Английская живопись XVIII века. Англия картина


Английская живопись XVII столетия. История искусства всех времён и народов. Том 3 [Искусство XVI–XIX столетий]

1. Обзор развития английской живописи

В живописи также наблюдается значительное присутствие иностранных мастеров. Рубенс и Ван Дейк — наиболее известные, но не единственные нидерландские художники, работавшие в Англии; кроме того, известны итальянские и немецкие художники в Англии. Но существовали и самобытные течения, например, миниатюрная портретная живопись — специфический английский стиль.

Чем выше становились требования, предъявляемые английскими владетелями к художественному достоинству живописи плафонов и лестниц в их дворцах, а высшей знатью — к художественному достоинству портретов, спрос на которые рос из года в год вместе с ростом богатства, тем менее могли им удовлетворить свои местные живописцы. В числе иностранных живописцев, работавших в Англии, находились как в XVI, так и в XVII столетии, некоторые величайшие мастера Европы. Не кто иной, как Рубенс написал плафонные картины для Банкетинг Хауз Иниго Джонса, и не кто иной, как Ван Дейк, отдал свои лучшие силы придворной портретной живописи Англии. Предшественники и соперники Ван Дейка — превосходные голландские портретисты Корнелис Кетель, Герард ван Гонтхорст, Даниель Митенс (около 1590 по 1642 г.) и Корнелис Янсон ван Цейлен (1594 по 1664) — также распространяли свое искусство в Лондоне. Голландские живописцы других специальностей, искавшие счастья в Англии, были маринисты Виллем ван де Велде, отец и сын.

Как последователи Ван Дейка в Англии заслуживают особого упоминания два северогерманских живописца, так тесно связанные с историей английской живописи, что имена их могут найти место только в ней. Старший из них, Петер фон дер Фаэс, по-видимому из Зёста в Вестфалии (1618–1680), пожалованный незадолго до своей смерти в Лондоне в дворянство с титулом сэр Петер Лели, был ученик Питера де Гребберса (около 1595 по 1655 г.), искусного мастера переходного времени в Гаарлеме. В Лондоне, где Лели появился в 1641 г., в год смерти Ван Дейка, он быстро развился на изучении поздних картин антверпенца в английского модного живописца. Особенной популярностью пользовались его портреты дам. Хотя рядом с портретами Ван Дейка они более изысканы по композиции, пусты по исполнению, с холодным красноватым тоном тела, однако Лели умел придавать им, вместе с приятным «сходством», тот внешний шик, которого требовала эпоха. В лондонской Национальной галерее находится только «Девочка с вишнями» его кисти. В портретной Национальной галерее он представлен обильно, а в Хемптон Корте находятся «Виндзорские красавицы», так называемая галерея красавиц Карла II, в которой имеется дюжина с лишком его портретов.

Рис. 192. «Девочка с вишнями». Картина сэра Петера Лели в Национальной галерее в Лондоне

Младший из этих мастеров, Готфрид Книллер из Любека (1648–1723), учился у Бола в Амстердаме, но в 1674 г. поселился в Лондоне, где позднее получил дворянство под именем сэра Годфри Кнеллера. Его многочисленные портреты поверхностнее, суше в своей пластике, чем портреты Лели, с более развеянными одеждами, холоднее и пестрее в красках. В них виден переход к XVIII столетию. Национальная портретная галерея в Лондоне обладает целым рядом его портретов. Известны его десять «Красавиц» в Хемптон Корте, 47 портретов Кит-Кет-Клуба, изданные Джоном Фабером в меццо-тинто. В Германии он представлен в Брауншвейге и в Дрездене. Его искусство доставило ему значительное состояние и гробницу в Вестминстерском аббатстве. К великим мастерам он, конечно, не принадлежит.

Иностранцем, украшавшим во второй половине столетия потолки и лестницы английских дворцов обширными, ловко, легко и поверхностно набросанными историческими, религиозными и аллегорическими фресками, был неаполитанец Антонио Веррио (1634–1707), работавший с 1671 г. в Англии. В Виндзор Касл, в Чатсуорсе, в Бёрлей Хауз можно познакомиться с его творениями и — кто в состоянии — любоваться ими. Всего доступнее его изображения на лестнице Хемптон Корта.

При всем том и в XVII столетии в Англии было достаточно и своих мастеров. Во-первых, дала новые цветы «миниатюрная живопись», в смысле маленьких, написанных на твердом материале портретов, еще в XVI столетии развившаяся в специальную английскую отрасль. Сэр Ричард P. Гольмс недавно описал ее. За Исааком Оливером следовали: его сын Петер Оливер (около 1594–1654 гг.), прославившийся также своими миниатюрными копиями с известных больших картин собрания Карла I, и Джон Госкинс (ум. в 1664 г.), один из популярнейших миниатюрных портретистов своего времени. Значительнее был племянник Госкинса Самуэль Купер (1609–1672), тонкие маленькие портреты которого, полные приятно выраженной своеобразной жизни, с твердым и тем не менее нежным письмом и большой ясностью колорита, всего лучше можно изучить в Виндзор Касл. Значительнее всех этих художников, однако, и в этой области был иностранец, женевец Жан Петито (1607–1691), много лет работавший в Англии, вернувшийся затем в Париж, а под конец — на Женевское озеро. Его маленькие эмалевые картины, в высшей степени жизненные по выражению и нежные по выполнению, встречаются особенно часто в английских частных собраниях.

