Художник-кукрыникс Михаил Куприянов. Биография, картины. Биография картины


Художник Федор Алексеев, мастер городского пейзажа. Биография, картины Алексеева

Федор Алексеев

Красная площадь в Москве. 1801  

Федор Яковлевич Алексеев [р. между 1753—55, Петербург, — умер 11(23).11.1824, там же], русский живописец-пейзажист. Первый в русской живописи мастер городского пейзажа.

Федор Алексеев  был сыном сторожа Академии наук. Федор Алексеев В 1766-73 гг. учился в АХ, сначала в классе "живописи цветов и плодов", затем в пейзажном. В 1773 г. за  программный пейзаж получил золотую медаль и был отправлен на три года в Венецию заниматься живописью театральных декораций, хотя это и не соответствовало его склонностям. В Венеции Федор Алексеев изучает ее знаменитых пейзажистов А. Каналетто, Ф. Гварди, увлекается видовыми и фантастическими гравюрами Д.Б. Пиранези, жившего в Риме. Этим молодой художник навлекает на себя недовольство академического начальства. По возвращении на родину Федора Алексеева встретили весьма сдержанно, ему не только не предложили никакой программы на получение академического звания, но и принудили работать декоратором при театральном училище (1779-86). Оставить нелюбимую службу художнику удалось благодаря копированию пейзажей А. Каналетто, Б. Беллотто, Г. Робера и Ж. Берне из собрания Эрмитажа. Копии Федора Алексеева, творчески воспроизводящие саму живописную систему оригиналов, имели невероятный успех. Они принесли художнику славу "российского Каналетто" и долгожданную возможность перейти к писанию оригинальных пейзажей.

Среди его работ 1790-х гг. особенно известны "Вид Петропавловской крепости и Дворцовой набережной" (1793) и "Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости" (1794). Алексеев создает возвышенный, отлитый в совершенную форму (в соответствии с законами классицизма) и одновременно живой образ большого, величественного, индивидуального в своей красоте города, в котором человек чувствует себя как житель золотого века. Идеальное и реальное находятся здесь в полном равновесии.

За эти картины Федор Алексеев получает в 1794 г. звание академика перспективной живописи. В следующем году художника посылают в Новороссию и Крым писать виды мест, которые в 1787 г. посетила Екатерина II. Так появляются пейзажи южных городов - Николаева, Херсона, Бахчисарая.

В 1800 г. император Павел I дает Федору Алексееву задание написать виды Москвы. Художник увлекся старой русской архитектурой. Он пробыл в Москве больше года и привез оттуда ряд картин и множество акварелей с видами московских улиц, монастырей, предместий, но главным образом - разнообразные изображения Кремля. Эти виды отличаются достоверностью, даже документальностью. Московские работы привлекли к Алексееву многочисленных заказчиков, среди которых оказались знатнейшие вельможи и члены императорской семьи.

Праздник иконы Казанской Божьей матери на Красной площади 

иконы Богородицы В 1800-х гг. Федор Алексеев - уже глава класса перспективной живописи в АХ (с 1802 г.) вновь вернулся к любимой им теме Петербурга. Но теперь пристрастие к гармонии целостного пространства картин у художника сменилось большим интересом к миру людей и их жизни на фоне тех же прекрасных дворцов и широкой Невы. В его работах словно появился шум города. Люди с их повседневными делами занимают теперь весь передний план полотен. Формы стали отчетливее, объемнее, тяжелее, колорит значительно потеплел, живопись приобрела особую плотность. Таковы "Вид Английской набережной со стороны Васильевского острова", "Вид на Адмиралтейство и Дворцовую набережную от Первого кадетского корпуса", "Вид Казанского собора в Петербурге", "Вид на Стрелку Васильевского острова от Петропавловской крепости".

Постепенно публика забывает стареющего художника. Умер этот замечательный жипописец, многолетним и упорным трудом доказавший свое право быть пейзажистом, в превеликой бедности, оставив большое семейство. Академия вынуждена была выдать деньги на его похороны и пособие вдове и малым детям.

