Сила воздействия формата. Форматы картин


Формат картин

Самым распространенным форматом для картины является четырехугольный, причем чистый квадрат встречается значительно реже, чем четырехугольник, более или менее вытянутый вверх или вширь. Некоторые эпохи ценят круглый формат (tondo) или овал. История формата еще не написана; существуют только эпизодические исследования, относящиеся к отдельным эпохам и художникам.

Из них с несомненноостью вытекает, что выбор формата не имеет случайного характера, что формат обычно обнаруживает глубокую, органическую связь как с содержанием художественного произведения, с его эмоциональным тоном, так и с композицией картины, что в нем одинаково ярко отражается и индивидуальный темперамент художника, и вкус целой эпохи.

Горизонтальный, вытянутый формат, в общем, безусловно более пригоден для повествовательной композиции, для последовательного развертывания движения мимо зрителя. Поэтому к такому формату охотно обращаются художники, настроенные эпически, стремящиеся к активной композиции, к действию,– например итальянские живописцы XIV и первой половины XV века (особенно во фресковых композициях). Напротив, формат квадратный или такой, в котором вышина несколько преобладает над шириной, как бы сразу останавливает динамику действия и придает композиции характер торжественной репрезентации — именно этот вид формата предпочитали для своих алтарных картин мастера Высокого Возрождения (“Сикстинская мадонна”). В свою очередь, при значительном преобладании вышины над шириной композиция опять приобретает динамику, сильную тягу, но на этот раз вверх или вниз; такой узкий формат был особенно по душе художникам аристократическим, декоративным (Кривелли) или настроенным мистически (маньеристы, Греко), стремящимся воплотить определенные эмоции, настроения.

Конечно, непреложных законов формата нет, но есть уловимые тенденции, язык формата.

Характерно, что квадрат и тондо представляют наиболее редкие, наиболее исключительные виды формата, только очень немногие периоды и направления, склонные в той или иной форме к классическим тенденциям, с охотой культивировали эти виды формата. В эпоху Ренессанса, например, круглый формат можно встретить почти только во Флоренции и в Риме, тогда как венецианские живописцы относились к нему так же отрицательно, как и к квадрату. По мере же того, как идеи Ренессанса теряют свою популярность, и тондо уступает свое место новому виду формата — овалу, с конца XVI и до середины XVIII века овал является одним из самых излюбленных форматов европейской живописи. Это вполне понятно. Для жаждущих динамики художников барокко тондо должно было казаться слишком застывшим, абстрактно-математическим форматом. Овал двойствен. Он обладает не только более мягким изгибом контура, но и более гибким, более изменчивым ритмом своего силуэта. Насколько тондо олицетворяет покой и концентрацию, настолько овал непостоянен и полон устремления. Свободный от опеки циркуля, овал может быть уже, коренастей, свободней и т. д. Художник может придать овалу совершенно персональный оттенок. Именно в этом направлении от некоторой жесткости к мягкой текучести и развивается силуэт овала в эпоху барокко и рококо, соответственно всем тем стадиям общей эволюции стиля, которую можно проследить, например, в области рисунка и колорита.

Таким образом, мы вправе заключить, что история формата до известной степени отражает общие перемены, происходящие в эволюции стилей. Особенно тесная связь намечается между форматом и пространственной фантазией той или иной эпохи. Высокие и узкие пропорции готического храма поощряли вертикальный формат картины (узкие и высокие створки алтарного полиптиха как бы повторяют разрез готического собора с его делением на главный и боковые нефы). Напротив, архитектура Ренессанса тяготеет к просторным пространствам и горизонтальным членениям, и на смену вертикальным створкам полиптиха появляется поперечный формат фресковой композиции. Несомненна также связь формата с индивидуальным темпераментом художника: чувственная, динамическая фантазия Рубенса требует более крупного формата, чем сдержанная и одухотворенная фантазия Рембрандта. Наконец, формат находится в прямой зависимости от живописной техники. Чем шире, свободнее мазок художника, тем естественнее его стремление к крупному формату; у Рембрандта параллельно освобождению кисти растет формат; живописцы, работающие тонкими кистями, предпочитают обычно малый формат.

Tags: tondo, закон формата, тондо, Формат, формат живописи, Формат картин, эпическая живопись

This entry was posted on Monday, December 8th, 2008 at 15:50 and is filed under Арт информация. You can follow any responses to this entry through the RSS 2.0 feed. Both comments and pings are currently closed.

artdosug.ru

Картина - законченное произведение живописи | Картины и рамы

Картина - это законченное, цельное произведение искусства

Картина — произведение живописи, обладающее законченным характером (в отличие от эскиза и этюда) и самостоятельным художественным значением. Состоит из основы (холста, деревянной или металлической доски, картона, бумаги, камня, шелка и т.д.), грунта и красочного слоя. Картина — один из видов станкового искусства. Картины бывают различных жанров. Создавая картину, художник опирается на натуру, но в этом процессе большую роль играет творческое воображение. Конец 19 века во всей Европе отмечен новым, динамичным взглядом на мир. Художник рубежа веков должен был соответствовать постоянно меняющейся жизни: не столько отображать окружающий его мир (этим теперь занимаются фотография и кино), сколько суметь выразить в картине свою индивидуальность, свой внутренний мир, собственное видение. В картинах выдающихся живописцев достигнуты вершины искусства. В многообразных течениях модернизма происходит потеря сюжета и отказ от изобразительности, тем самым понятие картины значительно пересматривается. Некоторые художники, принадлежащие различным школам живописи, отошли от изображения мира (людей, животных, природы) таким, каким мы его видим. На их живописных полотнах мир предстает деформированным, иногда вовсе неузнаваемым, ибо художники руководствуются больше своим воображением, чем зрительным восприятием окружающих нас явлений.

