Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве. Картина почему


Почему картины Ротко такие дорогие?

Сколько вообще должна стоить картина? Если составлять прайс-лист живописи исходя из характера изображенного, сколько будет стоить картина с одной полоской? Двумя? Лошадью? Быки — дороже коров, или так же? Если на картине три человека — считать стоимость по головам, или брать как за группу? Кто дороже — Дева Мария, или Христос, изгоняющих торгующих из храма?

Если вопрос о деньгах, то он решается просто: азы экономики говорят нам, что вещи стоят ровно столько, сколько люди готовы за них платить. Если же вопрос о картинах... ну, поговорим о картинах.

Когда Ротко только начинал заниматься живописью, рынка искусства в сегодняшнем виде в принципе не существовало. Это были первые послевоенные годы, ранний энтузиазм первых меценатов начала века уже смыло Великой Депрессией, и американские художники были предоставлены целиком себе — в стране, которая по их соображениям не имела ни своей традиции, ни своей мифологии, ни культуры. Художников никто не знал. Галереи исчислялись единицами, аудитория единственной колонки об искусстве в NYT составляла может быть человек сто. Нельзя было даже убедительно сформулировать, что теперь нужно писать: старые парадигмы давно отошли, уступив место европейскому авангарду, но консервативная реакция подкосила и авангард.

Сейчас — есть рынок, критики, теория, и далее по списку. Десятки статей пишут по поводу продажи каждой картины, и почти ничего не пишут о самих картинах. Как будто все знают, что на них изображено. Как будто с тем, почему одна картина работает, а другая нет, все давно разобрались. Как будто картины оцениваются в связи с каким-то прайс-листом.

На самом деле, если бы все вдруг выяснили, что именно изображено на картинах Ротко... В общем, это была бы совсем другая история. Но это же сложно — за чужим кошельком рассмотреть картину. Да?

В своей знаменитой лекции в Pratt University Ротко говорил, что картины состоят не из холста и масла, а из направленности на смерть и десяти процентов надежды, "чтобы сделать всё немного более терпимым". Это те ингредиенты, которые возвышают её над просто цветом — но не гласно, не очевидно. И хотя картины всё равно изображают цвет, только цвет, ничего не не символизирующий — то опыт чистого восприятия, который этот цвет может дать, больше этого цвета.

Так что Ротко изображал не полоски. Он изображал возможность спасения — через молчание, тишину, смерть. Это та тишина, которую в теперешнем перегруженном утверждениями мире уже почти невозможно найти.

Она бывает синяя, из-под которой кажется желтый. Она бывает красная снизу и сверху, но по-разному красная. Она бывает широкая, ржавая, так что её трудно посмотреть целиком. И она бывает чёрная, совершенно чёрная, но почему-то светящаяся внутри.

Но на картину мало смотреть, нужно на минуту сделать её своей единственной реальностью, кроме которой ничего больше не существует. Перед картиной нужно остановиться, оказаться в отдельном моменте внутреннего молчания, забыть о себе и своих представлениях о себе, о мире, и в том числе и об искусстве, чтобы, возможно, почувствовать или узнать что-то новое, измениться, пережить, вернуться чем-то немного другим. Перед картиной нужно исчезнуть.

Можно конечно списать это всё на синдром поиска глобального смысла — ради бога. Говорят, что искусство субъективно. Что все люди разные. Я не спорю. Люди разные. Разным людям по-разному нужно исчезнуть перед Ротко.

Ну так что — куда это всё засунуть на прайс-листе?

thequestion.ru

Почему некоторые картины стоят баснословных денег?

Любят же наши люди порассуждать, что продажа искусства сродни «торговле воздухом». Следовательно, все эти немыслимые аукционные цены — это непременно пузырь, обман, афера. ARTinvestment.RU постарается поколебать этот предрассудок

В недавнем перечислении девяти мифов о рынке русского искусства был намеренно пропущен десятый — самый распространенный из них и относящийся не только к рынку русского искусства, а к арт-рынку вообще. Нет, речь не про обычную песню «что хорошего в “Черном квадрате”». Но тоже разговор застольный. Сводится он к безапелляционному тезису оппонента, что все эти продажи искусства — торговля воздухом и деньги на ветер. Следовательно, все эти немыслимые аукционные цены — это непременно пузырь, обман, и в целом все смахивает на ловкую аферу. Спорить с этим можно до хрипоты. Убежденный носитель житейской мудрости никогда не согласится, что за картину (пусть даже самую расчудесную) человек в здравом рассудке может заплатить несколько сотен миллионов долларов. Попробуйте кому-нибудь ради интереса объяснить, что важная для истории искусства фотография может стоить под 5 миллионов долларов, как многоквартирный дом в Москве. А шедевр Сезанна — как 25 таких домов, то есть целый городской квартал. То-то. Тем не менее попробую. Так, чтобы было понятно.

