5 картин Петрова-Водкина в приложении Artefact. Картин 5


5 картин Петрова-Водкина в приложении Artefact

В Русском музее проходит масштабная ретроспективная выставка Кузьмы Петрова-Водкина. Произведения живописи и графики для нее предоставили разные музеи страны, а также коллекционеры из Петербурга и Москвы. В приложении дополненной реальности Artefact появились картины, рисунки и наброски художника. Портал «Культура.РФ» выбрал пять известных работ Петрова-Водкина и показал все возможности приложения. Слушайте аудиогиды, нажимайте на «точки интереса» или скачивайте приложение и наводите камеру гаджета на любую из картин. Подробная инструкция — над каждым произведением искусства.

Посильное искусство

Кузьма Петров-Водкин во время преподавания в Петрограде. 1910–20-е годы. Фотография: wikipedia.org

Кузьма Петров-Водкин родился в небольшом городке Хвалынске. Первые уроки живописи он брал у местных иконописцев и живописцев-вывесочников. Позже в его картинах проявились иконописные мотивы.

Вывесочник не мог намекнуть мне о сущности искусства, потому что и сам о нем смутно мыслил, но он развернул предо мною существование этой области и что в ней имеются работники высокого мастерства, отдающие искусству свои жизни. Своим ухарством и фамильярностью с краской он огорчал меня, но этим же самым приспустил живопись на землю, опростил ее, после чего она показалась мне менее недосягаемой для моих сил.

В 1897 году Петров-Водкин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Там его преподавателем стал Валентин Серов, который оказал большое влияние на молодого художника. В 1909 году состоялась первая персональная выставка Петрова-Водкина — на ней он представил живописные этюды и рисунки, которые привез из заграничных путешествий. Через год он стал членом художественного объединения «Мир искусства».

«Играющие мальчики»

Произведение «Играющие мальчики» Кузьма Петров-Водкин написал в 1911 году. В октябре 1910 года он работал над росписями одной из лестничных башен храма Василия Златоверхого в городе Овруче. Он воссоздавал в соборе библейские образы сыновей Адама и Евы — Каина и Авеля. Их же фигуры изображены на картине «Играющие мальчики».

Как Петров-Водкин и другие художники изображали наготу? Читайте в нашем материале

За несколько лет до написания полотна Петров-Водкин побывал в Париже: познакомился с европейской живописью, увидел картины Матисса. Художник не отрицал, что «Играющие мальчики» появились под влиянием произведения «Танец» французского живописца. Работа стала программным произведением Петрова-Водкина. А через год художник написал «Купание красного коня» — главную картину тех лет.

«Мать»

Материнство — одна из любимых тем Петрова-Водкина. К образу матери он впервые обратился в 1913 году. Через два года появилась другая версия картины. На ней художник изобразил женщину-крестьянку с ребенком — фигуры на переднем плане заметно больше предметов в комнате. Так подчеркивается значимость происходящего на полотне. Интерьер на картине Петров-Водкин написал наклонными линиями: такой прием он использовал также в картинах «Утро в детской», «За самоваром», «Скрипка». В этой работе мастер воплотил теорию трехцветия: художник считал, что все цветовое богатство состоит из красного, синего и желтого. Их сочетания достаточно для того, чтобы воплотить художественный замысел.

«Полдень. Лето»

Философскую работу «Полдень. Лето» Петров-Водкин написал в 1917 году. За год до этого умер его отец, в письме к матери художник писал: «И Солнце, все время Солнце до самой могилы. Его опустили в землю ровно в полдень».

Еще несколько пейзажей русских мастеров

В картине Петров-Водкин изобразил панораму жизни — любовь, рождение, материнство, труд, смерть. В этой работе художник снова использовал теорию трехцветия, а также изобретенный им прием сферической перспективы. В книге «Пространство Эвклида» он писал: «…когда падал я наземь, предо мной мелькнуло совершенно новое впечатление от пейзажа, какого я еще никогда, кажется, не получал. Решив, что впечатление, вероятно, случайно, я попробовал снова проделать это же движение падения к земле. Впечатление оставалось действительным: я увидел землю, как планету».