Соборная площадь в Московском Кремле   

 

картина Алексеева

Панорамный вид Царицино  

Внутренний вид двора с садом. Лоджия в Венеции. 1776г. Копия картины А. Канале (Каналетто) 

Копия картины А. Канале

Вид Храма Василия Блаженного от Московской улицы   

Вид на Стрелку Васильевского острова от Петропавловской крепости. 1810г.  

Вид на Московский Кремль со стороны Каменного моста   

Вид на воспитательный дом

Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости. 1794

Вид города Николаева. 1799

Вид города Бахчисарая. 1798

Комментарии пользователей Facebook и ВКонтакте. Выскажи мнение.

Последние материалы в этом разделе:

  • Творчество Франса Халса (1581/85-1666) Автопортрет Всю свою жизнь — практически безвыездно — Ф...

    2018-08-31

  • Творчество Иероним Босх  (Ок. 1450-1516) Великий нидерландский живописец Иероним ван Акен, которо...

    2018-08-19

  • Ян Бартольд Йонгкинд  (1819-1891) Замечательный художник, мало известный широкой публике, сыграл ...

    2018-08-10

  •  Творчество Тициана (1488/90—1576) Венецианская живопись — это особый мир в искусстве итальянског...

    2018-08-03

  • Творчество Мазаччо (1401—1428) Города Италии, ставшие практически самостоятельными государствами в...

    2018-07-22

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

www.artcontext.info

Художник-кукрыникс Михаил Куприянов. Биография, картины

Биография Куприянова (1903-1991)

Михаил Куприянов страстно увлекался рисованием с детства. Еще мальчиком на роди­не, в небольшом волжском город­ке Тетюши, он принял участие в выставке самодеятельных худож­ников, и его акварельный пейзаж получил первую премию.

 

Но годы его юности совпали с трудным периодом становления Советского государства. Была разруха, вре­мя было голодное, и Куприянову пришлось податься на заработки в чужие края. Так он попал ра­бочим на угольные шахты Турке­стана. Там тоже было замечено его увлечение рисованием. Моло­дая советская власть всячески поддерживала народные таланты. Куприянова откомандировали в ташкентскую художественную школу-интернат. Занятия юноши проходили настолько успешно, что вскоре он получил направле­ние в Москву для продолжения художественного образования в высшем учебном заведении. Во Вхутемас его приняли без экза­менов на основании представлен­ных им работ. Куприянов попал на литографское отделение гра­фического факультета, где его на­ставниками стали выдающиеся советские графики Н. Н. Купреянов и П. В. Митурич. К началу учебы во Вхутемасе молодой студент имел уже неко­торый жизненный опыт, и его цепкая память сохранила многое из того, с чем он повстречался, когда «зайцем» проделал далекий путь от Волги до Ташкента то в теплушке, то на крыше товарно­го вагона, то спрятавшись под лавкой на волжском пароходе. Вероятно, уже тогда он умел всматриваться в то, что встреча­лось на пути, схватывать характер­ное в человеческих лицах, чутко улавливать все забавное и смеш­ное. Его занятия не ограничива­лись стенами класса и изображе­нием той или иной модели, его тянуло в город, где в живом те­чении жизни рисовал он на ули­цах, бульварах, в поездках, а также во время каникул. Но особенно близка была хмуро­му с виду, долговязому юноше в пенсне стихия смешного. Именно эта его черта свела его сначала с Порфирием Крыловым, чьи ка­рикатуры он приметил в вузов­ской стенгазете, в разделе «Арап- отдел», а затем с Николаем Со­коловым. С той поры и зароди­лось известное теперь во всем мире содружество «Кукрыниксы». Не случайно темой дипломной работы Куприянова стала серия шаржей на деятелей искусств — Эйзенштейна, Станиславского, Мейерхольда, Луначарского, Гра­баря и других. Условием диплома было выполнение работ в разных литографских техниках, которыми Куприянов должен был овладеть во время курса обучения. В студенческие годы Куприянов пробовал свои силы не только на поприще изобразительного искус­ства. Случалось ему руководить постановками популярных в 20-е годы синеблузников, выступать с эстрады с чтением стихов Мая­ковского, работать культурником в доме отдыха. И этот разносто­ронний опыт пригодился ему в дальнейшем.