Английские мастера великой живописи этого периода, пытавшиеся соперничать с жившими в Англии иностранцами, тоже в большинстве случаев были портретисты. Копиями с Ван Дейка приобрел известность Генри Стон (ум. в 1653 г), сын скульптора Николаса Стона Прозвание «шотландского Ван Дейка» получил Джорж Джемсон (1586 до 1644), работавший, вероятно, вместе с Ван Дейком в мастерской Рубенса. Его хорошо наблюденные, хотя и сухо написанные портреты, нередко встречаются в шотландских сельских замках. Первый английский живописец, масляные портреты которого и теперь можно смотреть не без удовольствия, был Вильям Добсон (1610–1646), развившийся на копировании Ван Дейка и Тициана. Его портреты встречаются в большинстве крупных имений Англии и в Национальной портретной галерее в Лондоне. К лучшим принадлежат портрет поэта Кливленда в Бриджотер Хауз и большая выразительная, несколько пестрая семейная группа в Девоншир Хауз в Лондоне.

Остальных английских портретистов, работавших после Лели и Кнеллера, следует оставить для местной истории живописи, и, наоборот, должно упомянуть о сэре Джемсе Торнгилле (1676–1734), как о первом «значительном» английском историческом живописце. Он написал гризалью (серым по серому) события из жизни апостола Павла в куполе построенного Реном собора св. Павла, и пестрыми, чересчур пестрыми красками, серию фресок жизни Вильгельма III в большой зале госпиталя в Гринвиче; в Бленхейме, Хемптон Корте и Оксфорде (Олл Сауле и Кинс Колледж) также можно найти его картины. Уже как первый английский живописец, получивший дворянство, он занимает известное положение в истории английского искусства. Но он не поднялся выше вялого обычного эклектизма.

Все известное о развитии английской гравюры собрано в наглядном изложении у Сиднея Кольвина. Только с великими мастерами офорта и меццотинто XVIII столетия начинается и в области репродукции победоносное шествие английского искусства, какого нельзя было бы предсказать по его достижениям в XVII столетии.

Поделитесь на страничке

Следующая глава >

history.wikireading.ru

Английская живопись XVIII века. История искусства всех времён и народов. Том 3 [Искусство XVI–XIX столетий]

1. Общий обзор развития английской живописи

Английская живопись развивалась интенсивнее всех остальных областей искусства. В начале столетия еше ощущается сильное влияние иностранного искусства, но со временем появляется целый ряд выдающихся национальных мастеров, получивших всемирную известность.

Гордое сознание, что британская живопись со второй половины XVIII века стала художественной мировой силой, находит себе выражение в появившихся с начала XIX столетия английских монографиях о ней Эдвардса, Кённингема, Флетчера, Гамильтона, Торнбёри, обоих Редгревов, Уэдмора, Гоуэра и Армстронга. Во Франции о ней писал Шено, в Германии, после различных отдельных сочинений, главным образом Мутер, выпустивший в свет в 1903 г. свою живую и увлекательную «Историю английской живописи». Лишь начиная с последних десятилетий XIX столетия вся Европа стала восторгаться английской живописью XVIII века, вклад которой в сокровищницу искусства иногда даже переоценивался.

В первой половине XVIII века за способным, но усвоившим себе под влиянием Кнеллера довольно поверхностную манеру стокгольмским портретистом Михаэлем Далем (1656–1743) последовали англичане склада вышеупомянутого художественного критика Джонатана Ричардсона (1665–1745), кисти которого принадлежат шесть добросовестно написанных портретов Национальной портретной галереи. За Ричардсоном следуют его ученик Томас Гудсон (1701–1771), портрет которого в Национальной галерее с изображением художника-мариниста Скотта не лишен известной теплоты, и шотландец Аллан Рамзей (1713 до 1784), простые, слабоватые, но изящные по колориту, с преобладающим холодным розовым тоном, портреты которого недалеки уже от настоящего мастерства, например портрет дамы лондонской Национальной галереи.

Из числа исторических живописцев этого периода следует упомянуть хотя бы знакомого нам архитектора Вильяма Кента. Как живописец он был представителем столь слабого, незрелого классицизма, что его алтарный образ в церкви св. Климента в Лондоне, осмеянный в карикатуре Гогарта, уже в 1725 г. был убран. Английская ландшафтная живопись также не имела еще определенной физиономии. Джордж Ламберт (1710–1765) шел по стопам подражателей Дюге; Питер Монами (1670–1749), первый английский маринист, был подражателем Виллема ван де Велде младшего; Самуэль Скотт (ум. в 1772 г.), из произведений которого в Национальную галерею принят один вид Темзы, находился под влиянием Каналетто.

Английской живописи надо было многое наверстать. Ее быстрый подъем, начиная с половины XVIII столетия, как ни был он национален по духу, совершился прежде всего на путях, указанных великими итальянцами и нидерландцами XVII и XVIII веков. Поворот к эллинистическому антику задел ее лишь позже и быстро затем перешел к непосредственному наблюдению природы. В течение всего расцвета в XVIII столетии английская живопись, несмотря на ее ретроспективный эклектизм, оставалась дочерью не только своего времени, но и своего народа. Английской является уже область сюжетов, где альфой и омегой остается по-прежнему портретная живопись, а рядом с ней вступают в свои права родной ландшафт и родная жизнь. По-английски проявляется ее пристрастие к благородному и изящному тону, в рамках тепло прочувствованного домашнего быта. Отсюда же — известная декоративная черта, отличающая ее. Краски ландшафта и портретных околичностей повторяют, ради «картинного эффекта», зачастую лишь слишком намеренно избранные краски костюмов изображенных лиц. Но так как они являются истинными цельными личностями, то неизменно привлекают к себе.