«1918 год в Петрограде»

Петров-Водкин поддержал революцию одним из первых в художественной среде.

Судороги предвещали не местный перелом. Переселение народов вширь закончилось, — податься больше некуда; …остался, значит, один верх для пространственного благополучия народов: кто выше из них взметнет творческую энергию, облюдит Марс, отремонтирует бездельничающую Луну…

Потомки наши со временем разберутся от винтика к винтику в событиях; доисследуются до первопричины: почему закипел котел и почему вообще котлы кипят; моя задача — в том, чтоб посильно показать живой материал, из которого строился я и мои однолетки…

С 1918 года он преподавал в Петроградской академии художеств и разрабатывал новые теоретические принципы в изобразительном искусстве, рисовал агитационные плакаты, делал иллюстрации и оформлял журналы. В 1920 году появилась картина «1918 год в Петрограде» («Петроградская Мадонна»). В ней художник объединил сразу две темы — материнства и революции.

«Смерть комиссара»

А вы знали, что Петров-Водкин побывал на Первой мировой войне? О нем и других культурных деятелях — в материале

Петров-Водкин неоднократно обращался к теме Гражданской войны («После боя», «1919 год. Тревога»). Картина «Смерть комиссара» занимает центральное место в советском периоде его творчества — она была написана к десятилетию Красной армии. Художник приступил к работе над полотном в 1927 году — сохранился карандашный эскиз и большой эскиз маслом. В окончательном варианте картины художник изменил облик комиссара — профиль Петров-Водкин списал с поэта Сергея Спасского. Он рассказывал об образе главного персонажа: «Кто он? Что он? Он — типографский рабочий (так я решил где-то внутри) в Питере, он с Волги, а раз это так, то в нем должно быть что-то татарское или мордовское. Он — нацмен. Такие мысли, конечно, раньше в голову не приходили, и здесь самое трудное найти типаж. Возьмем мои работы: комиссар — это, в сущности, просто красивый милый юноша, который умирает».

В этой работе художник снова отказался от линейной перспективы в пользу сферической, а также воплотил идею трехцветия.

Автор: Евгения Ряднова

www.culture.ru

5 самых дорогих картин Пабло Пикассо — Miraman.ru

Газета The Times в 2009 году признала его лучшим художником среди живших за последние 100 лет. Полотна Пикассо занимают первое место по «популярности» среди похитителей и бьют все рекорды по продаже на аукционах. Кстати, совсем недавно, в мае этого года, одна из его картин снова возглавила список самых дорогих произведений искусства – она была продана за беспрецедентные 179,3 миллиона долларов!

Алжирские женщины, 1955 год

Продана за $179.3 млн. 11.05.2015

5 самых дорогих картин Пабло Пикассо

Пикассо создал серию картин АЛЖИРСКИЕ ЖЕНЩИНЫ по мотивам знаменитой картины Эжена Делакруа 1834 года. Всего – 15 вариаций, которые обозначены в алфавитном порядке как Version А-О. В 1956 году, через год после написания, всю её за $212 тыс., купил Виктор Ганц, знаменитый коллекционер современного искусства. Одиннадцать работ из серии Алжирских женщин были проданы Салли и Виктором Ганцами ещё при жизни последнего - в музеи и в частные руки, а оставшиеся четыре работы, в том числе и итоговая Version O, были проданы уже после смерти обоих Ганцев. В частности, картина Алжирские женщины, Version O, ушла за $32 млн. В мае 2015 картина вновь была выставлена на аукцион Кристис, и на этот раз она побила все рекорды - была продана за $179 млн, став самой дорогой картиной Пикассо, а также самым дорогим в мире произведением искусства, когда-либо проданным на аукционных торгах.

Обнажённая, зелёные листья и бюст, 1932 год

продана за $106.5 млн. 05.05.2010

5 самых дорогих картин Пабло Пикассо

Одна из знаменитой серии сюрреалистических картин 1932 года, на которых Пабло Пикассо затейливо преобразил свою новую возлюбленную Мари-Терез Вальтер.