Кукрыниксы

Кукрыниксы

Конечно, трудно, да, пожалуй, и бесполезно, глядя на рисунки Кукрыниксов, доискиваться, ка­кая линия, какое пятно, какой ракурс принадлежит перу или кисти того или другого из трех авторов. Однако, всматриваясь в зарисовки, сделанные ими по­рознь, можно понять, какие свой­ства своей художественной нату­ры принес каждый в коллектив­ное творчество. Так, вглядываясь в зарисовки Куприянова, сделан­ные на Нюрнбергском процессе в 1945 году, можно усмотреть стремление к предельной заост­ренности и метафорической обоб­щенности в том, как голова палача Кальтенбруннера уподоб­лена топору, насаженному на то­порище-шею, а облик фон Папена напоминает традиционное аллегорическое изображение смерти. Совсем иным предстает Куприя­нов в своих живописных работах, исполненных не от лица Кукры­никсов. Здесь он поэт и лирик. Пейзаж издавна стал его излюб­ленным жанром живописи, в ко­тором он постигает поэтическую прелесть и очарование родной природы.

Вспоминая о своих детских годах, проведенных на Волге, Куприя­нов замечает: «Пароход, дав про­щальный гудок, покидал при­стань. А мы, мальчишки, возвра­щались к прежним занятиям: ку­пались в реке, ловили рыбу, ка­тались на лодках. Вероятно, этим объясняется, почему я с детства люблю воду, люблю писать пей­зажи с водой, лодками, баркаса­ми». Быть может, именно поэто­му он так поэтично передает при­брежный пейзаж Азовского моря («Два баркаса»*, 1952), так охот­но обращается к видам Ленин­града, где архитектурные шедев­ры любуются своим отражением в зеркале рек и каналов. Таковы его полотна 1957 года «Мойка» и «Мойка. Вечер».

Пейзаж «Геническ. Отражение луны» (1957) наполнен очарова­нием летней ночи: лунный свет сливается с чуть розоватым пред­рассветным освещением, в застыв­шем воздухе растворилась грани­ца воды и неба, в немом оцепе­нении застыли лодки с высокими мачтами, и зритель будто слышит тишину, разлитую в природе в этот ранний час.

Совершенно иное настроение вы­ражено в картине 1981 Года «Ре­ка Нара». Здесь ощущается зной летнего полдня, резко обозначен ный контраст света и тени; пыш­ная листва отражается на водной поверхности, от которой будто веет вожделенной прохладой. Неизменная внутренняя наполнен­ность работ Куприянова, его ост­рая наблюдательность, тонкая ли­рическая окрашенность произве­дений — вот основные черты твор­ческой индивидуальности худож­ника.

Карикатуры Кукрыниксов

 

Картины Куприянова

Картина Куприянова

Михаил Куприянов

Комментарии пользователей Facebook и ВКонтакте. Выскажи мнение.

Последние материалы в этом разделе:

  • Творчество Франса Халса (1581/85-1666) Автопортрет Всю свою жизнь — практически безвыездно — Ф...

    2018-08-31

  • Творчество Иероним Босх  (Ок. 1450-1516) Великий нидерландский живописец Иероним ван Акен, которо...

    2018-08-19

  • Ян Бартольд Йонгкинд  (1819-1891) Замечательный художник, мало известный широкой публике, сыграл ...

    2018-08-10

  •  Творчество Тициана (1488/90—1576) Венецианская живопись — это особый мир в искусстве итальянског...

    2018-08-03

  • Творчество Мазаччо (1401—1428) Города Италии, ставшие практически самостоятельными государствами в...

    2018-07-22

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

www.artcontext.info

Художник-примитивист Серафина: картины, биография

Серафина Луи (1864-1942)

 Серафина

Кто бы мог предположить, что имя полунищей прислуги ро­дом из маленькой деревушки на берегу реки Уазы войдет в со­лидную энциклопедию «Наивного искусства», изданную в 1984 году совместно югославским и английским издатель­ствами?