Рис. 235. «Продавщица крабов». Картина Вильяма Хогарта в Национальной галерее в Лондоне

Пять чрезвычайно различных мастеров, Хогарт, Уилсон, Рейнолдс, Гейнсборо и Ромни, выразили первую эпоху расцвета английской живописи. Старший из них — смелый и сознававший свои силы художественный самородок Вильям Хогарт (1697–1764). Хогарт прежде всего реалист. Наблюдение жизни стояло для него на первом месте. «Линия красоты», которую он требовал в своем сочинении «Анализ красоты», появившемся в 1753 г., была уступкой духу времени. Последняя большая работа о нем принадлежит Добсону. Не менее мастерски, чем кистью, владел он грабштихом, иглой и крепкой водкой. В основе его искусства лежит непреклонное желание правдиво и изящно бросать на плоскость свои добросовестные наблюдения. И он начал с портретной живописи. Его автопортрет с собакой, шесть голов слуг, поразительная по своим чисто живописным достоинствам «Продавщица крабов» находятся все в лондонской Национальной галерее; портрет барона Ловата Национальной портретной галереи показывают его портретный талант с лучших сторон. «Капитан Корам» в лондонском Воспитательном доме (1739) принадлежит к числу лучших портретов в мире. Слабоватые большие стенные картины «Милосердный самарянин» и «Исцеление слепого» (1736) на лестнице госпиталя св. Варфоломея не так хорошо характеризуют Гогарта как исторического живописца, как смело изображенная «Процессия в (лондонское) предместье Финчли» (1750) и его оригинально написанное «Нахождение Моисея» (1752) в Воспитательном доме в Лондоне.

Рис. 236. «Вскоре после свадьбы». Картина Вильяма Гогарта из серии «Модный брак» в Национальной галерее в Лондоне

Знаменитая картина Хогарта «Ворота Калэ» (1749), в Национальной галерее, составляющая уже переход к жанрам, по силе живописи не уступает хотя бы Гойе.

Своей мировой славой Хогарт обязан сатирическим в духе новелл жанрам и сериям картин, быстро находившим себе, при посредстве гравюры, распространение во всех странах. Так, уже с 1794 г. начали появляться подражания им с немецкими объяснениями Лихтенберга. Все человеческие пороки и страсти: пьянство, похоть, алчность, подкупность, страсть к нарядам он беспощадно пригвождал к позорному столбу в этих написанных кистью проповедях. Ряд их открывают шесть резких по реализму картин: «Жизнь проститутки» (1731), из которых сохранилась лишь одна в собрании графа Уимс (Wemyss). В 1735 г. последовали восемь поразительных картин, рисующих «Жизнь развратника», теперь в музее Сон в Лондоне; «Поэт в нужде» украшает Гросвенор Хауз в Лондоне; знаменитая серия из шести картин «Модного брака» 1745 г. находится в лондонской Национальной галерее. Правда, Хогарт писал эти богатые фигурами картины прежде всего с нравоучительной тенденцией; правда, он даже схваченные с поразительной, иногда граничащей с карикатурой остротой типичные фигуры рисовал лишь по памяти; сочиненность этих изображений сказывается в каждой мелочи околичностей; все обдумано, каждый предмет имеет свое значение. Но характерные фигуры этих картин так выразительны, их движения и мимика, их действия, находящие живой отклик в душе, переданы так увлекательно, а чисто живописные достоинства их светотени и красочных аккордов столь несомненны, несмотря даже на известную сухость кисти, что мы безусловно должны признать их за крупные, значительные художественные произведения, мерилом которых служат они сами. Во всяком случае, Хогарт был первый английский художник, слава которого уже в XVIII столетии пронеслась по всему континенту.

Следующим по возрасту был пейзажист Ричард Уилсон (1713 до 1782), биография которого написана Райтом. Первоначально портретист, Уилсон развился в Италии (1749–1755) на картинах Пуссена и Клода в «английского Клода Лоррена». Широта линии и равновесие композиции отличают его ландшафты в равной мере, как и их образцы. Но Уильсон умел также сообщить своим идеальным ландшафтам аромат непосредственного и по-английски прочувствованного настроения. Из его картин в Национальной галерее мифологический сюжет имеет еще большой идеальный ландшафт со «Смертью Ниобидов», несколько напоминающий Сальватора Розу. Но уже пандан к этой картине, «Вилла Мецената», напоминающая Пуссена, есть тем не менее типичное произведение Уилсона, так как свободна от всякой мифологии. Особенно величественны тучи, собирающиеся на небе, наполовину освещенные солнцем. Небольшие итальянские ландшафты и еще меньший по размерам английский речной ландшафт с купающимися мальчиками при солнечном свете, несмотря на стилизованность, ясны и правдивы по формам и краскам. Особенно теплым светом напоен приобретенный галереей лишь в 1900 г. большой речной ландшафт с руинами. Романтична по настроению его большая картина в собрании лорда Норсбрука в Лондоне, пламенным колоритом отличается «Закат солнца» в Эдинбургской галерее. Лучшие из его картин имеют непреходящее значение в истории живописи.

Поделитесь на страничке

Следующая глава >

history.wikireading.ru

Английская живопись 18 века: художники, школы

В середине XVII в. Англия становится одной из первых стран Западной Европы, переживших буржуазную революцию. Английским аристократам приходится делиться властью с представителями крупной буржуазии. Быстро развивается экономика страны, формируется своеобразная английская культура. Подъем переживает литература, а наука выходит на одно из первых мест в мире.