В развитии живописи картина играет важнейшую роль.

Репродукцию также можно назвать картиной, если в соответствующем контексте не важно, копия это или оригинальное произведение.

Картина в переносном или более общем значении — любое законченное, цельное произведение искусства, в том числе — живое и яркое описание, устное или письменное, вид природы.

Живопись - это искусство плоскости и одной точки зрения, где пространство и объем существуют только в иллюзии. Живопись благодаря сложности изобразительных средств способна создать на плоскости такую глубину иллюзорного пространства и многомерность художественной реальности, которая неподвластна другим способам изображения. Каждая картина выполняет две функции - изобразительную и экспрессивно-декоративную. Язык живописца вполне понятен лишь тому, кто сознает декоративно-ритмические функции плоскости картины.

В эстетическом восприятии все функции картины (и декоративные, плоскостные, и изобразительные, пространственные) должны участвовать одновременно. Правильно воспринять и понять картину - это значит одновременно, неделимо увидеть и поверхность, и глубину, и узор, и ритм, и изображение.

Эстетическое восприятие картины во многом выигрывает, когда она заключается в соответствующую раму, отделяющую живопись от окружающего мира. Восточный тип картины сохраняет традиционную форму свободно висящего развернутого свитка (горизонтального или вертикального). Картина, в отличие от монументальной живописи, не связана жестко с определенным интерьером. Она может быть снята со стены и повешена по-другому.

Глубина иллюзорного пространства картин

Профессор Ричард Грегори описал "странные свойства картин": «Картины — уникальный класс предметов, потому что они одновременно видны и сами по себе, и как нечто совсем иное, чем просто лист бумаги, на котором они нарисованы. Картины парадоксальны. Никакой объект не может находиться в двух местах одновременно; никакой объект не может быть одновременно двумерным и трехмерным. А картины мы видим именно так. Картина имеет совершенно определенный размер, и в то же время она показывает истинную величину человеческого лица, здания или корабля. Картины — невозможные объекты.

Способность человека реагировать на отсутствующие, воображаемые ситуации, представленные в картинах, является важным этапом в развитии абстрактного мышления».

Как создаются картины

Картина – это духовный мир художника, его переживания и чувства выраженные на холсте или бумаге. Объяснить, как создаются картины, сложно — лучше это увидеть самому. Невозможно передать словами, как художник закрашивает полотно, какой кистью он касается холста, какие краски выбирает. Во время работы всё становятся одним целым: художник, кисть и холст. И уже после первого взмаха кистью в мастерской начинает действовать особое волшебство живописи.

Картины не просто раскрашенный холст, они воздействуют на чувства и мысли, оставляют след в душе, пробуждают предчувствия.

Как же создается картина?

Казалось бы, красками, кистями, на холсте. Может быть еще один универсальный ответ: по-разному.

Методы работы над картиной постоянно изменялись на протяжении истории искусства. Художники итальянского Возрождения работали совсем по-иному, чем Рембрандт или "маленькие голландцы" XVII века, романтики - иначе, чем импрессионисты, абстракционисты, современные нам художники-реалисты. Да и в рамках одной эпохи и даже одного направления можно встретить большое разнообразие.

Художников-реалистов прошлого и настоящего (если понимать реализм в широком смысле слова) объединяет следующее:

Создание полноценного произведения, в данном случае картины, портрета или пейзажа, невозможно без глубокого изучения жизни, активного отношения к ней автора. Средствами художественного познания жизни служат работа с натуры, зрительные впечатления, анализ и синтез жизненных явлений.

Создание картины - сложный, трудоемкий творческий процесс, результаты которого определяются не затраченным временем, а мерой таланта, мастерства художника, силой и действенностью оригинального образного решения. Важнейшими вехами этого процесса являются зарождение и конкретизация замысла, непосредственные наблюдения, эскизы, этюды с натуры, собственно написание картины с непременно творческой, активной переработкой жизненного материала.

И когда в музее или на выставке зритель подходит к картине, то прежде чем вынести о ней своё суждение, он должен помнить, что за ней всегда стоит живой человек, художник, вложивший в работу кусок своей жизни, сердце, нервы, талант и мастерство. Можно сказать, что картина — это осуществленная мечта художника.

Г. С. ОСТРОВСКИЙ

Завершенность картины

В жизни многое бывает случайно — в картине таких случайностей быть не может, в ней все должно быть завершено, логично. В какой же момент картина считается завершенной?

Виртуозный рембрандтовский пастозный живописный мазок, столь высоко ценимый позднее и в наше время, вызывал у современников Рембрандта лишь недоумение и порождал насмешки и остроты на его счет. Возражая своим критикам, Рембрандт оспаривал правильность их понимания законченности живописного произведения, противопоставляя им свое понимание ее, которое он формулировал таким образом: картину должно считать законченной тогда, когда художник сказал в ней все, что он хотел. Чтобы не слышать надоедавших ему вопросов о «незаконченности» его картин, Рембрандт перестал позволять близко подходить к ним наивным посетителям своей мастерской, смотревшим с большим любопытством на бравурные мазки его живописи, пугая их тем, что к картинам не следует подходить слишком близко, так как нюхать их краски вредно для здоровья.