Сам по себе интерес к любительской живописи существует уже много лет. Именно во Франции чудак-одиночка, работав­ший на парижской таможне, Анри Руссо привлек к себе сим­патии самых ярких представителей искусства начала века — Пабло Пикассо и Гийома Аполлинера. Спустя несколько лет молодой тбилисский художник Кирилл Зданевич и его друзья открыли для широкой публики в России произведения их за­мечательного соотечественника Нико Пиросманашвили.

Фактически в каждой стране на земном шаре — в самой передовой и в самой отсталой — можно было найти феномены искусства художников-самоучек. Но знатоки живописи, про­фессионалы-искусствоведы продолжали рассматривать это явление как побочное, не имеющее никакого отношения к магистральной линии развития искусства. Всемирная энцикло­педия (ее подготовили известный венгерский исследователь ис­кусства XX века Ото Бихали-Мерин и Небоша-Бато Томашевич) как бы канонизировала имена тех сотен художников, которые вошли в это солидное научное издание. Собранное воедино искусство наивных художников из разных стран предстало как значительный аспект художественной куль­туры XX века. Отсутствие школьной выучки, интуитивное постижение законов построения композиции и сочетаний цве­тов, на первый взгляд, делают похожими друг на друга про­изведения художников-самоучек. Но, проникая в творческий мир каждого отдельного 'художника, можно почувствовать, как неразрывно связано его творчество с глубинными корнями своей, национальной традиции, с самыми важными, глобаль­ными тенденциями в культуре его эпохи.

Серафина — чисто французская художница, выразитель­ница чувств и верований простого народа, который свято хра­нит память о таких своих героинях, как Жанна Д'Арк. Бе на­стоящее имя — Серафина Луи. Отец ее был часовых дел ма­стер. Она была старшей из двух дочерей, очень рано осиро­тевших. Ей пришлось бросить учебу в школе, хотя она дела­ла там немалые успехи. Уже тогда она все свое свободное вре­мя проводила, занимаясь рисунком. С четырнадцати лет она работала прислугой в Компьене. Жизнь была тяжелой, Се­рафина много заботилась о своих родных. В сорок два года ей удалось перебраться в Санлис, завести свое собственное жилье и работать приходящей прислугой. Дом стал для Серафины ее миром. Она принялась расписывать мебель, посуду, писа­ла картины на картоне и на дереве. Иногда ей удавалось об­менять их у местных лавочников на продукты или мелкие предметы домашнего обихода.

Серафина была очень набожной женщиной. Она часто хо­дила в церковь, помогала украшать ее живыми и искусствен­ными цветами. Цветы, листья, деревья были главным сюже­том ее картин. Особенно часто она изображала дерево — рай­ское дерево, древо познания, древо жизни. Мотив этот относит­ся к одному из самых архаических в народной изобразитель­ной культуре и в том или ином виде присутствует в тради­ционном искусстве многих стран. Дерево Серафины — кра­сочное, одухотворенное, движущее листьями и ветвями, как живое существо. Обычно оно занимает всю поверхность хол­ста своей пышной кроной и толстым стволом, к которому при­лепляются еще листики и отростки.

В 1927 году городская благотворительная организация предложила Серафине показать свои картины на выставке, устроенной в ратуше Санлиса. Она выставила три работы.

Тут-то они и попались на глаза жившему во Франции немец­кому знатоку искусства Вильгельму Уде. Он купил все три ра­боты, пришел к Серафине и предложил ей денежную помощь, чтобы она оставила свою работу и все силы отдала живописи.

1927 —1930 годы — время наивысшего расцвета творчества Серафины. Она работала ежедневно, часто вставала ночью и подходила к мольберту, чтобы запечатлеть возникший перед глазами образ. Возможно, свои творческие озарения она вос­принимала так же, как видения, посещавшие святых, о кото­рых ей рассказывал кюре в церкви.