О «торговле воздухом» и «деньги на ветер» рассуждать скучно. Тут многое познается в сравнении. Для одних купить Матисса означает купить «воздух», а для других, условно, Басков на частную вечеринку — удачное приобретение. Приходится сравнивать вечное с модным. Как тут объяснить, что работа Матисса переживет века, а имя ее владельца тоже сохранится в истории? По меньшей мере, о нем будут упоминания в строчках публикуемого провенанса и в переиздаваемых каталогах. А вот имена «королей вечеринок» вряд ли ждет эта участь.

Начну с того, что баснословные цены — удел не многих и очень непростых картин. Платят не за холст, краски и умение «изображать как в жизни» (это как раз уже не имеет значения). Охота на шедевры — это поиск предметов, служащих воплощением прорывных идей, апофеозом новаторства, свидетельством переломных событий в истории художественной мысли. Никому не нужен фигуративный ранний Мондриан или экспрессионизм раннего Ротко. Коллекционеры требуют их новаторского неопластицизма и пульсирующих цветовых абстракций. А будь у кого шанс приобрести на аукционе «Черный квадрат» Малевича, то покупатели бились бы заведомо не за схематичный, довольно небрежно написанный холст. Боролись бы они за революционную вещь, икону авангарда, определившего развитие живописи XX века. И стоил бы этот неаккуратно написанный первосимвол новой религии в искусстве больше сотни миллионов долларов.

Скептикам, сомневающимся в оправданности цен на шедевры, стоит обратить внимание, что они устанавливаются не в тихих кабинетах, а на аукционах, в реальной публичной борьбе, при высочайшем уровне состязательности. Иногда речь идет о десятках аукционных шагов. То есть установившаяся цена, как правило, объективна. Это вам не госзакупки с псевдотендерами. Это устойчивый рынок.

И тем не менее, почему выдающиеся картины стоят так дорого? Вот лишь несколько возможных причин:

1. Инвестиции в долгосрочный «суперактив». Обычным людям, с горизонтом планирования 1–3 года это сложно понять. Но владельцы состояний, их трасты и «семейные офисы» порой вынуждены думать на 20–50, даже 100 лет вперед. А ведь там, за горизонтом вообще ничего не просчитывается — полная неопределенность. Сохранится ли роль золота? Большой вопрос, скорее нет. Что будет с нефтью, питьевой водой да и вообще с картой мира? Что можно будет передать правнукам? И так сплошные вопросы. Но, оглянувшись назад, можно вспомнить, что человечество всегда брало с собой в будущее. Знания и искусство. Мир будет сильно меняться, но вряд ли потомки кардинально пересмотрят значение Тициана, Сезанна, Малевича. Поэтому шедевры многими сегодня рассматриваются как долгосрочное средство сбережения, некий «суперактив» для вложений капитала.

2. Исключительная редкость. В ноябре 2008 года «Супрематическая композиция» Казимира Малевича была продана на Sotheby’s за 60 миллионов долларов и заняла второе место в списке самых дорогих произведений русских художников. Ошеломительный результат? Отнюдь. Если бы не навалившийся финансовый кризис, то работа могла бы уйти и за 100 миллионов. Оставим в стороне патетику (понятно, что супрематизм Малевича — изобретение, изменившее историю мирового искусства в XX веке) и сосредоточимся на материале. Живопись Малевича в частных руках вся наперечет, и работы подобного класса могут появиться на рынке только в результате исключительных событий. Так, эту «Супрематическую композицию» и еще две работы в стиле супрематизма отсудили у голландского музея Стеделийк наследники художника в результате сложного реституционного спора. То есть потенциально на рынке могут появиться еще две вещи сопоставимого уровня, но когда это произойдет? Может, через 10 лет, может, через 20, а может, через 100. Равно как и единственная версия «Крика» Эдварда Мунка в частных руках, «Портрет Адели Блох-Бауэр II» Густава Климта и другие уникальные вещи. Вот и ответ: покупатели готовы платить баснословные суммы за шедевры исключительной редкости.