Матисс о своей живописи:

"Я просто стараюсь положить на холст те цвета, которые выражают мое ощущение. Необходимая пропорция тонов может заставить меня изменить форму фигуры или изменить композицию. Пока я этой пропорции не достиг во всех частях картины, я её ищу и продолжаю работу. Потом наступает момент, когда все части обретают окончательные соотношения, и тогда я не могу притронуться к картине, не переделывая её всю заново".

Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие. Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет эстетической полноценности. В любой момент картина готова.

Связь изобразительного пространства картины с реальным пространством

Художник и теоретик искусства В. А. Фаворский в курсе теории композиции подчеркивал, что истинно художественному произведению от рождения присуще двойственное существование: как предмета в окружающем пространстве и как относительно замкнутого мира с собственными пространственно-временными отношениями. В живописи такая цель достигается согласованием внутренней конструкции картины с рамой, в скульптуре — с окружающим пространством (классический пример: статуя в нише).

Для связи изобразительного пространства с реальным пространством, в котором находится зритель, используется рама картины. Художники обыгрывают также многократное "репродуцирование рамы" в самом изображении, зрительные рифмы, повторы вертикалей и горизонталей. Одним из характерных приемов, позволяющих зрительно "укрепить" изображение в границах прямоугольного формата, является "скос угла". Обособление живописи от архитектуры породило определенную систему восприятия станковой картины. Основным содержанием картины становится выражение целостного представления пространства. Композиция претворяется в экспозицию, в которой зритель предстоит перед преображенным миром пространственно-временных отношений и видит себя в нем как в зеркале. Так прозрачное стекло эпохи Возрождения превратилось в зеркало эпохи Классицизма и Барокко. Для искусства постренессансной эпохи характерны обыгрывания отражений в зеркале, введение в композицию картины фигур-медиаторов, лиц, которые своим положением, взглядом или жестом руки указывают на действие, происходящее в глубине картины, как бы приглашают войти в нее. Помимо рамы в подобных композициях возникает проскениум — передняя часть сцены, кулисы, затем средний план, в котором совершается главное действие, и фон — "задник".

Главные фигуры художник обычно помещает в среднем плане картины, устанавливая их на мысленную горизонталь как на постамент. От положения этой опорной горизонтальной линии зависит глубина "пространственного слоя" (в планиметрическом отношении — выше или ниже относительно нижнего края рамы картины). Откладывая горизонталь многократно вверх, живописец создает определенный ритм движения в глубину воображаемого пространства. Благодаря этому даже на небольшом холсте можно изобразить пространство любой протяженности с любым количеством фигур и предметов. В подобной экспозиции приходится специально обращать внимание зрителя на то, что одни предметы находятся ближе, а другие дальше. Для этого применяются "указатели": перспективное уменьшение, введение масштабных ориентиров (маленькие фигурки людей на дальнем плане), перекрывание планов, тональный контраст, падающие тени от источника света внутри или вне картины. Другим ориентиром мысленного движения зрителя в пространстве картины являются диагонали, главная из них — "диагональ входа" (обычно слева направо).

Картина в картине

Изображение в изображении

«Изображение в изображении» может использоваться в специальной композиционной функции. Подобная иерархическая организация представлена в случае изображения картины в картине (а также фресок в стенных росписях и т.п.).

"Картина в картине" - композиционный прием, встречающийся в искусстве классической живописной картины XVI—XVII вв. Картина в картине может быть наделена особым скрытым смыслом.

Композиционный прием «картина в картине» может выполнять несколько задач:

  • выражать идею
  • разъяснять сюжет
  • противопоставлять или создавать гармонию
  • быть деталью обстановки (интерьера)

Очень часто изображение фона в живописном произведении может быть понято как своего рода картина в картине, то есть самостоятельное изображение, построенное по своим специальным закономерностям. При этом изображение фона в большей степени, чем изображение фигур на основном плане, подчиняется чисто декоративным задачам, можно сказать, что здесь часто изображается не самый мир, но декорация этого мира, то есть представлено не само изображение, а изображение этого изображения.

У голландцев географическая карта, шпалера, картина, открытое окно как включенный в картину образ расширяют границы мира или же служат развитию иносказательного смысла основного сюжета. Вермеер, приоткрывая завесу мастерской, становится поводырем по трем уровням реальности: пространству зрителя, пространству своей мастерской, пространству художественного произведения (холста, что стоит на мольберте), уподобляя эти метаморфозы плаванию по океанам, нанесенным на географическую карту или полету над нанесенной на карту землей.

Перетекание реальности – искусства – мифа можно наблюдать и у Веласкеса, который охотно прибегает к приему «картина в картине», примером чему могут служить «Менины» и «Пряхи».

«Картина в картине» есть и в «Венере перед зеркалом» Веласкеса, но туманное зеркало лишь отражает тень богини любви.

