гоген – к символизму.

Помимо этих ключевых постимпрессионистов я решила сюда же причислить неоимпрессионистов (Сера и Синьяк), а также Тулуз-Лотрека с Анри Руссо. Они тоже наводили мосты между старым и новым искусством. Между устоявшимися канонами и новым мировоззрением.

1. Винсент Ван гог. Церковь в Овере

Ван Гог церковь в Овере

Винсент Ван Гог. Церковь в Овере. 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

Ван Гог прибыл в Овер в мае 1890 году. В июле этого же года он выстрелил себе в грудь. За эти два месяца он написал 70 картин. По одной картине в день. В том числе “Церковь в Овере”. Феноменальная работоспособность. Невероятная красочность картины. Учитывая, что её создатель задумывал самоубийство.

Ван Гог не ставил себе задачи передать реалистичные очертания здания. Он хотел вызывать эмоции. Отсюда – яркие цвета, густые мазки, искажение линий. Церковь больше похожа на сказочный замок. Освещение тоже не реалистичное. Небо кажется ночным. На самом деле изображен день. Судя по лужайке и дорожкам, залитым солнцем.

Именно на почве, возделанной Ван Гогом, потом и родится экспрессионизм в 20 веке. Как можно дальше от реализма. Как можно ближе к внутренним переживаниям и эмоциям. Обратите внимания, как эта работа откликается в шедеврах Мунка и Кокошки.

Эдвард Мунк крикКокошка невеста ветраЭдвард Мунк крикКокошка невеста ветра

Слева: Эдвард Мунк. Крик. 1910 г. Национальная галерея Осло, Норвегия. Справа: Эрнест Кокошка. Невеста ветра. 1914 г. Художественный музей Базеля, Швейцария

2. Поль Сезанн. Игроки в карты

Поль Сезанн игроки в карты

Поль Сезанн. Игроки в карты. 1890-1895 гг. Музей д’Орсе, Париж

Сезанну позировали сельские жители. Это редкий случай, когда моделями были не члены семьи художника. Ведь он работал очень медленно. 1-2 года над одной картиной.

Возможно, Сезанн неспроста выбрал сюжет с картами. Во время карточной игры люди сидят достаточно долго в одной позе. К тому же крестьяне умели терпеливо позировать.

За 5 лет Сезанн создал 5 картин с игроками в карты. Та, что в музее д’Орсе – одна из самых известных.

Поль Сезанн игроки в картыСезанн игроки в картыПоль Сезанн игроки в картыСезанн игроки в карты

Поль Сезанн. Игроки в карты. 1890-1895 гг. Слева: Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Справа:  Институт искусства Корто, Лондон

Как всегда, поражает цветовая гамма Сезанна. Пиджак игрока слева не просто коричневый. Он соткан из зелёных, фиолетовых, бежевых мазков. А шляпа игрока справа – из белых, желтых, красных и голубых.

Сезанн тоже не гнался за реалистичностью. Фигуры мужчин сильно вытянуты. Стол перекошен. Правая его ножка и вовсе частично не прорисована. Как будто художник вёл кисточкой по холсту, и краска закончилась. Почему именно так он нарисовал стол, сложно понять. Это как обьяснить какую-нибудь мелодию.

Творчество Сезанна вдохновляло абстракционистов. Пикассо, Кандинского. В чьих работах вы тем более не сможете понять все до конца.

Тулуз-лотрек портрет

Анри Тулуз-Лотрек. Женщина в перчатках (Портрет Онорины Плетцер). 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

“Женщина в перчатках” не совсем типична для Тулуз-Лотрека. В основном он писал танцовщиц и проституток. В кабаре. В публичном доме.

Тулуз-Лотрек стремился выразить в рисунке психологический портрет изображённого. Никогда не приукрашивал своих моделей. Наоборот, показывал их с самой неприглядной стороны.

Здесь же ситуация иная. Аристократка позирует художнику на открытом воздухе. Видимо, она была настолько красива внешне и благородна внутренне, что мастер не стал искажать её облик.

Это, пожалуй, самая приятная модель Тулуз-Лотрека. Вот вам для сравнения портреты других женщин. Вполне себе милых в реальной жизни. Их внешний облик Тулуз-Лотрек несколько исказил, дабы подчеркнуть их характер и темперамент. Смешливая и ироничная певица Иветт Гилберт. Замкнутая и утонченная танцовщица кабаре Джейн Авриль.

Тулуз-Лотрек Иветт ГилбертТулуз-Лотрек Джейн АврильТулуз-Лотрек Иветт ГилбертТулуз-Лотрек Джейн Авриль

Рисунки Тулуз-Лотрека. Слева: Иветт Гилберт у занавеса. 1892 г. Музей Тулуз-Лотрека в Альби. Справа: Джейн Авриль танцует. 1892 г. Музей д’Орсе, Париж.

Тулуз-Лотрек был одним из самых ярких законодателей плакатной живописи. Минимализм. Резкость и скупость линий. Яркие цвета. Он внёс значительную лепту в развитие современного искусства.

Выставка литографий Тулуз-Лотрека проходит в Радищевском музее в Саратове (до 1 декабря 2016 г.).

4. Жорж Сера. Цирк

Жорж Сера цирк

Жорж Сера. Цирк. 1890 г. Музей д’Орсе, Париж

Картина “Цирк” очень необычна. Ведь она написана с помощью точек. К тому же Сера использовал всего 3 основных цвета и нескольких дополнительных цветов.