Живопись Серафины — это мощь и сила внутренних дви­жений крестьянской души, отражение чувств и порывов, обыч­ное скрытых в жизни под контролем строгого воспитания и предписываемой женщине сдержанности поведения.

Бихали-Мерин впервые увидел картины Серафины, придя в гости к Вильгельму Уде, жившему в предместье Парижа Сен-Жермен. Среди картин других самоучек произведения Серафины поразили его: ослепительные букеты, расцвечен­ные всеми оттенками экстаза — ярким желтым, раздража­ющим лягушачье-зеленым, умиротворяющим осенним винно- красным, невинным бирюзово-голубым.

Широкая известность пришла к Серафине после выставки, которую организовал в Париже в галерее «Катр-Шмен» Виль­гельм Уде. Он показал здесь работы уже известного публике Анри Руссо и четырех других самоучек, среди них Серафины. Он назвал свою экспозицию «Художники святого сердца». Из всех участников выставки его определение более всего под­ходило именно Серафине. Она была далека от столичной жизни, не знала ее пороков и соблазнов. Жительница провин­ции, Серафина внесла в современную ей пеструю художест­венную жизнь отзвук дальней средневековой мистической традиции. Она никогда не смогла бы стать художником-про- фессионалом. Во Франции художники уже давно относились к своим работам как к товару, входили в сложные отношения с коллекционерами, маршанами, критиками.

Картины Серафины — творение ее души. В них раскрылся ее творческий дар, который она не могла реализовать в пол­ной мере, так как происходила из низшей социальной среды. Скудность и ограниченность бедной жизни обернулись в ис­кусстве художницы космической бескрайностью простран­ства и пышной феерией цвета.

К.БОГЕМСКАЯ

Картина Серафины

 

 

 

Комментарии пользователей Facebook и ВКонтакте. Выскажи мнение.

Последние материалы в этом разделе:

  • Творчество Франса Халса (1581/85-1666) Автопортрет Всю свою жизнь — практически безвыездно — Ф...

    2018-08-31

  • Творчество Иероним Босх  (Ок. 1450-1516) Великий нидерландский живописец Иероним ван Акен, которо...

    2018-08-19

  • Ян Бартольд Йонгкинд  (1819-1891) Замечательный художник, мало известный широкой публике, сыграл ...

    2018-08-10

  •  Творчество Тициана (1488/90—1576) Венецианская живопись — это особый мир в искусстве итальянског...

    2018-08-03

  • Творчество Мазаччо (1401—1428) Города Италии, ставшие практически самостоятельными государствами в...

    2018-07-22

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

www.artcontext.info

Жоан Миро. Биография и картины. Художники Ротко и Поллок. Биографии и картины

Жоан (Хуан) Миро-и-Ферра (1893-1983) – испанский художник, скульптор, график и дизайнер, ведущий представитель абстрактного искусства.

a1Жоан Миро родился 20 апреля 1893 года в Барселоне в семье ювелира-часовщика. Талант к рисованию проявился в нем достаточно рано. Уже в возрасте 8 лет он создавал картины, по которым можно было понять – мальчик станет известным художником.

Родители Миро были рады успехам сына, но настояли на получении им прежде всего «настоящей» профессии. В 1907 году Жоан поступает в школу коммерции, параллельно посещая занятия в Барселонской Школе изящных искусств де ла Лонха. С успехом закончив обучение, в 1910 году Миро устраивается на должность помощника бухгалтера в «Дом Дальмо-и-Оливерас», торгующий аптечными и колониальными товарами. Но уже через год он тяжело заболевает тифозной лихорадкой и для поддержания ослабшего здоровья переезжает на только что приобретенную родителями ферму в Монтройге. Здесь, вдохновленный каталонской природой, Миро решает посвятить себя и свою жизнь искусству.

В период с 1912-1915 гг. Жоан обучается в частной художественной академии Франсиско Гали в Барселоне. В это время молодой художник пишет свои первые серьезные работы («Фермер», 1914). Здесь он также знакомится с каталонскими живописцами, в том числе будущим своим помощником, керамистом Л. Артигасом.