Серия портретов спящей Мари-Терез как богини секса и желания была выполнена художником в тайне от жены, Ольги Хохловой, во время пребывания с подругой в Буажелу под Парижем.

В 1936 году полотно приобрёл нью-йоркский дилер Поль Розенберг, после чего в 1951 году оно было продано в частное владение американскому девелоперу Сидни Ф. Броуди.

После смерти Броуди картина в марте 2010 года была выставлена на торги аукционным домом Кристис и впоследствии продана неизвестному коллекционеру за 106 482 500 долларов (включая премиальные аукционистов). На тот момент она стала самым дорогим произведением искусства из числа проданных когда-либо с аукциона.

Мальчик с трубкой, 1905 год

продана за $104.1 млн. 04.05.2004

5 самых дорогих картин Пабло Пикассо

Картина, написанная в общежитии Бато-Лавуар на Монмартре 24-летним художником Пабло Пикассо в 1905 году, в так называемый розовый период его творчества. Она изображает неизвестного мальчика в венке из роз, держащего в левой руке трубку.

Портрет долгое время служил «гвоздём» собрания американского коллекционера Дж. Уитни. При распродаже коллекции в 2004 году «Мальчик с трубкой» был продан на аукционе «Сотбис» за рекордную на тот момент цену в 104 миллионов долларов, побив державшийся 15 лет рекорд «Портрета доктора Гаше» кисти Ван Гога.

Этот рекорд продержался 6 лет, до мая 2010 года.

Дора Маар с кошкой 1941 год

Продана за $95.2 млн. 03.05.2006

5 самых дорогих картин Пабло Пикассо

Доры Маар, которая в течение почти десяти лет была музой художника, моделью и любовницей. Портрет написан в 1941 году в мастерской Пикассо на улице Великих Августинцев в оккупированном немцами Париже, когда отношения между любовниками уже дали основательную трещину. Пикассо использовал этот исполненный в абстрактных формах портрет как средство выражения своих внутренних переживаний. Позже художник признался, что в период написания картины Дора стала для него «персонификацией войны».

В 1946 году первым обладателем портрета «Доры Маар с кошкой» стает влиятельный парижский дилер Пьер Колле. В 1947 году ведущие коллекционеры из Чикаго Ли и Мери Блок покупают портрет у Пьера Колле. Согласно устным высказываниям Блока, он заплатил $15 000. С 1 июля 1963 года владельцами стает другая пара из Чикаго Адель и Уиллард Джидвиц. После этого картина не показывалась на публику около 40 лет. И вот 3 мая 2006 года аукционный дом Cотбис выставляет портрет на продажу с оценочной стоимостью в $50 — $70 млн. Превысив все ожидания, портрет «Доры Маар с кошкой» ушел с молотка за $95,216,000. Счастливчиком оказался грузинский политический и государственный деятель Бидзина Григорьевич Иванишвили.

Бюст женщины (женщина в сеточке для волос), 1938 год

продана за $67.4 млн. 11.05.2015

5 самых дорогих картин Пабло Пикассо

Этот очень яркий и красочный портрет Доры Маар написан Пикассо в самый разгар их отношений в Париже 12 января 1938 года.

Реакция Пикассо на ее нервенный характер наложилась на общее ощущение художника от эпохи нарастания предвоенных настроений, а потом и кошмаров войны - и в истории искусств появился такой феномен, как изломанные, искореженные образы Доры.

Историю жизни картины найти не удалось. Известно только, что она была продана на аукционе в Нью-Йорке в мае этого года более чем за 67 миллионов долларов.

miraman.ru

5 отличных картин, которые украсят твою стену

И снова мы советуем тебе отличные вещи, которые украсят даже самый унылый дом. Картины, постеры, репродукции – обо всём этом ты должен знать, если хочешь прослыть парнем, который славится своим хорошим вкусом. К тому же, приятно, сидя в кресле, пить какой-нибудь прохладный напиток и наслаждаться величественной красотой искусства.