Новые черты проникают и в живопись, но расцвета она достигает лишь в XVIII в., именно тогда начинает формироваться английская национальная школа. Большую роль в ее развитии сыграл Уильям Хогарт.

Уильям Хогарт

Уильям Хогарт родился в 1697 г. в семье переехавшего в Лондон сельского учителя, который в столице работал типографским корректором. С раннего детства Хогарт проявил необыкновенные способности к рисованию. Тонкая наблюдательность и почти феноменальная память в дальнейшем помогали ему вносить в свои произведения множество мелких деталей и подробностей.

В 1713 г. юноша стал учеником ювелира и гравера по серебру Э. Гембла. Здесь он познакомился со стилем рококо и приобрел навыки резки по металлу. В 1720 г. Хогарт поступил в лондонскую академию Дж. Торнхилла, чьи барочные росписи произвели на начинающего художника неизгладимое впечатление. Влюбившись в дочь своего учителя, Хогарт в 1729 г. похитил девушку и женился на ней.

В 1730 г. Хогарт закончил обучение и начал работать самостоятельно. Еще в 1728-1729 гг. он исполнил первую свою картину, сюжетом которой стал эпизод из «Оперы нищих» Гэя. В 1731 г. художник пишет цикл из шести полотен, получивших общее название «Карьера проститутки». По своему содержанию серия напоминает роман Д. Дэфо «Молль Флендерс», но вовсе не является иллюстрацией к этому литературному произведению. Хогарт взял сюжет для своих полотен из реальной действительности, рассказав историю крестьянской девушки Мэри Хэкабаут, которая, приехав в Лондон, знакомится со старой сводней, теткой Нидхем. Мэри становится содержанкой и постепенно скатывается на самое дно лондонской жизни.

Каждая из шести картин представляет отдельный эпизод из жизни девушки: приезд в Лондон и знакомство со сводней, посещение дома своего покровителя, арест Мэри и печальный конец ее жизни. Хогарт вносит в полотна множество деталей, имеющих отношение к развитию сюжетной линии: например, гусь в корзине девушки свидетельствует о том, что она недавно оставила родную деревню.

К сожалению, эти произведения Хогарта сгорели во время пожара, случившегося в 1755 г., но историю Мэри поведали гравюры, сделанные Хогартом со своих полотен. Живописец сделал их для того, чтобы разоблачить порочность нравов своей эпохи. Гравюры очень быстро нашли покупателей, и художник получил необходимые средства к существованию.

В 1735 г. Хогарт создает новую серию, на этот раз из восьми картин, названную им «Карьерой мота». Эти полотна рассказывают печальную историю человека, в порочных развлечениях промотавшего оставленное ему по наследству состояние. С «Карьеры мота» художник также сделал гравюры.

В период с 1743 по 1745 г. живописец работает над самым значительным своим произведением — серией картин под общим названием «Модный брак» (подобные браки были распространены в эту эпоху). Картины повествуют о женитьбе промотавшего состояние графа на дочери богатого английского купца. Теперь муж в кутежах тратит состояние своей богатой жены, которая от безделья заводит любовную интрижку. Кончается история очень печально: граф погибает от ножа любовника своей жены, последний попадает на виселицу, а графиня заканчивает жизнь самоубийством.

Хогарт очень последовательно рисует все эпизоды этой поучительной истории. Первое полотно изображает момент подписания брачного контракта, второе — утро в доме супружеской четы. Хорошенькая молодая графиня сидит в гостиной, потягиваясь после долгого сна и не обращая никакого внимания на своего супруга, развалившегося в кресле: вероятно, он только что вернулся с ночного кутежа. На полу в беспорядке валяются музыкальные инструменты, нотная тетрадь, игральные карты — все указывает на вчерашнее бурное веселье шумной компании. Слуга лениво поднимает брошенные на пол стулья, а управляющий возмущенно покидает комнату с пачкой неоплаченных счетов в руке.

Хогарт очень тщательно прорисовывает все детали, давая зрителю возможность увидеть именно то, что он хочет донести до ума и сердца последнего. В такой же манере исполнены и остальные картины серии «Модный брак». Большую роль играет мягкий колорит полотен, золотистые, серебристо-серые, розовые оттенки которого позволяют художнику передать внешнее благополучие жизни аристократа.

В эти же годы Хогарт задумал новую серию картин — «Счастливый брак», но исполнил для нее лишь небольшой эскиз «Сельский бал» («Маскарад на ассамблее Уанстед»), в котором живописец предстает как замечательный колорист. Эскиз полон динамики, передающей атмосферу веселого бала в провинциальном дворянском обществе.

Художника интересует жизнь не только столичной знати и провинциального дворянства, но и других слоев английского общества («Саутуоркская ярмарка», 1733; «Четыре времени суток», ок. 1736; «Улица пива», 1751; «Переулок джина», 1751). Примечательно полотно «Переулок джина», в котором мастер показывает такой отвратительный порок, как пьянство. Улицу, изображенную на картине, заполняет множество пьяных людей: мужчины дерутся между собой, в беспамятстве валяются на земле.

Изможденные голодом и одуревшие от джина, они представляют собой ужасное зрелище. Вот голодный бродяга, отнимающий кость у собаки, рядом пьяная мать, из рук которой выскальзывает на землю ее ребенок.