3. Плата за роль достопримечательности (источник прибыли). Шедевры не только дорожают сами по себе, но и могут быть источником прибыли. Они выполняют функцию достопримечательности, привлекают туристические потоки. Сегодня растет доля и значение культурного туризма, в престижные музеи стоят очереди. В мире появляются новые искусственно создаваемые центры культурного туризма — например, на Ближнем Востоке. Чем заманить путешественников? Купить шедевры. За любые деньги. Уверен, что немало людей готовы съездить посмотреть «Игроков в карты» Сезанна, купленных королевской семьей Катара примерно за 250 миллионов долларов. Да еще и пиар получился блестящий: такие траты сами себя рекламируют.

4. Искусственное ограничение предложения шедевров. Раз всем понятно, зачем регулировать предложение алмазов на рынке, то почему то же самое не делать с шедеврами? В арт-мире эта схема не самая распространенная, но тем не менее встречающаяся. Если б та же галерея «Мальборо» выбросила на рынок все свои запасы экспрессиониста Френсиса Бэкона, то можно представить, что произошло бы с ценами. Коль скоро этого не происходит, то все предсказуемо растет, что в целом всех устраивает.

5. Фактор must — «обязано быть». Коллекционер, конечно, может потерпеть без новаторских абстракций Ротко. А вот музею современного искусства, претендующему на мировую известность, без Ротко нельзя никак. Равно как и без Бэкона, и без Фрейда, и без многих других столпов. Без этого придется смириться с локальным или даже провинциальным статусом. Сегодня мы переживаем период возникновения новых амбициозных музеев: на Ближнем Востоке они уже создаются, а там и Китай подтянется. Всем им нужны серьезные закупки. А вещей, как мы помним, не так уж много. Так, в прошлом году на аукционы выставлялось лишь пять живописных абстракций Ротко. Три из них были проданы за десятки миллионов долларов. Причем одна обновила очередной мировой рекорд. И это повторяется почти все последние годы: цены на важные абстракции Ротко продолжают расти.

6. Наценка за новаторство. Если миллионные цены импрессионистов и старых мастеров большинство внутренне готово принять, то современная фотография за 3 миллиона долларов — это за рамками его понимания. А ведь таких примеров уже не мало. Самая дорогая фотография на сегодняшний день — это «Рейн II» Андреаса Гурски, проданная в 2011 году на Christie’s за 4,3 миллиона долларов. До этого аукционный рекорд для фото составлял 3 миллиона долларов. Его делили снимок «99 центов» того же Гурски и «Ковбой» Ричарда Принса. Но почему? Вероятно, в значительной степени речь идет о премии за новаторство. Ричард Принс считается изобретателем и идеологом Appropritation Art — «художественного заимствования». Так, фотография за 3 миллиона долларов получилась, когда Принс переснял из журнала чужое фото ковбоя в рекламе сигарет «Мальборо». Такого еще не было. Иногда использование чужих фото приводило к неприятностям, но как говорят в России: «Наглость — второе счастье». Смелый художественный жест получил признание искусствоведов и коллекционеров, а цены на работы художников-новаторов уже привычно бьют миллионные отметки.

7. Конкуренция амбиций. Еще в 2010 году в мире насчитывалось почти 11 миллионов миллионеров. То есть тех, у кого миллионы не последние — без учета машин, недвижимости, имущества. 11 миллионов человек — это больше, чем все население Греции, сравнимо с населением Москвы. Даже если методика учитывала только легальные состояния, то цифра впечатляет. Ошибкой было бы считать, что хотя бы пятая часть из них интересуется искусством. Думаете, что оставшимся не за что побороться на несчастном аукционном рынке? На том, на котором в год выставляется лишь пять абстракций Ротко?