Картина и рама

Любое изображение, созданное художником, за исключением только древних наскальных рисунков, имеет обрамление. Обрамление - необходимая и важная часть композиции, оно завершает ее, придает единство. Обрамление может находиться на той же плоскости, на которой выполнена и сама живописная или графическая композиция. Оно же может быть создано специально как некая рельефная форма при помощи декоративных, скульптурных и архитектурных элементов. Чаще всего встречаются обрамления прямоугольной формы, несколько реже - круглой и овальной.

Рама помогает выделить живописное произведение из окружающей среды как нечто особенное и достойное внимания, не вместе с тем и связывает его с окружением. Так, если стиль рамы совпадает с художественным обликом, строем и характером интерьера, где находится картина, это способствует цельности ансамбля. В зависимости от цвета, насыщенности декоративными и скульптурными деталями рама значительно влияет на общее впечатление от живописного образа. Все это и позволяет говорить о единстве картины и рамы, где обрамление выполняет, конечно, не главную, но очень нужную функцию.

Пути развития станковой живописи были сложными. Какой яркой вехой в ее истории стал переход от средних веков к Ренессансу! Наиболее существенным в нем явилось стремление уйти от застылости и отвлеченности иконного изображения, господствовавшего в средневековье. Примерно в XIV столетии рождается картина в современном смысле этого слова, а вместе с ней появляется и рама, одетая пока еще в кружево готической декорации.

Первые рамы не противопоставлялись полностью всему изображению и не отделялись от него; материалы обоих были сходны, условная позолота фона, например, древнерусской иконы или византийской переходила на обрамление, да и само изображение нередко "выплескивалось" на него. Затем границы между картиной и рамой стали сознаваться все определеннее. Все же как некая память о предшествующих веках у рамы сохранился ее золотой цвет. Когда из живописи исчез золотой фон, обозначавший мир божественного, позолоченность рамы стала восприниматься условно, иными словами - как необходимый атрибут обрамления, помогавший выделять в помещении картину, привлекать к ней взор зрителя.

В эпоху Ренессанса господствовало представление о живописи как о взгляде в мир через окно, рама своими формами весьма ясно намекала на бытовавшее представление и отвечала ему. Эти пышные, торжественные рамы изготовлялись по рисункам художников в специальных мастерских или же помощниками художника, работавшими в его мастерской.

В эпоху Возрождения живопись постоянно сравнивали с зеркалом, в котором отражается действительность, и рама, созданная наподобие орнаментальной оправы зеркала, еще сильнее подчеркивала такое сравнение. Эта рама могла изготавливаться не только из деревянных реек и гипса, но и из драгоценных материалов, включая серебро, слоновую кость, перламутр и т.п. Драгоценность материалов словно соответствовала драгоценности живописи, усиливала ее.

Старые мастера были очень внимательны к раме, учитывали ее воздействие в процессе работы, иногда даже писали в готовом обрамлении, считаясь с определенным тоном и декоративным ритмом рамы. Поэтому композиции старых мастеров часто очень выигрывают в первоначальных рамах.

Наблюдения над рамами старых мастеров позволяют установить еще один принцип - соответствие между профилем и шириной рамы и размером картины: так, голландские живописцы имели обыкновение вставлять свои небольшие картины в крупные рамы с глубокой, отвесной профилировкой, которая как бы уводит глаз к центру картины и изолирует ее от всякого воздействия окружения

В начале XX века стали раздаваться голоса, призывающие вообще отказаться от рам, как от чего-то слишком материального, "заземляющего" духовность искусства. Различные художники авангардистских направлений, восприняв такие призывы, начали выставлять свои произведения без рам. Однако в результате такого новшества сами их произведения уже переставали быть картинами в тесном смысле этого слова. Это были какие-то "объекты","пятна", зачастую лишенные ясного смысла.

Хотя теперь нет одного стиля в оформлении рам, как было когда-то, но зато есть большее, чем прежде, соответствие рамы индивидуальной манере художника.

В последние время на художественных выставках можно заметить, что инертность в отношении оформления рам (пусть, мол, будет, а какая - не столь важно), которая проявлялась в прошлом и у наших художников, начинает преодолеваться. Рамы окрашивают в различные тона, на них нередко помещаются небольшие дополнительные изображения и надписи, живописцам помогают скульпторы - появляются рамы с богатыми пластическими мотивами.

Формат картин

Существуют, однако, два специфических элемента картины, которые как бы создают переход от плоскости к изображению, одновременно принадлежа и к реальности картины, и к ее фикции - формат и рама. Может показаться, что формат картины - только инструмент художника, но не непосредственное выражение его творческой концепции: ведь художник только выбирает формат. А между тем характер формата самым тесным образом связан со всей внутренней структурой художественного произведения и часто даже указывает правильный путь к пониманию замысла художника. Как правило, формат избирается до начала работы живописца. Но известен ряд художников, которые любили во время работы менять формат картины, то отрезая от нее куски, то прибавляя новые (особенно охотно этот делал Веласкес).

Самым распространенным форматом для картины является четырехугольный, причем чистый квадрат встречается значительно реже, чем четырехугольник, более или менее вытянутый вверх или вширь. Некоторые эпохи ценят круглый формат (tondo) или овал. Выбор формата не имеет случайного характера, формат обычно обнаруживает глубокую, органическую связь как с содержанием художественного произведения, с его эмоциональным тоном, так и с композицией картины, в нем одинаково ярко отражается и индивидуальный темперамент художника, и вкус целой эпохи. Скрытую причинную связь между форматом и замыслом художника мы ощущаем перед каждой картиной, от которой исходит очарование истинного художественного произведения. Есть картины, содержание которых настолько срослось с характером формата, что малейшее перемещение пропорций, кажется, должно было бы нарушить стилистическое и идейное равновесие картины.