Однако картина картине рознь. А интернет наводнен всевозможным трэшем, который точно не понравится ни твоей подруге, ни твоему псу, ни тебе. Бывают такие постеры, что даже зеркала начинают трескаться от негодования. Нет в них красоты и искусства, нет оригинальной идеи или выдержанности лет. От этого и складывается впечатление, что искусство не всегда выглядит приемлемо для жилого дома. Некоторые изображения просто не подходят для родных стен. Но подобное мнение ошибочно, просто надо уметь выбирать и всегда придерживаться высокой планки.

А для этого у тебя есть Brodude, который всегда поможет добрым советом. И вот наши 5 картин, которые никогда не будет стыдно повесить на стену.

Ретро-постеры

Такое ощущение, что утверждение о том, что мода всегда движется по кругу, весьма справедливо. И есть какая-то притягательная атмосфера в постерах, стилизованных под 50-60 года ХХ века. В первую очередь мы имеем в виду штаты, хотя и в советском агит-искусстве было много интересного. Но у американцев получалось делать всё более мягче, более по-домашнему. К тому же, их кино повлияло на нас гораздо значительней, чем советское. Вот и выходит, что их рекламные плакаты вызывают у нас не меньшее чувство ностальгии, чем наши собственные.

На этом постере изображена, по всей видимости, одна из моделей Кадиллака. Возможно, Эльдорадо Севил 58 года. Рекомендуем вешать её в комнате, где ты обычно ешь бургеры или пиццу. Создаёт такой антураж придорожной закусочной в самом хорошем смысле слова.

Старый Гитарист

В 23 года Пабло Пикассо, быть может, написал одну из самых крутых своих жанровых работ. Называется она «Старый Гитарист», и сейчас трудно найти что-то более интересное на тему уличных музыкантов. Картина нокаутирует тебя прямо с первого взгляда. И сейчас, если уж говорить на чистоту, картина не растеряла своей актуальности. Она по-прежнему крута и жизнеспособна. Сам Пикассо утверждал, что «Старый Гитарист» – это реальный человек, который жил в Париже в квартале нищих среди проституток, артистов и циркачей.

Если в твоей комнате преобладают тёмные, слегка деревянные тона, то картина из «голубого периода» Пикассо шикарно войдет в интерьер. «Гитарист» станет не просто декором в твоём доме, но и полноправным жителем со своей особой историей.

Даная

Даная – это девушка, в которую влюбился Зевс, но не мог овладеть, пока не превратил рыжую красавицу в дождь. Такая мифологическая история, от которой всплывают воспоминания из жизни многих чуваков. А Густав Климт – это превосходный художник-модернист, что любил рисовать полуголых подруг, и делал он это прекрасно. Надо ли объяснять ещё что-то? Или ты правда думаешь, что красивая рыжая девушка на твоей стене будет лишней? Добавь культурного эротизма в свою спальню, и будет тебе счастье!

Тонущий корабль

Так писать морские пейзажи и корабли может только наш родимый Иван Константинович Айвазовский. Даже реальные фотографии штормов, сделанные на профессиональную камеру, не всегда передают всё буйство и величие морской стихии так, как это делал Айвазовский. В его работах много величественности и какого-то природного ужаса, который побуждает нас лучше пользоваться своими мозгами, очищает мысли.

«Тонущий корабль» был написан в 1854 году, гениальный маринист смог передать сокрушительную силу моря и слабость человека перед ней. Впрочем, корабль, находясь во власти громадных волн, несмотря на название, всё ещё не тонет. Этим Айвазовский хотел показать, что всегда остаётся надежда на лучший исход даже в самых кошмарных обстоятельствах.

В целом картина действительно крута. Её можно повесить на рабочее место или в комнату, где преобладают холодные оттенки. Выглядит она прекрасно.

На корриде

Да, сейчас модно ругать эту испанскую традицию, но когда-то это не могло прийти ни в одну мужскую голову. Вот тореадор выходит на бой со здоровым и могучим быком. Ему нужно не только защитить себя от разъяренного животного, но и поразить зрителей своим искусством. Однако страх попасть под острейшие рога всегда оставался, адреналин кипел в крови, а тореадор тем временем не видит ничего, кроме красного силуэта быка на черном фоне.