Другая женщина отдает за глоток зелья свое имущество, а ремесленник с этой же целью — инструменты, с помощью которых он зарабатывал себе на жизнь.

Вероятно, картина «Улица пива» была написана в противовес «Переулку джина». На этом полотне Хогарт изобразил преуспевающих мелких буржуа в минуты отдыха. Веселые пузатые лавочники с огромными пивными кружками в руках расположились прямо на улице.

Уильям Хогарт. Улица пива. Гравюра. 1751 г.

Уильям Хогарт. Улица пива. Гравюра. 1751 г.

Так же нравоучительна серия гравюр «Леность и прилежание», исполненная художником в 1747-1748 гг. Действие в этих произведениях разворачивается на ткацкой мануфактуре. Хогард показывает, как трудолюбивый и старательный подмастерье женится на хозяйской дочери, постепенно богатеет и в конце концов становится лорд-мэром. Ленивый работник играет в азартные игры и ворует, затем совершает убийство, которое приводит его на виселицу. Чтобы усилить воздействие на зрителя, автор сопровождает листы подписями назидательного характера.

Самой значительной работой последнего периода жизни художника стала серия картин под названием «Выборы в парламент» (ок. 1754). Этот цикл обличает существовавшую в XVIII в. в Англии систему выборов. Первая картина представляет предвыборный банкет, следующие изображают, как партии-противники разворачивают агитацию в маленьком провинциальном городке. Агитаторы не брезгуют никакими, даже самыми грязными, средствами для достижения своих целей. Наконец-то наступает день выборов. Чтобы набрать большее число голосов, к избирательным урнам приносят умирающих и полных идиотов. И вот один из кандидатов достиг заветной цели — в кресле его с триумфом проносят по улицам городка. А борьба по инерции продолжается: дерутся сторонники и противники победителя, какой-то человек размахивает цепом, в испуге разбегаются свиньи и гуси. Все это удивительно напоминает и современную действительность.

В наше время многие критики (особенно английские) пытаются приуменьшить значение обличительного творчества Хогарта, считая, что «карикатура встала между ним и жизнью». Художник действительно много сделал для развития карикатуры, но его картины значительно отличаются от произведений этого вида искусства. Полотна поражают мастерством автора в использовании живописных средств, виртуозностью рисунка и разнообразием цветовой гаммы. Картины Хогарта жизненны, реалистичны и искренни, недаром к художнику с огромным уважением и любовью относились писатели Дж. Свифт и Г. Филдинг, актеры Д. Гаррик и Э. Кин.

Хотя назидательные произведения Хогарта отличаются некоторой наивностью и искусственностью, большим достижениемявилось уже то, что художник сумел показать социальные конфликты своего времени, не прибегая к иносказательности, как это делали многие его предшественники и современники.

Замечательное мастерство живописца проявилось и в портретном жанре. Первые портреты Хогарта выполнены в виде т. н. разговорных сцен, необыкновенно популярных в его эпоху («Семейство Уолластон», 1730; «Семейство Чомли», 1732).

Самые замечательные свои картины Хогарт исполнил в 1740-е гг. Шедевром мастера стал портрет его друга, капитана Корэма (1740). Парадная форма изображения, выбранная художником для того, чтобы показать значимость этого представителя средних классов, не заслоняет чувства искренней авторской симпатии, которое присуще образу старого моряка.

Интересен и автопортрет, написанный Хогартом в 1745 г. Художник поместил свое изображение в глубине картины. На зрителя смотрит немолодой человек в халате и колпаке. На переднем плане — его палитра, книги У. Шекспира, Дж. Свифта, Дж. Мильтона и пес Трамп. Такая композиция говорит о скромности живописца и в то же время о его гордости за свое искусство.

В наследии Хогарта множество искренних и одухотворенных портретов его родных, друзей, знакомых («Портрет миссис Солтер», 1741-1744), а также этюдов с изображением простых людей, среди которых — знаменитая «Девушка с креветками» (1740-1750-е), ставящая автора в один ряд с такими великими мастерами портретной живописи, как Ф. Халс и Д. Веласкес. На полотне представлена молодая девушка-рыбачка, на голове которой стоит широкая корзина с креветками. Хотя коричнево-серое одеяние и старая шляпа девушки кажутся невзрачными и некрасивыми, ее милое и свежее лицо, веселая улыбка, блестящие темные глаза делают образ живым и очаровательным.

Хогарт положил начало практике общественных выставок в Англии. Он часто выступал перед публикой, показывая ей свои картины. Благодаря Хогарту в Лондонском приюте была собрана целая галерея картин, привлекавшая любителей живописи. Это натолкнуло мастера на мысль об организации крупной художественной выставки, которая и была открыта в 1760 г. в здании Общества искусств, промышленности и торговли.

В 1735 г. Хогарт стал преподавать в академии Торнхилла, своего тестя, после смерти которого он реорганизовал это учебное заведение, сделав его более демократичным. Незадолго до своей смерти Хогарт получил звание придворного художника.

Умер Хогарт в 1764 г. После его смерти обличительный бытовой жанр перестал существовать в английской живописи.

В XVIII в. в Англии трудилось множество художников, работавших в модном «разговорном» жанре, о котором уже упоминалось выше. Мастера, писавшие «разговорные сцены», нередко льстили своим заказчикам, изображая провинциальных дворян и буржуа умными, образованными людьми. В этом жанре работали Френсис Хейман, Джозеф Хаймор, автор иллюстраций к роману Ричардсона «Памела».