Дело в том, что Сера решил привнести в живопись науку. Он опирался на теорию оптического смешения. Которая гласит, что размещенные рядом чистые цвета смешиваются уже в глазу зрителя. То есть их не нужно смешивать на палитре. Такой способ живописи называется пуантилизм (от фр. слова “пуант” – “точка”).

Обратите внимания, что люди на картине “Цирк” скорее похожи на кукол. Это не из-за того, что они изображены с помощью точек. Сера сознательно упрощал лица и фигуры. Чтобы создать вневременные образы. Как это делали египтяне, изображая человека очень схематично. Когда нужно было, Сера мог нарисовать человека вполне “живого”. Даже точками.

Сера умер в 32 года от дифтерии. Неожиданно. Он так и не успел завершить свой “Цирк”.

Пуантилизм, который изобрел Сера, просуществовал недолго. Зато этот метод лег в основу телевизионной передачи изображения. Ведь именно разноцветные точки, пиксели, и составляют картинку не только телевизора, но и любого нашего гаджета. Заглядывая в телефон, я невольно вспоминаю именно Жоржа Сера.

5. Поль Синьяк. Красный буй.

Поль Синьяк красный буй

Поль Синьяк. Красный буй. 1895 г. Музей д’Орсе, Париж

Поль Синьяк был другом и верным последователем Жоржа Сера. Правда он предпочитал точки покрупнее, скорее короткие мазки. Но так же, как и Сера пользовался чистыми цветами.

“Красный буй” – одна из лучших работ Синьяка. Точки как нельзя лучше подходят для изображения водной ряби. Чтобы подчеркнуть зыбкость водной поверхности, Синьяк изображает дома, яхты и небо не точками, а мазками.

Сейчас в стиле пуантилизма художники работают крайне редко. Однако это направление привело к появлению нового витка в развитии живописи – фовизму. Основные черты которого – упрощенная форма, ритмичный мазок, яркие цвета.

Обратите внимание, насколько Поль Синьяк “виден” в работе фовиста Андре Дерена.

Андре Дерен просушка парусов

Андре Дерен. Просушка парусов. 1905 г. Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А.С. Пушкина), г. Москва

6. Поль Гоген. Белая лошадь.

Поль Гоген белая лошадь

Поль Гоген. Белая лошадь. 1898 г. Музей д’Орсе, Париж

Гоген последние годы жизни провёл на Полинезийских островах. Будучи сам наполовину перуанцем, он однажды решил убежать от цивилизации. Как ему казалось, в рай. Рай обернулся нищетой и одиночеством. Однако именно здесь он создал свои самые известные полотна. В том числе “Белую лошадь”.

Лошадь пьёт из ручья. На заднем плане – двое нагих таитянина едут верхом. Без седел и поводьев. Экзотические растения. Гоген, так же, как и Ван Гог не боялся экспериментировать с цветом. Его ручей с оранжевыми переливами. Лошадь зеленоватого оттенка от падающей на неё тени листвы.

Такая “варварская” раскраска не пользовалась спросом. Гоген был очень беден. Однажды один из его кредиторов, владелец местных аптек, пожелал поддержать художника. И попросил продать ему картину. Но с условием, что это будет незамысловатый сюжет.

Гоген принёс “Белую лошадь”. Он считал её простой и понятной. Хотя, к слову, одинокое животное у таитян означает душу. А белый цвет и вовсе ассоциировался со смертью. Но возможно, заказчик картины этой местной символики не знал.

Картину он не принял по другой причине. Лошадь была слишком зеленой. Он же предпочёл бы видеть белую лошадь. Чтобы это соответствовало названию. Знал бы тот аптекарь, что сейчас за эту Зеленую, вернее Белую лошадь отдали бы несколько сот миллионов долларов!

О художнике читайте также в статье “Поль Гоген. Гений, не дождавшийся славы”.

7. Анри Руссо. Заклинательница змей

Анри Руссо заклинательница змей

Анри Руссо. Заклинательница змей. 1907 г. Музей д’Орсе, Париж

“Заклинательница змей” завораживает зрителя. Своей декоративностью. Магичностью. Самое интересное, что Анри Руссо никогда не выезжал за пределы Франции. Экзотичные растения и животные он наблюдал и копировал в зоопарке и ботаническом саду Парижа.

Все считали его чудаком. Ведь он нигде не учился живописи. При этом очень хотел, чтобы его считали настоящим художником. Другие художники над ним частенько посмеивались. Никто не верил, что его картины однажды воспримут всерьёз. А уж тем более никто и представить не мог, что Руссо назовут отцом целого направления в живописи. Примитивизма.

Только сам Руссо верил, что однажды так наивно и примитивно будут писать все. В том числе и Пикассо. И Матисс. А пока они стоят перед его картиной “Заклинательница змей”. Молодые, амбициозные. И лишь смехом заливаются.

Кстати, сколько змей вы видите? Они не сразу все бросаются на глаза.

Читайте также о картине мастера в статье «Спящая цыганка Руссо».

***

Представленные художники – очень разные. Объедняет их одно. Они бросили вызов сложившимся канонам в живописи. Они посмели отойти от реализма. Так же, как и импрессионистов, их не любили современники. Так уж сложилось, что передовое, переломное шло вразрез со вкусами публики. Публика оценила их позже. Недаром их работы – одни из самых дорогих в мире.

Кстати, не менее значительная коллекция постимпрессионистов хранится в Москве, в Галерее искусства Европы и Америки 19-20 вв. (Отдельное здание Пушкинского музея).

Автор: Оксана Копёнкина

Facebook

Twitter

Мой мир

Вконтакте

Одноклассники

Google+

Pinterest

Похожее

arts-dnevnik.ru


Смотрите также