Горизонтальный, вытянутый формат, в общем, безусловно более пригоден для повествовательной композиции, для последовательного развертывания движения мимо зрителя. Поэтому к такому формату охотно обращаются художники, настроенные эпически, стремящиеся к активной композиции, к действию,- например итальянские живописцы XIV и первой половины XV века (особенно во фресковых композициях). Напротив, формат квадратный или такой, в котором вышина несколько преобладает над шириной, как бы сразу останавливает динамику действия и придает композиции характер торжественной репрезентации - именно этот вид формата предпочитали для своих алтарных картин мастера Высокого Возрождения ("Сикстинская мадонна"). В свою очередь, при значительном преобладании вышины над шириной композиция опять приобретает динамику, сильную тягу, но на этот раз вверх или вниз; такой узкий формат был особенно по душе художникам аристократическим, декоративным (Кривелли) или настроенным мистически (маньеристы, Греко), стремящимся воплотить определенные эмоции, настроения.

Несомненна также связь формата с индивидуальным темпераментом художника: чувственная, динамическая фантазия Рубенса требует более крупного формата, чем сдержанная и одухотворенная фантазия Рембрандта. Наконец, формат находится в прямой зависимости от живописной техники. Чем шире, свободнее мазок художника, тем естественнее его стремление к крупному формату.

  • 1
  • chinim-vse.ru

    Сила воздействия формата

    Форматы картин формировались не одно столетие, и вот теперь, кажется, их разнообразие способно удовлетворить любые запросы художника. Однако иногда для реализации творческого замысла мастеру требуется что-то особенное.

    Одно из главных решений, которые принимает художник, приступая к новой работе, — это выбор формата холста. Для определенных жанров живописи существуют холсты традиционного формата. Но в то же время каждый художник волен пренебречь этими стандартами, если они противоречат его творческому замыслу.

    Эдуара Мане «Олимпия»Эдуара Мане «Олимпия»

    Пейзажный формат можно использовать не только для написания панорамных видов природы. Этот формат может оказаться очень удобным для «лежачего” портрета — такою, например, как знаменитая ню на картине Эдуара Мане «Олимпия» (1863).

    Традиционно считается, что для определенных жанров живописи существуют свои, проверенные временем, форматы. При этом холсты каждого формата выпускаются лишь нескольких размеров, поэтому «репертуар» готовых холстов в художественных салонах порой бывает очень ограниченным.

    Основными считаются два формата — горизонтальный прямоугольник (пейзажный формат) и вертикальный прямоугольник (портретный формат). Существует также французский морской формат — очень сильно вытянутый в ширину прямоугольник для панорамных видов. По названиям форматов легко догадаться, для какого именно жанра традиционно предназначались такие холсты. Считается, что пейзаж или морскую сцену удобнее всего писать на полотне пейзажного или морского формата, а стоящую фигуру, высокую узкую постройку или портрет — на полотне портретного формата. Однако достаточно часто художники пренебрегают этими условностями и выбирают для своих работ необычный формат.

    Пейзажный форматГоризонтальный формат традиционно рассчитан на написание пейзажа и особенно удобен для создания иллюзии глубины пространства картины. Размеры многих холстов пейзажного формата определяются с помощью так называемого «золотою сечения», то есть имеют соотношение сторон, равное 3:5 или 8:13.

    Однако на таком холсте можно изобразить не только пейзаж или морской вид, но и любую другую сцену, включая портрет. Размером может служить знаменитая картина «Олимпия», написанная Эдуаром Мане (1832—1883). Здесь фигура лежащей обнаженной женщины прекрасно вписывается в пейзажный формат полотна. Тело Олимпии образует диагональ картины, а фигуры художник сумел расположить так, что они находятся в состоянии устойчивого равновесия.

    Сверхширокий пейзажный форматБолее низкие, но растянутые в ширину холсты такого формата, как 30×56 см или 246×412 см, предназначены для панорамных пейзажей или морских сцен, однако художники иногда используют подобный формат для совершенно иных композиций.Сверхширокий формат часто использовал Поль Гоген (1848—1903). Художник любил создавать на таких полотнах композиции, напоминающие фризы. Композиции Гогена всегда тщательно продуманы и геометрически точны. Одной из самых известных работ Гогена считается его полотно «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?». Ком-полиция надумана как аллегория жизни и демонстрирует изменения, происходящие но внешнем облике человека с течением времени. Здесь Гоген разметил спою композицию по правилу квадратов.

    Как работает деление на квадратыКак работает деление на квадраты

    Как работает деление на квадратыОчень широкое по формату полотно Гогена разделено по принципу квадратов. Высота сторон А была отложена справа и слева на нижней стороне холста. Из этих точек были проведены вертикали, а затем художник разделил весь прямоугольник полотна диагоналями. Точки пересечения диагоналей с вертикальными линиями образуют так называемые «глаза» — основные фокальные точки композиции. Там Гоген расположил наиболее значимые для него фигуры, на которых должен был задерживаться взгляд зрителя.