Большое распространение получили пейзажные картины с охотниками и их собаками. Такие произведения создавал Джон Вуттон, а Джордж Стаббс изображал породистых лошадей. Джордж Ламберт исполнял композиции с дворянскими усадьбами. Автором городских пейзажей, близких к ведутам Каналетто, был Сэмюэль Скотт.

В портретном жанре работали модный художник Томас Хэдсон и талантливый живописец, позднее уехавший в Италию, Аллан Рамзей.

В 1768 г. под патронажем короля в Лондоне была основана Королевская академия художеств. Первым ее президентом был крупнейший английский живописец Дж. Рейнолдс.

Джошуа Рейнолдс

Джошуа Рейнолдс родился в 1723 г. в Плимптоне (Девоншир) в семье пастора. В доме его отца было множество прекрасных книг, которые помогли будущему художнику стать образованным человеком. В возрасте 17 лет Рейнолдс начал учиться у Т. Хэдсона в Лондоне. Через два с половиной года художник вернулся домой, в Плимптон, где начал писать на заказ портреты.

В 1749 г. на борту военного корабля Рейнолдс отправился в путешествие вокруг Европы. Покинув корабль в Италии, живописец в течение трех лет изучает искусство великих мастеров Возрождения.

В 1752 г., возвращаясь на родину, Рейнолдс посещает Париж. С 1753 г. художник живет в Лондоне, где получает известность как талантливый портретист.

Даже раннее творчество Рейнолдса («Портрет лейтенанта Робертса») говорит о том, что художник во многом превзошел своего учителя, Т. Хэдсона. Многие его работы своим изяществом и мягким колоритом напоминают манеру А. Рамзея («Портрет леди Анны Норт»).

В 1760-е гг. Рейнолдс — сложившийся мастер со своим оригинальным художественным стилем. Некоторые его портреты восхищают кажущейся простотой и непринужденностью («Писатель Стерн», 1760; «Нелли О’Брайен», 1762). Другие же представляют собой торжественные аллегории («Портрет герцогини Гамильтон-Арджилл в виде Венеры», 1760; «Гаррик между музами трагедии и комедии», 1760-1761). Несмотря на подобную трактовку образов, эти портреты не кажутся холодными и безжизненными.

Пост директора Королевской академии Рейнолдс занимал до самой смерти. В его доме и мастерской собирались известные ученые, писатели, политические деятели, военные, актеры, светские красавицы.

На ежегодных торжественных собраниях, посвященных вручению академических наград, Рейнолдс читал лекции, которые позднее были изданы под заголовком «Речи». Эти сочинения, затрагивающие вопросы художественного мастерства и эстетики, способствовали развитию художественного вкуса публики и образованию молодых живописцев.

Одна из самых замечательных работ Рейнолдса — «Портрет Сары Сиддонс», датированный 1784 г. На этом полотне художник изобразил знаменитую актрису в виде музы трагедии, за троном которой стоят аллегорические фигуры Возмездия и Преступления.

Нередко живописец одевает модели в старинные костюмы, придавая своим картинам сходство с придворным портретом(«Два молодых человека», 1777-1779; «Мальчик из семьи Кру в костюме Генриха VIII», 1776).

Джошуа Рейнолдс. Портрет графини Спенсер с дочерью Джорджианой. 1760-1761 гг.

Джошуа Рейнолдс. Портрет графини Спенсер с дочерью Джорджианой. 1760-1761 гг.

Некоторые портреты Рейнолдса говорят о том, что художник учитывал пожелания своих заказчиков, стремящихся получить полотно, прославляющее добродетели семьи и указывающее на ее положение в обществе. Таковы портреты «Три сестры Монтгомери в виде граций, украшающих цветами изваяние Гименея» (1774), «Портрет семьи герцога Мальборо» (1778), «Сестры Уолдегрев за вышиванием» (1781).

Рейнолдс становится так популярен, что заказчики выстраиваются в очередь к нему. Не успевая выполнять заказы, художник вынужден прибегнуть к услугам помощников.

Рейнолдс умеет тонко подметить не только особенности характера человека, но и его дарования. Таков портрет друга живописца, филолога Сэмюэля Джонсона (1772), изображающий умного и серьезного ученого. Портрет архитектора Чемберса, написанный художником в начале 1780-х гг., представляет зрителям человека, глубоко задумавшегося над своими чертежами. Решимость и уверенность видны во взгляде адмирала Кеппела, которого Рейнолдс изобразил на фоне моря.

В отличие от другого известного портретиста этой эпохи, Т. Гейнсборо, который пишет свои модели чаще всего на фоне природы, Рейнолдс нередко вводит в картины элементы исторического жанра. Одно из таких полотен — портрет адмирала лорда Хитфилда, датированный 1787-1788 гг. Живописец изобразил своего героя на фоне сражения, окутанного густыми клубами порохового дыма. Несмотря на естественность и непринужденность позы адмирала, портрет создает впечатление величественной торжественности, что подчеркивается контрастом ярко-красных оттенков мундира и серо-зеленых тонов фона. В таком же ключе выполнен и более ранний портрет полковника Тарлитона (ок. 1782).

Так же хороши и женские образы Рейнолдса, искренние и полные глубоких чувств. Поэтично изображение графини Спенсор с маленькой дочерью Джорджианой (1760-1761). Очаровательна миссис Ллойд, выводящая вензель на стволе дерева (ок. 1776). Легка и грациозна фигура графини Джен Харрингтон на портрете, написанном в 1779 г.