Отличный выбор для размещения в комнате, где ты обычно проводишь время с друзьями. Щедрая порция тестостерона в твой дизайн.

Все примеры мы взяли у наших крутых и культурно-осведомленных друзей из магазина Modulka. Там и можешь приобрести эти кошерные репродукции.

brodude.ru

5 картин, которые должен знать каждый

3894 просмотра

440

Мальчикам нравятся образованные девочки, а девочкам нравятся умные мальчики! Музыка Первого предлагает тебе начать повышать свой уровень интеллекта. Читай и запоминай!

1. «Девушка с жемчужной сережкой». Ян ВермеерЕсли «Мону Лизу» Леонардо да Винчи знает каждый, то «нидерландскую Мону Лизу» Вермеера — единицы. А зря! Во-первых, это самая известная картина Яна Вермеера. Во-вторых, чтобы на нее посмотреть, люди выстраиваются в очередь. И, в-третьих, доподлинно неизвестно, кто именно изображен на картине: то ли дочь Вермеера, то ли дочь его покровителя или вообще любовница художника. Кстати, на эту темы был снят фильм в главной роли со Скарлетт Йоханссон.

2. «Сад радостей земных». Иероним БосхЭто самый известный триптих Иеронима Босха. Он уже более 500 лет вызывает споры у любителей искусства по всему миру. Существует много разных предположений и по поводу цветовой гаммы, и по поводу тематики, и даже дата написания картины точно неизвестна. Ученые также предполагают, что Босх изобразил самого себя на одной из панелей, расколотым на две части. Величина полотна «Сад радостей земных» просто огромнейшая. В развернутом состоянии ширина триптиха — 3,89 метра. В общем, тайн в картине много, а смысла еще больше.

3. «Демон сидящий». Михаил ВрубельИзвестная картина Михаила Врубеля «Демон сидящий» будоражит кровь многих ученых. Известно, что образ Демона не давал художнику покоя всю жизнь. Многие исследователи утверждают, что дьявол открыл Врубелю свое истинное лицо, и увиденное привело художника к слепоте и помешательству. Он пытался изобразить все на своих картинах, особенно сатанинские глаза. Так что если ты все еще мечтаешь заглянуть в глаза дьяволу, то отправляйся в Третьяковскую галерею.

4. «Поцелуй в звёздном небе». Густав КлимтЭта картина считается шедевром раннего модернистского периода. «Поцелуй в звёздном небе» у Климта выкупили еще до того, как он ее закончил. Да и сейчас многие галереи мира пытаются выкупить полотно у Венского музея. Картина выполнена в стиле мозаики, но у Климта это были не просто краски. Для усиления восприятия он смешивал сусальное золото с масляными красками.

5. «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?». Поль ГогенПохоже, что если ты творишь шедевр, то обязательно плохо закончишь. Так и Поль Гоген, написав картину «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», пытался покончить жизнь самоубийством. Полотно нужно читать обязательно справа налево, чтобы увидеть верный хронологический порядок. Кстати, в картине зашифровано ровно 15 символов. Поэтому, если на досуге тебе нечем будет заняться, то можешь попробовать разгадать тайный смысл полотна.

© muz1.tv

3894 просмотра

440Больше новостей

www.muz1.tv

Книга Пять картин читать онлайн Иван Ефремов

Иван Ефремов. Пять картин

Великое Кольцо - 4

 

Крес — оператор головной антарктической станции ППВ — склонился над графиком, когда голос друга позвал его из глубины экрана. Обрадованный и немного ошеломленный внезапностью, он всматривался в лицо школьного товарища. Такой же — и не такой… Они всегда в чем-то изменяются, возвращаясь из далей космоса. Это не штрихи резца времени, неизбежно оттеняющие лица оседлых жителей Земли.

Что-то как бы оттиснутое на самой сущности человека, отчего иначе складывается улыбка и смотрят глаза.

— Не ждал тебя так скоро. Всего два дня, как показывали ваше прибытие. Почему вы сели на старинный космодром Байконур вместо Эль-Хомры?

— Расскажу после. Меня включили на четыре минуты — узнать шифр твоего гостевого канала.