    Портретный форматАмериканские и британские художники-портретисты традиционно использовали холсты восьми основных стандартных размеров. Укороченный портретный формат предназначался для поясного портрета, а так называемые «полные» холсты — для портретов в полный рост. Вот эти традиционные портретные форматы;«епископский» полный — 269×178 смполный — 239×147 сммалый полный — 224×132 см«епископский» половинный — 142×112 смполовинный — 127×102 сммалый половинный — 112×86 смкит-кэт, или «малый поясной» — 91×70 смтри четверти — 76×64 смИнтересно, что размер «кит-кет» получил свое название в честь «Кит-кэт клуба». В XVIII веке члены клуба собирались в ресторане Кристофера Кэта. Портреты членов этого клуба были написаны сэром Годфри Неллером (1646—1723).

    Специфический формат для этих портретов был выбран для того, чтобы их можно было развесить в помещении клуба: там были слишком низкие потолки.

    На холстах портретного формата художники изображают не только фигуры. В Японии, например, в портретном формате были изготовлены знаменитые многоцветные гравюры на дереве, на которых изображались пейзажи и морские сцены. Эти гравюры оказали огромное влияние на многих европейских художников XIX века.

    narisuem.com

    Пейзажный формат,графические форматы,

    Выбор формата.

    Пейзажи и портреты принято писать на определенных форматах. Но сложившиеся правила можно нарушать,если необходимо сделать картину более эффектной или передать особую идею художника.

    Один из ключевых моментов в написании картины - выбор формата.Традиционно в живописи сложились форматы,предназначенные для определенных сюжетов.Даже сейчас готовые холсты выпускают стандартных размеров,в чем можно убедиться,зайдя в любой художественный магазин.

    Традиционными форматами для картин являются:горизонтальный прямоугольник для пейзажей и вертикальный для портретов. Французский формат в виде очень длинного прямоугольника также применяется только для написания марин (морских пейзажей).Даже сама композиция обычно подразумевает какой - либо формат листа.Таким образом, для ландшафта, пляжного или морского вида лучше всего подойдет пейзажный формат,в то время как для написания человека или высокого здания - портретный формат.Однако существует множество примеров,когда художники используют для своих оригинальных композиций формат, который на первый взгляд никак не подходит.

    Пейзажный формат.

    Горизонтальный формат дает возможность изображать пейзажи и позволяет художнику создавать иллюзию глубины.В Британии и США холсты для пейзажей выпускают в виде горизонтальных прямоугольников трех форматов

    1) 75 х 127 см

    2) 91 х 137 см

    3) 102 х 152 см

    Во Франции была целая система 19 стандартных форматов для пейзажей от 14 х 22 см до 114 х 195 см. Многие из этих форматов основаны на прапорциях золотого сечения - 3 : 5 или 8 : 13.

    Однако пейзажный формат также можно использовать для изображения портретов, если это обосновано замыслом художника.

    Картина "Олимпия" (1863) Эдуард Мане (1832 - 1883) - пример того когда портрет человека изображен в пейзажном формате.

    Существует 8 стандартных форматов,которые портретисты в Британии и США традиционно применяют в работе. Короткий портретный формат лучше всего подходит для изображения плечевого портрета, тогда как высокие варианты удобнее для портретов людей в полный рост. Традиционные размеры таковы :

    1) "епископский" полный рост 269 х 178 см

    2) полный рост 239 х 147 см

    3) малый полный рост 224 х 132 см

    4) "епископский" поясной портрет 142 х 112 см

    5) поясной портрет 127 х 102 см

    6) малый поясной портрет 112 х 86 см

    7) формат кит - кэт 91 х 70 см

    8) три четверти 76 х 64 см

    Формат кит - кэт назван в честь популярного в 18 веке "Кит - Кэт клуба", члены которого собирались в доме Кристофера Кэта в Лондоне. Сэр Годфри Кнеллер (1646 - 1723) написал их портреты именно в таком формате, который поместился бы в комнатах клуба с довольно низкими потолками.

    Портретный формат часто выбирают и для других объектов. Традиционные для японского искуства гравюры, свитки и ширмы вертикальных форматов с изображением пейзажей и марин вдохновляли европейских художников 19 века.В частности, Джеймс Уистлер (1834 - 1903) восхищался озобразительным искуством востока.В своем "Ноктюрне в голубом и золотом : старый мост Батерси" он использовал очень высокий холст, что бы изобразить массивные несущии конструкции и арки лондонского моста. Композиция перекликается с работами японского художника Андо Хиросигэ (1787/1797 - 1858),в которых пролеты моста часто играют ведущую роль.

    risui-sam.narod.ru

    Самые распространенные форматы изображений и виды форматов

    Каждый из нас, так или иначе, сталкивается с изображениями. Давайте посмотрим на вопрос понимания этого термина несколько шире. Ведь форматы изображений включают в себя не только графику (рисунки, фото, анимация, мультипликация и т.д.), но и видео. Отдельно остановимся на вопросах преобразования файлов, а также хранения того или иного типа информации.

    Что представляют собой форматы изображений?

    Это информация, хранящаяся в файле, которая предназначена для визуализации данных (отображения ее на воспроизводящем устройстве вроде монитора, телевизора, принтера, мобильного девайса и т.д.).