Не ограничиваясь занятиями в Академии, Миро черпает знания и вдохновение на выставках, экспонирующих картины различных передовых направлений – импрессионизм, фовизм, кубизм. Все они в дальнейшем оказали влияние на дальнейшее развитие его творчества. Так, в традициях фовизма с его яркими цветами, выполнены картины «Натюрморт с розой» (1916), «Портрет В. Нубиолы» (1917), «Север-Юг» (1917). «Портрет Рикарта» (1917) несет в себе черты синтетического кубизма, а сюрреалистические тона улавливаются в работе «Монтройг, церковь и деревня» (1919).

В 1917 году в галерее «Дальмау» состоялась первая персональная выставка картин Жоана Миро, которая не принесла ему столь ожидаемого успеха. Ни одна из его 64 картин не нашла своего покупателя.

В следующем, 1918 году, Миро вместе с художниками-единомышленниками основывает «Группу Курбе», участники которой противопоставляли свое творчество традиционному консерватизму в испанском искусстве.

В это же время происходят изменения в живописной манере самого художника – наступает поворот в сторону «поэтического реализма». Для пейзажей Монтройга, написанных в 1918 году, характерны углубление перспективы, насыщенность деталей, прописанность каждого образа до мелочей («Следы телеги», «Огород с ослом», «Дом с пальмой»).

a2В 1920 году в поисках вдохновения Миро переезжает в Париж. С этого времени жить и работать он будет здесь, а лето проводить на родительский ферме в Монтройге. В столице Франции он знакомится с известными художниками – П. Пикассо и А. Массоном. Встреча с основателем кубизма не проходит для Жоана бесследно – проникаясь идеями новой живописи, он создает кубистические работы «Стол. Натюрморт с кроликом» (1920), «Стоящая обнаженная» (1921).

В Париже (1921-1925) Жоан Миро работает в мастерской по улице Бломе, 45, по соседству с А. Массоном. Постепенно вокруг художников формируется «Группа с улицы Бломе», объединяющая деятелей искусства с общими идеями и одинаково бедственным положением: А. Арто, Ж. Батай, Ж. Лимбург, Ж. Дюбуффе, П. Элюар.

В этой мастерской Миро пишет картину «Ферма» (1921-1922), ставшую вершиной его «поэтического реализма». Полотно насыщенно множеством повседневных объектов, каждый из которых имеет особое символическое значение и дает возможность каждому зрителю интерпретировать ее смысл по своему. «Ферма» была куплена у Миро Э. Хемингуэем, который был частым гостем его мастерской.

Весной 1921 года в парижской галерее «Ликорн» проходит первая международная выставка Миро, так же не имевшая значительного успеха.

В 1923-24 гг. художник пишет картины «Вспаханное поле» и «Каталонский пейзаж (Охотник)», ознаменовавшие собой плавный переход творчества Миро в сторону сюрреализма. Природные формы и элементы здесь замещаются геометрическими фигурами и чертежной графикой.

В 1924 году Миро сближается с группой сюрреалистов во главе с А. Бретоном. Вдохновленный их идеями, на своих полотнах этого периода он изображает ирреальный, полуфантастический мир с глубокой прорисовкой деталей и ярким насыщенным колоритом. Таковы работы «Пашня» (1923-24), «Карнавал Арлекина» (1924) и «Материнство» (1924).

Во второй половине 20-х творчество художника приобретает все более абстрактное содержание, наполненное органичными формами. Постепенно складывается индивидуальный язык живописных идеограмм, используемый мастером при создании картин. В живописном словаре Миро выделяются пространственные знаки – линия горизонта, звезды, солнце в верхней половине полотна; волнистые линии и элементы растительности в нижней. Две части пространства объединяются при помощи вестников – связующих знаков: лестница в небеса, летящая птица, части тела (ухо, глаз), фигуры людей с несоизмеримо большими ногами («Собака, лающая на луну», 1926; «Пейзаж. Заяц», 1927; «Человек, бросающий камень в птицу», 1926).