Крес назвал необходимые цифры и добавил:

— Мы можем увидеться сегодня же в двадцать часов по среднепланетному Восточного полушария. Подошла моя очередь посмотреть пять картин, а ты их тоже не видел. Мне откроют гостевой канал, хоть это и совпало с дежурством в направляющей башне. Кстати, увидишь еще двух старых друзей. Я пригласил нашего Алька — он так и остался художником. И еще будет Та…

— Она уже вернулась с Пяти Темных Звезд? И ты все же продолжаешь называть ее по-школьному? А где же Не Та?

— И ее увидишь, потому что она, ее группа, нашла пять картин. Она даст объяснения на выставке в Совете звездоплавания.

Скупо отмеренные минуты истекли. Крес вернулся к графику транспортировки. Громадность задачи не смущала его, участвовавшего в затоплении пустынь Калахари и Намиб в Южной Африке. Теперь предстояло перебросить целое море пресной воды на материк Австралии. Там сотни лет назад нерасчетливое орошение пустынь подземными водами привело к массовому засолению почв, а недра материка могли дать лишь сильно минерализованный кипяток.

Опреснение морской воды не составляло проблемы, но ядовитая дистиллированная вода должна была подвергаться сложной химической обработке. Давно стало известно, как много веществ, хоть и в самых ничтожных количествах, было растворено в сложной структуре воды — минерала, когда-то считавшегося самым простым. Без этих веществ вода не могла служить жизни, а колоссальные ее количества, нужные для орошения целого материка, требовали столько труда, что не оправдывались ни земледелием, ни скотоводством Австралии.

Как всегда, выход из тупика нашелся раньше, чем думали, и в неожиданном направлении. Изобрели способ переноса водяных молекул в потоках заряженных частиц. Создавалось нечто вроде ураганного ветра, поднимавшегося исполинской дугой в стратосферу и переносившего любые количества воды. А здесь, на ледяном щите Антарктического материка, небольшая термоядерная станция давала кубические километры пресной воды.

Совет экономики планеты торжествовал, что отказался в свое время от проекта растопления антарктических льдов и повышения уровня океанов. Незачем было мешать пресную воду с соленой, когда теперь стало возможным излить любое ее количество в любую точ

knijky.ru

Топ-5 картин Леонардо да Винчи • Arzamas

10 января 2018Искусство

Объясняем, как да Винчи изменил историю живописи, на примере пяти его главных работ

Автор Елена Якимович

1«Мадонна в скалах» (1483–1486)
Musée du Louvre / Wikimedia Commons

«Мадонна в скалах» — одна из первых живописных работ Леонардо. Контракт с художником заключило Братство Непорочного зачатия  Городское религиозное сообщество богатых жителей Милана, собиравшихся для совмест­ных молитв. — картина должна была украсить алтарь часовни церкви Сан-Франческо-Гранде в Милане. Вместо формальной торжественной застывшей композиции Леонардо создает свобод­но развернутую в пространстве, пластичную группу в форме пирамиды — своей любимой фигуры — и таким образом нарушает традицию, по которой алтарная картина должна была включать Марию с младенцем, пророков и ангелов. Герои связаны между собой с помощью поз и жестов. Вот коленопреклоненная Мария представляет Иоанна Крестителя младенцу Христу, который поднимает руку в благословляющем жесте. Вот ангел указывает на Иоанна и смотрит на зрите­ля, будто приглашая его в картину. Тихое таинственное действо в гроте напо­минает сцену Рождества, тоже часто изображаемую в пещере, а отсутствие нимбов и атрибутов делает «Мадонну в скалах» менее официальной и более камерной.

Нарушение традиции заключается еще и в том, что на картине изображена сцена, отсутствующая в канонических Евангелиях, но известная по апокрифам. Согласно апокрифическому Протоевангелию Иакова, младенец Иисус встре­тился с Иоанном во время бегства в Египет (Ирод приказал истребить всех младенцев мужского пола), когда Мария, Иосиф и Христос, как и Иоанн с его матерью Елизаветой, скрывались в пустыне.