    форматы изображений

    Что же до самой информации в файле, то большей частью она описывает способ визуализации, метод создания цельного статического или динамического изображения, его размер (не путать с размером самого файла), количество и глубину цветов и их оттенков и так далее.

    Понятие векторной и растровой графики

    Для начала рассмотрим, какие форматы изображений применяются исключительно в стандартном понимании графики. Следует четко разграничить векторную и растровую графику. Эти два типа являются базовыми.

    какие форматы изображений

    Векторная графика позволяет производить визуализацию объекта на основе математического описания множества совокупных элементов, входящих в состав изображения, которые принято называть примитивами. К ним относятся простейшие понятия, знакомые всем еще со школьной скамьи. Это точки, линии, кривые, окружности, многоугольники и т.д.

    Преимуществом такого подхода можно назвать возможность описания в математической модели сколь угодно большого числа отдельных элементов без существенного увеличения конечного размера файла. Кроме того, здесь очень сильно проявляется масштабируемость, что позволяет изменять размеры каждого отдельно взятого элемента или их полной совокупности без потери качества всего изображения. Такой описательный алгоритм годится в основном для графики, создаваемой вручную, например, в каком-то графическом редакторе. Для фотографий этот метод не применим.

    форматы файлов изображений

    Растровая графика подразумевает использование специальной сетки, состоящей из прямоугольных объектов (точек) разного цвета, называемых пикселями. Здесь качество картинки определяется размером сетки (чем больше пикселей по длине и ширине или их суммарное представление, тем качественнее изображения), количеством цветов и их глубиной, применяемой цветовой гаммой (цветовым пространством) и разрешением (количеством пикселей на единицу площади). При этом такой метод позволяет обрабатывать объекты любой сложности и задавать те же плавные переходы из одного цвета в другой, чего нет в векторной графике. Но при этом простые изображения зачастую имеют очень большой размер файла, а возможность точного масштабирования сводится практически к нулю.

    Самые распространенные типы графических изображений

    Теперь посмотрим на сами форматы файлов изображений, которые применяются в компьютерных технологиях чаще всего.

    BMP – простейший вариант, основанный на цветовой схеме RGB (красный, зеленый, синий) и имеющий довольно слабый алгоритм сжатия без потери качества. Преимуществ у него никакого, еще и файлы имеют очень большой размер.

    JPG (JPEG) – самый распространенный формат, применяемый чаще всего для хранения фотографий. Сжатие существенное, но и потеря качества очень большая. После сильного сжатия восстановить исходный материал нельзя, но, если его минимизировать, отличия будут малозаметны, а размер файла станет существенно меньше.

    PNG – один из самых интересных форматов, который может подвергаться сжатию без какой-либо потери качества. Анимацию этот формат не поддерживает (равно как и два предыдущих), зато при использовании так называемого альфа-канала каждому пикселю можно задать уровень прозрачности, что делает его несколько похожим на следующий тип графики.

    GIF – формат, поддерживающий анимацию и алгоритмы сильного сжатия без потери качества. Главное его преимущество в том, что можно создать серию изображений с цикличным повтором или сменой одного другим. Несмотря на слабенькую глубину цвета, применяется в основном для «живых» обоев, анимированных смайлов и аватарок.

    TIFF – формат, который чаще всего используется профессиональными веб-дизайнерами ввиду того, что он имеет высокую глубину цвета (192 бита). Сжатие производится без потерь, но работать с таким форматом без специальной подготовки очень сложно. Браузеры картинки такого типа практически не поддерживают.

    ICO – формат для создания иконок, поскольку позволяет использовать очень малые размеры рисунков. В плане структуры он несколько напоминает BMP, однако, поддерживает параметры прозрачности по типу GIF и PNG.

    EPS – формат двух разновидностей: векторной и растровой графики. В основном используется в издательствах или для создания шрифтов, если в дальнейшем вывод изображения предполагает использование устройств PostScript.

    PICT – самый распространенный формат Macintosh. Его универсальность заключается в том, что единый файл изображения может содержать векторную и растровую графику, звук, иметь любую глубину цвета, а также использует прогрессивный метод RLE-компрессии.

    PCX – формат для хранения растровых изображений с глубиной цвета 24 бита. Сжатие очень быстрое, но не подходит для преобразования детальной графики, например, фотографий.

    RAW – универсальный формат, используемый для изображений, поступающих непосредственно с цифровых камер. Про него можно сказать, что это формат наилучшего качества изображения. Может служить исходным материалом при обработке не только изображений, но и звука. Кроме того, поддержка мета-данных дает огромный потенциал для обработки и применения алгоритмов сжатия без потерь или с потерями любого уровня. Формат достаточно специфичный и требующий определенных знаний при работе с ним.

    Форматы файлов специализированных графических редакторов

    Кроме стандартных типов, отдельно можно выделить форматы графических изображений, применяемых в специализированный редакторах.

    PDF – формат, который может содержать текстовые и графические данные. Разработан корпорацией Adobe. Этот формат предполагает использование разных методов сжатия для каждого конкретного элемента, содержащегося в конечном файле. Сегодня он является универсальным в основном для технической документации в электронном виде.

    CDR – векторный формат графического редактора Corel Draw. Обработать его можно только таким программным пакетом. Другими редакторами не поддерживается, но легко экспортируется в другие форматы.