Кроме портретов, Рейнолдс создает в этот период мифологические и исторические композиции. В 1788 г., выполняя заказ Екатерины II, он пишет картину «Младенец Геракл, удушающий змей», которая должна была символизировать мощь и силу Российской империи. Годом позже Рейнолдс закончил композицию «Великодушие Сципиона Африканского» для Потемкина. Это полотно прославляет благородство полководца, который возвращает дочь побежденного им царя ее жениху. В настоящее время эти картины хранятся в Эрмитаже вместе с другой известной картиной английского мастера — «Венера и Амур» (1788). Считается, что моделью для образа Венеры послужила известная красавица Эмма Лайон, позднее ставшая леди Гамильтон.

Рейнолдс — замечательный колорист. Во многих его картинах доминируют золотисто-красные оттенки, контрастирующие с синими, зелеными и голубыми тонами и придающие особую выразительность изображению.В 1781 г. художник посетил Голландию и Фландрию, где близко познакомился с творчеством П. П. Рубенса и Рембрандта. Влияние великих мастеров заметно в таких свойствах живописи Рейнолдса, как национальная характерность и биографичность портретов. Ярким примером этого стало лучшее произведение последнего периода жизни художника — портрет юриста Джошуа Шарпа, датированный 1786 г.

На полотне изображен немолодой человек, одетый в черное. Рядом с ним лежа книги и листы с записями, указывающие на его профессию. Шарп погружен в собственные мысли, веки его опущены, губы решительно сжаты, а рука опирается о колено, кажется: через несколько мгновений юрист энергично встанет со своего места. Зритель видит раздумье на лице Шарпа, который решает какую-то очень важную для себя задачу. Напряженность образа подчеркивает и колорит картины, доминирующими оттенками которого являются красный, зеленый и черный.

Главное для Рейнолдса — показать не внешнюю красоту своих героев, а проявление способностей и талантов, их устремления и вкусы. Поэтому образы и кажутся такими жизненными и правдивыми.

С 1784 г. Рейнолдс — придворный художник короля. За свои заслуги он получил звание английского пэра и стал сэром Джошуа.

В 1789 г. Рейнолдс начал слепнуть. С этого момента он не написал больше ни одной картины. В 1792 г. замечательный английский портретист скончался.

Современником Рейнолдса был основатель английской пейзажной школы Ричард Уилсон. В молодые годы он писал портреты — главным образом «разговорные сцены». После посещения Италии Уилсон обращается к жанру пейзажа и создает классицистические пейзажи, напоминающие живопись Клода Лоррена («Рим, Понте Молле», 1754). Кроме итальянских мотивов, мастера интересуют виды Уэльса и Англии («Сноудон», ок. 1766). При жизни художник не имел успеха. Картины не приносили Уилсону необходимых средств к существованию, поэтому он согласился занять должность библиотекаря Королевской академии. В последние годы жизни разочарованный живописец вернулся на родину, в Уэльс.

Крупнейшим английским пейзажистом, наряду с Рейнолдсом, был Т. Гейнсборо.

Томас Гейнсборо

Томас Гейнсборо родился в 1727 г. в Сёдбери (Суффолк) в семье торговца сукном. Очень рано он проявляет интерес к лепке фигурок различных животных, а в 10 лет выполняет первые зарисовки с видами природы Суффолка.

В 1740-е гг. Гейнсборо уезжает в Лондон, где обучается у гравера Ю. Гравло. Некоторое время он берет уроки живописи у Ф. Хеймана. В 1746 г. художник женился на внебрачной дочери герцога де Бофор и поселился в городке Ипсвиче, расположенном недалеко от Сёдбери. Здесь Гейнсборо выполнял заказные портреты, а в свободное время писал пейзажи. Хотя художник и жаловался своим друзьям, что заказы мешают ему заниматься свободным творчеством, от материальных трудностей семью избавляло небольшое состояние, полученное женой Гейнсборо в наследство.

Ранние портреты художника, представляющие английские семьи, прогуливающиеся или отдыхающие на природе, немного напоминают «разговорные сцены». Большую роль в этих композициях играет пейзаж, иногда похожий на голландские ландшафты, как, например, в картине «Мистер Браун с женой», написанной в период с 1754 по 1755 г. В других полотнах модели изображены на фоне скромной, но очень поэтичной английской природы. Чудесен пейзаж с пшеничным полем в более раннем полотне «Портрет мистера Эндрюса с женой» (ок. 1749) . Картину английской природы представляет и автопортрет с женой и дочерью, исполненный Гейнсборо около 1751 г.

Томас Гейнсборо. Портрет мистера Эндрюса с женой. Ок. 1749 г.

Томас Гейнсборо. Портрет мистера Эндрюса с женой. Ок. 1749 г.

С 1759 по 1774 г. художник живет в Бате, который был в то время популярным курортом. Посещая имения местной знати, Гейнсборо знакомится там с картинами знаменитого А. Ван Дейка, которые произвели на него большое впечатление. Живописца привлекает одухотворенность образов великого фламандца. В манере Ван Дейка исполнены портреты доктора Шомберга (1768), леди Молине (1769), Бенджамина Трумена (ок. 1770). В этих работах пейзаж уже не имеет самостоятельного значения, как в более ранних портретах. Природа здесь лишь подчеркивает то настроение, которое владеет изображенным на полотне человеком. Но это вовсе не значит, что Гейнсборо перестает интересоваться пейзажем. Пейзаж для него так же важен, как и портрет, доказательством чего является композиция «Повозка со жнецами» (1767), представляющая гармоничную связь жизни человека с природой.