Как и его предшественники, Леонардо тщательно выписывает детали — он пре­красно разбирается в геологии и ботанике, — и мы можем определить разно­вид­ности цветов и породы скал. Одновременно в картине есть характерные только для Леонардо воздух и глубина, которых удалось добиться с помощью приема сфумато  Сфумато (итал. sfumato — «затушеванный, исчезающий как дым») — смягчение очерта­ний фигур и предметов, которое позволяет передать окутывающий их воздух. . Уходя от условности и плоскостности, показывая объемные пла­стичные фигуры в сложном пространстве, художник прощается с тради­циями Средневековья и Раннего Возрождения в Италии и открывает дорогу к «Тайной вечере» и «Моне Лизе».

2«Тайная вечеря» (1495–1498)
Wikimedia Commons

Над росписью на стене трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане  Капелла при монастыре была домовой церковью Лодовико Сфорцы, правителя Милана, на которого работал Леонардо. Леонардо хотел работать медленно и использовать яркие краски, дающие возможность тональных переходов. Он отказался от прове­ренной и надежной техники фрески — она не позволяла вносить исправления, использовать множество разных цветов и оттенков и добиваться сложных переходов от одного тона к другому. Художник решил работать аль секко, то есть всухую, рисуя по сухой стене. Поверхность стены он покрыл смесью гипса, смолы и мастики, а писал яичной темперой с добавлением масляной краски. Но эксперимент провалился: уже в XVI веке изображение начало раз­рушаться, а прорезание двери в стене, наводнения, неудачные реставрации, бомбежки во время Второй мировой еще сильнее испортили роспись.

Христос и ученики помещены в строгий интерьер, напоминающий трапезную монастыря: он сообщает, что один из них предатель. Это не ритуальный ужин и не молитвенное собрание, как у предшественников Леонардо, но спектакль в момент кульминации. Апостолы спорят, недоумевают, печалятся, возмуща­ются, гневаются. Посередине Христос: он указывает на хлеб, намекая на таин­ство причастия. Иуда — и это тоже совсем не характерно для итальянской живописи XV века — смешался с толпой других учеников. Отшатнувшись от стола, он рассыпает соль (дурная примета).

В этой работе передан весь спектр переживаний героев: каждый индивидуален и вместе с тем типичен — зарисовки беседующих на улице людей, которые Леонардо делал, еще не получив этот заказ, явно не прошли даром. Персонажи образуют символические группы из трех человек, в форме треугольника изо­бражен и Христос в центре композиции. Математически точная перспектива задает сцене строгий ритм, а сочетание выверенной геометрии с эмоциональ­ными движениями героев позволяет добиться равновесия без застылости.

3«Спаситель мира» (около 1500 года)
Wikimedia Commons

Об авторстве этой картины идут споры, но многие авторитетные исследовате­ли считают, что автор — Леонардо. «Спаситель мира» — это тип изображения, когда Христос чаще всего представлен как владыка мира  На это указывает сфера или держава с крестом; иногда он сидит на троне., поднимающий правую руку в благословляющем жесте. Иконография с вла­ствующим и благословляющим Христом пришла в Италию из Нидерландов. Прозрачная сфера в руках Спасителя отсылает к Платону и Аристотелю, писавшим о сферической форме Вселенной. 

Картина вызывает много вопросов. Почему руки Христа выделены светом и приближены к зрителю, а лицо вдалеке и скрыто во мраке? Почему сфера, вероятно сделанная из горного хрусталя, не искажает складки одежды, если учесть, что Леонардо отлично разбирался в оптике? Почему здесь нет ни пластичности, ни сложных разворотов, ни типичной для мастера «подвижности внутри покоя»​  Для живописи Леонардо характерны сложные развороты фигур, подвижных и пластичных. Вместе с тем композиции в целом весьма устойчивы и сохраняют равновесие.​, которой он достиг к концу XV века? И главное, не подделка ли это? Видимо, все же нет. На рентгене видны поправки в изображении благословляющей руки — и это веский аргумент в пользу того, что автор писал сам, а не копировал готовый образец. В пользу авторства Леонардо говорит и нестандартное изображение Иисуса — без бороды и без нимба.