    AI – формат программы Adobe Illustrator, поддерживаемый большинством других редакторов. Главная особенность – наивысшая стабильность изображения и полная совместимость с технологией PostScript. Может использоваться как промежуточный формат при переводе из одного в другой.

    PSD – лучший формат изображения программного пакета Adobe Photoshop для промежуточного редактирования сложных изображений. Позволяет использовать слои и режимы смешивания, но имеет больший размер по сравнению с другими форматами. В качестве конечного формата для сохранения файлов применяется исключительно в самой программе.

    Изображения большого формата

    Если говорить об обработке изображений большого формата, где требуется учесть высокую детализацию, то стоит использовать RAW, TIFF или PSD.

    форматы сжатия изображений

    Однако, многие профессиональные фото- и видеокамеры, обладающие матрицами на уровне 20-25 Мп, имеют собственные стандарты. Большинство из них адаптировано к наиболее распространенным типам форматов. Здесь все зависит только от настроек самой камеры. То же самое касается и мобильных девайсов.

    Основные типы видео и анимации

    Теперь коротко остановимся на видео, поскольку его тоже можно в каком-то смысле трактовать как изображение, вернее, как набор чередующихся изображений (кадров). Здесь определяющим фактором является частота кадров в секунду (fps) и размер картинки в пикселях.

    форматы графических изображений

    Изначально на заре развития цифрового видео это был всем известный формат AVI, который применяется и до сих пор, поскольку является неким контейнером, содержащим информацию, обработанную или сжатую совершенно разными методами (кодеками). Для воспроизведения требуется специальный декодер.

    Чуть позже появились такие известные форматы, как WMV, MPG, MKV, MP4, VOB, TS и многие другие, причем последние можно рассматривать даже как форматы изображения телевизора высокого разрешения, позволяющего воспроизводить файлы со стандартами качества HD, Full HD (2k) или Ultra HD (4k).

    изображения большого формата

    Что касается анимации, сегодня наиболее известной является технология Flash. Изначально это была разработка корпорации Macromedia, но потом ее выкупила компания Adobe и существенно модернизировала. Формат таких файлов – SWF. Он применяется в основном для создания небольших анимационных роликов, компьютерной мультипликации, баннеров или для простеньких игр.

    Мобильные системы

    Если говорить о мобильных системах (смартфонах или планшетах на базе Android, iOS, Blackberry и т.д.), то специализированные форматы изображений встречаются крайне редко. В основном используются стандартные компьютерные форматы изображений и для графики, и для видео. Однако, без установленных кодеков и декодеров некоторые типы видео воспроизводиться не будут. Именно поэтому придется решать проблему конвертирования исходного материала в другой тип.

    К примеру, обычные телефоны воспринимают только формат 3GP. Android или iOS рекомендуют использовать MP4. Но в целом вариантов хватает.

    Изменение основных параметров изображений

    Наверное, все прекрасно понимают, что редактирование нужно производить при помощи специальных программ.

    лучший формат изображения

    Простейшие операции по изменению размера, отражению, повороту, наклону и другие можно выполнить даже в самом примитивном редакторе Paint, который входит в комплект любой «операционки» Windows.

    Если же требуются более сложные действия, скажем, изменения цвета, насыщенности, контрастности, редактирование слоев, разбивка изображения на отдельные составляющие и прочее, то придется использовать профессиональные пакеты вроде вышеупомянутых Corel Draw или Adobe Photoshop.

    Для редактирования видео имеются свои утилиты, например, Vegas Pro. Кроме стандартных возможностей, в них можно применять специализированные эффекты и системы моделирования, позволяющие переносить на заранее построенную математическую модель реальное изображение по типу того, как снимался бой Морфеуса и Нео в первой части «Матрицы».

    Преобразование форматов

    Преобразование (конвертирование) производится при помощи утилит, называемых конверторами. Один из самых ярких представителей – Xilisoft Video Converter, который умеет преобразовывать и графику, и видео.

    Для графики можно предпочесть, например, ACDSee Ashampoo Photo Commander, Free Image Convert And Resize или что-то еще. Сегодня таким программ можно найти очень много.

    Единственное, на что стоит обратить внимание, это конечный формат и возможную потерю качества (форматы сжатия изображений). При просмотре картинки или видео на смартфоне или планшете это будет не так заметно, но вот на телевизионной панели разница станет весьма ощутимой.

    Какой формат предпочесть для хранения данных?

    Фото на компьютере можно хранить в универсальном JPG-формате. При их просмотре на мониторе особая четкость не нужна. Другое дело, когда фотографии нужно напечатать. Тут лучше использовать оригинальные форматы камер.

    При переводе одного формата в другой восстановить «исходник» иногда будет просто невозможно, так что, предоставляя файлы в студию, менять их начальный вид не рекомендуется. Исключение, если вы обладаете необходимыми знаниями и производите редактирование сами с использованием профессионального ПО.

    То же самое касается и видео. Все зависит от того, на каком устройстве оно будет просматриваться.

    Заключение

    Форматы изображений многочисленны и разнообразны, это может быть и графика, и видео. В статье были рассмотрены наиболее популярные форматы. Вопросы их обработки и преобразования, выбора программных средств, используемого формата для хранения данных и т.д., каждый пользователь решает сам.

    fb.ru


    Смотрите также