Впервые за долгое время, художник в 1927-28 гг. покидает Париж и отправляется в Голландию. Путешествие на родину Ван Дейка нашло отражение в работах Миро. Он создает 3 «Голландских интерьера» — «мироморфозы» с картин Сорга и Стина. Именно тот стиль, в котором выполнены «…интерьеры», принес художнику наибольшую известность в дальнейшем.

a3Жоан Миро – один из немногих художников своего времени, который не мог похвастаться большим количеством любовных связей. Впервые он женился уже в возрасте 36 лет. Его избранницей стала Пилар Ханкоса, уроженка Пальма-де-Майорки, родины матери художника. Молодожены поселяются в Париже, где, в 1931 году рождается их дочь – Мария Долорес.

Важное место в творчестве Миро в начале 30-х годов занимают коллажи, создаваемые с привлечением материалов различной природы и вырезанных иллюстраций из газет и журналов. Подобные коллажи-эскизы художник затем использует для написания живописных полотен: «Живопись» (1 и 2, 1933), «Композиция» (1933). С этого момента работы Миро начинают завоевывать внимание и интерес зрителей и художественных критиков, организуемые выставки (1930, Нью-Йорк; Барселона) заслуживают успех и одобрение публики.

Как уроженец Испании, Жоан тяжело переносит страдания, выпавшие на долю его народа с началом Гражданской войны (1936-1939). Художник не принимает непосредственного участия в ходе военных действий, но, проживая в Монтройге, сражается на стороне республиканцев с помощью искусства: «Голова мужчины», 1937; «Мужчина и женщина перед кучей дерьма», 1936.

В 1937 году, скрываясь от фашизма, художник с семьей возвращается в Париж. Не имея жилья и средств на пропитание, Миро пишет картину «Натюрморт со старым ботинком», олицетворявшую тяжелое положение, в котором оказались многие в столь суровое военное время.

Одержав победу в Испании в 1939 году, фашизм продолжил свой военный марш по Европе. Беспокоясь за безопасность своей семьи, Миро решает уехать из Парижа и поселяется в Нормандии. Здесь в 1940-1941 гг. он пишет величайшие свои произведения – серию гуашевых работ «Созвездия». На 23 картинах изображены звезды, месяц, круги, птицы, животные, глаза, человеческие фигуры, то приближающиеся, то удаляющиеся друг от друга.

В 1942 году семья художника уезжает от войны в Испанию, где Миро заканчивает начатую во Франции работу над «Созвездиями». И уже в 1945 в Нью-Йорке при поддержке Пьера Матисса «Созвездия» были продемонстрированы американской публике и возымели оглушительный успех, а сам художник завоевал мировое признание.

Завершилась Вторая мировая война. Теперь перед художником были открыты безграничные возможности для реализации своей давней мечты о монументальном искусстве.

a4В 1947 году Миро создает фреску для отеля Хилтон в США, расписывает стены в ресторане «Ле Гурме», спустя 3 года исполняет фреску для Гарвардского университета.

В 1955 году художник получает заказ на роспись стен отделения ЮНЕСКО в Париже. Миро привлекает к сотрудничеству своего давнего друга керамиста Артигаса. Плодом их совместной работы становится керамический фриз «Солнце и Луна», получивший Гран-При Фонда Гуггенхайма.

В это же время, в возрасте 60 лет, художник обзаводится своей первой личной мастерской, построенной для него в Испании архитектором и близким другом Сертом.

На рубеже 60–70-х Миро увлекается скульптурой, создавая ее из подручных материалов. Некоторые из изваяний позже были отлиты в бронзе.

В 1975 году в Барселоне был основан Фонд Жоана Миро, открытый для всех молодых художников.

Жоан Миро ушел из жизни в 1983 году. За свои прожитые 90 лет художник проявил свой талант практически во всех областях искусств от живописи до керамики и поэзии, создав 2000 картин, 500 скульптур, 5000 рисунков и коллажей, 400 керамических работ.

rothko-pollock.ru