4«Мона Лиза» (1503–1519)
Musée du Louvre / Wikimedia Commons

Изображение Лизы Герардини, неаполитанки из аристократического обеднев­шего рода, жены флорентийского торговца тканями Франческо дель Джокон­до, стало поводом для множества домыслов и догадок. Этому способствовали и знаменитая кража «Джоконды» из Лувра в 1911 году, и путешествие картины по США в 1962-м, и многократное цитирование, в том числе в искусстве. Зага­дочную репутацию «Моне Лизе» создали в XIX веке романтики и символис­ты — Теофиль Готье и Уолтер Пейтер  Писатель-романтик Теофиль Готье в 1855 году назвал «Джоконду» «сфинксом красоты», а кри­тик Уолтер Пейтер в 1867 году написал, что это существо, которое «умирало множе­ство раз и изучило тайны загробного мира». Дмитрий Мережковский в романе «Воскрес­шие боги. Леонардо да Винчи» (1901) продол­жил романтическую тему, назвав «Джоконду» женским двойником самого Леонардо.. Но и сам Леонардо этому содействовал, предоставив зрителям полную свободу интерпретации.

Как писал мастер, «неясными предметами ум побуждается к новым изобре­тениям» — и здесь действительно неясно все. Каков характер этой женщины, добрая она или злая, веселая или коварная, юная или зрелая? Модель не ста­тична — она спокойно сидит, но развернута в пространстве: ноги в одну сторо­ну, торс в другую, голова и взгляд направлены в разные стороны. Сфумато передает мимолетную эмоцию, случайно мелькнувшую мысль, слегка ожив­ляющую лицо (быстрый взгляд в сторону, легкая улыбка). Намеренная неяс­ность очертаний и мягкость форм рождают у зрителя самые разные мысли о ее характере и эмоциях. Невозможно понять, о чем она думает и что чув­ствует, но несомненно, что это лицо отражает глубокую внутреннюю жизнь. Полуфантастичес­кий пейзаж в отдалении напоминает скорее о сказке или сне, чем об Италии, и его легкая асимметрия, которая есть и в фигуре, тоже создает «подвижность внутри покоя».

Именно эта сложность и неоднозначность — большое открытие Леонардо. Как настоящий психолог, он ставит эксперимент над зрителем, предлагая проективный тест, который нельзя пройти единственно правильным образом.

5«Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом» (1508–1510)
Musée du Louvre / Wikimedia Commons

По одной версии, «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом» была зака­зана фран­цузским королем Людовиком XII для его беременной жены Анны Бретонской  Культ святой Анны, распространенный в Ита­лии в XV веке, в числе прочего связан с ее покровительством беременным женщинам.. Но проект остался незаконченным, что закономерно для Леонардо.

Изображение Марии с младенцем на коленях у ее матери, святой Анны, при­шло с севера, из Германии XIV века. Такая иконография называется «Анна втроем»: название подчеркивает связь между женщинами и святость зачатия для обеих. У Леонардо смысл сцены подчеркнут пластически: группа плотно спаяна (снова любимая пирамида), тела героев повторяют и продолжают друг друга. На коленях у Анны, словно на троне, сидит монументальная Мария, плавно склоняясь к младенцу, который пытается оседлать ягненка. Агнец символизирует жертву Христа, и одновременно это тихая семейная сцена: Мария отвлекает сына, а моложавая бабушка умиротворенно наблюдает за обоими. Вся троица изображена на краю обрыва, отделяющего их от зри­теля, а пустынный пейзаж придает сцене планетарный масштаб. Символи­ческое переплетается с эмоциональным, а идеальное — с реальным.

Каждая картина, в отличие от рисунков, была для Леонардо синтезом всего его опыта, итогом исследования, и именно поэтому многие работы, в том числе эта, так и остались незаконченными. Когда художник хочет создать убедитель­ный мир, равный реальности по своей сложности, то на поиски этой формулы может уйти вся жизнь.  

Литература

10 самых остроумных отрывков из писем Чехова

О поцелуях, писательстве, погоде и совсем неприличном

arzamas.academy