В Бате Гейнсборо, любивший музыку, знакомится с композитором Абелем, музыкантами Фишером и Линли. В 1761 г. он принимает активное участие в выставках Общества художников, а с 1769 г. в экспозициях Королевской академии. Лишь в 1784 г., разорвав отношения с Академией, он перестает посылать свои работы на ее выставки.

В 1774 г. Гейнсборо обосновался в Лондоне. Он необыкновенно популярен, ему заказывают портреты те же самые актеры, писатели, политики, которые позируют и Рейнолдсу. Заказов так много, что у художника не остается времени на создание любимых им натурных пейзажей. Мечтой о тишине сельской природы пронизана картина «Водопой» (1777) и композиция «Вход в хижину» (1778), изображающая молодую крестьянскую женщину с детьми на фоне спокойного английского ландшафта.

В отличие от Дж. Рейнолдса Гейнсборо не использует аллегорических мотивов при создании портрета. Его работы более интимны, для художника важно изобразить состояние человеческой души, а не занимаемое положение в обществе.

Большой интерес представляет портрет миссис Грехэм, исполненный художником в 1777 г. В позе юной красавицы, в ее немного высокомерном взгляде, отведенном в сторону, сквозит упрямство и своенравие.

Мечтательностью и поэтичностью отмечен образ полковника Сент-Леже на полотне, написанном Гейнсборо около 1782 г.

Портреты Гейнсборо более интимны, чем картины Рейнолдса. Ярким примером этого служит полотно, изображающее Сару Сиддонс (1783-1785). Актриса одета не в костюм музы, а в обычное платье. Для Гейнсборо главное — показать интересного человека, способного тонко чувствовать и глубоко мыслить.

Ничто не указывает на профессию женщины на полотне, но в то же время зритель видит, что перед ним — незаурядная личность, которой живописец восхищается. Так же выразительны и одухотворенны портреты композитора Абеля (ок. 1777) и музыканта Фишера (ок. 1788).

Томас Гейнсборо. Портрет миссис Грехэм. 1777 г.

Томас Гейнсборо. Портрет миссис Грехэм. 1777 г.

Яркое мастерство художника проявилось в его двойных портретах. Замечательны ранние работы Гейнсборо, представляющие его маленьких дочерей (1755-1756), детей Линли — Элизу и Томаса (1768), а также прекрасное полотно «Утренняя прогулка» (1785), на котором изображен сквайр Халлет и его жена, прогуливающиеся по парку в сопровождении своей собаки.

Фигуры на картинах Гейнсборо не так величественны и монументальны, как у Дж. Рейнолдса, они кажутся легкими, подвижными и удивительно живыми. В его палитре немного красных оттенков, любимые цвета Гейнсборо — серебристо-голубые, зеленоватые и оливково-серые. В такой тональности выполнен знаменитый портрет герцогини де Бофор (1770-е), хранящийся в Эрмитаже. Звучные и чистые краски придают образу молодой женщины нежность и поэтическое очарование. Также выразителен и известный портрет сына промышленника Баттола (ок. 1770) — т. н. «Голубой мальчик», исполненный в серо-голубой гамме.

В последние годы жизни Гейнсборо, вероятно под влиянием живописи Мурильо, пишет сельские пейзажи с человеческими фигурами. Тонким поэтическим чувством пронизана картина «Девочка с поросятами» (1782) и более поздняя работа «Девочка, собирающая грибы». Пейзажи Гейнсборо не имели большого успеха у современников, лишь последующие поколения оценили их по достоинству.

Помимо Дж. Рейнолдса и Т. Гейнсборо, в портретном жанре в этот период работал Джордж Ромни, сын столяра, учившийся у странствующего портретиста. Хотя Ромни никогда не выставлял свои картины в Академии (Дж. Рейнолдс очень ревниво относился к проявлениям таланта других художников), во второй половине XVIII в. он стал необыкновенно популярным лондонским портретистом.

В духе Дж. Рейнолдса и Дж. Ромни работал более молодой их современник Джон Хопнер, автор прекрасных портретов писателя Р. Б. Шеридана и политика У. Питта Младшего.

Во второй половине XVIII в. большую популярность приобрел писавший портреты, жанровые и исторические композиции художник Джон Опи, которого современники называли «английским Караваджо».

В области портретной миниатюры известны имена таких мастеров, как Озайас Хемфри, Джон Смарт, Ричард Косуэй, Джордж Энгельгарт, исполнявшие свои произведения на пластинках из слоновой кости.

В этот период в английской живописи преобладал портретный жанр; пейзаж, бытовая сцена, исторические и мифологические композиции были гораздо менее распространены. Писали акварельные пейзажи Александр Казенс и его сын, Роберт Казенс. Известными жанристами были Джозеф Райт из Дерби, Джордж Морленд, Френсис Уитли.

Девятнадцатое столетие стало эпохой бурного экономического развития стран Западной Европы. В промышленности утвердилась крупная фабрично-заводская индустрия, значительно расширился мировой рынок. Почти во всех европейских странах буржуазные революции привели к полной победе прогрессивных, капиталистических отношений. Все это способствовало подъему национальных культур. Расцвет переживала мировая наука, а также литература и искусство, где утвердились три основных художественных направления: классицизм, романтизм и реализм.

Ведущую роль в западноевропейском искусстве играла Франция, возглавившая революционное преобразование общества из феодального в буржуазное.

istoriya-iskusstva.ru