Список причин, по которым за картины платят многие миллионы долларов, конечно, не исчерпывается этими семью. Есть еще пружина отложенного спроса (Россия, Китай и др.), когда коллекционеры в новых политических условиях словно с цепи срываются. Бывают заведомо фиктивные сделки, раскрутка, манипулирование ценами, но это уже больше на уровне нюансов и общую картину вряд ли искажает. В основном же все объясняется проще: слишком большое количество денег охотится за малым количеством уникального товара, способного пережить века, не растеряв своей ценности. И побеждать в этом соревновании приходится, предлагая безумные ставки.

Владимир Богданов, AI

artinvestment.ru

Почему эта картина шедевр. Выразительность

Закат солнца над озером. Уильям Тернер, ок. 1840Выразительность. Возвышенное 

 Вдохновленный возвышенными настроениями и эмоциональными идеалами романтизма, Тернер в «Закате солнца над озером» побуждает и зрителя испытать подъем духа от созерцания чуда природы – великолепного заката. Сдвинув заходящее солнце к левому нижнему углу холста, Тернер искусно направляет к нему наш взгляд круговыми мазками кисти. В композиции нет лишних деталей: озеро и горы со снежными вершинами вокруг него едва намечены, они почти не видны сквозь туман, обозначенный клубящимися белыми мазками.

Тернер добился выразительной манеры письма, применяя в масляной живописи технику акварели. В «Закате солнца над озером» он помещает солнце в интенсивный цветовой вихрь, меняя фактуру и цвет разных его участков. Теплые тона в центре вихря соответствуют жару солнца, переходя в более холодные синий и белый цвета в правом верхнем углу полотна. Свободный мазок Тернера и неясный, будто подернутый дымкой ландшафт его пейзажей нередко осмеивали, называя картины незаконченными. Но в ХХ веке стало очевидно, что его своеобразный стиль определил дальнейшее развитие пейзажной живописи. Тернер оказал большое влияние на тех, кто пришел после него, в частности импрессионистов.

Вороны над полем пшеницы. Винсент ван Гог, 1980

Выразительность. Мазок

 

В этой работе Ван Гог с непревзойденным мастерством передает свои чувства. Выпуклые, сочные мазки, струящие и извилистые, наполняют пейзаж жизнью. Черными штрихами обозначены летящие птицы. Небо резкими  синими и черными мазками нависают над пронзительно желтой нивой. Благодаря таланту и мастерству художника, эта живопись вызывает у нас острое чувство тревоги.

С помощью мазков и цвета – его главных выразительных средств – Ван Гог позволяет нам ощутить, что он чувствует и как воспринимает мир. Он говорит о печали и одиночестве, но в то же время воспевает красоту природы, восторгается ею как чудом: синее небо, золотое поле и мистический неуловимый миг взлета испуганных птиц. Все, что не помогает художнику выразить эти чувства, отброшено. Картина передает эмоциональное состояние ванн Гога, а детали композиции – грозное небо, зловещие вороны, три дороги – это вестники беды, символы смерти.

Лодки в гавани Коллиура. Андре Дерен, 1905

Выразительность. Контраст

 

Разглядывая этот пейзаж, мы наблюдаем систему контрастов, когда цвет меняется в зависимости от того, с каким цветом он соседствует: желтый кажется ярче с синим, чем с красным. Садится золотое солнце, наискось пересекая картину; холодная зелень моря составляет контраст с красным берегом. Отблеск солнца на боках шлюпок передан насыщенным желтым цветом. Тень лодки на переднем плане обозначена контрастным синим и зеленым, дополнительными к цвету пляжа. Сидящую боком фигуру справа, Дерен оттенил темно-синей чертой.

В 1905 году друг Андре Дерена Анри Матисс, который к тому времени еже лет шесть использовал более насыщенную палитру, пригласил Дерена провести лето во французском местечке Коллиур на Средиземном море. Дерена пленила игра света на побережье, и в «Лодках в гавани Коллиура» он делится тем, что увидел и почувствовал. Дерен смело, без полутонов изобразил пляж красным, чтобы передать ощущение жары и палящего солнечного света, проигнорировав реальный цвет желтого песка. Какого цвета были рыбацкие лодки, неизвестно, так как Дерен использовал цвет, чтобы донести субъективное восприятие реальности.

Композиция № 6. Василий Кандинский, 1913

Выразительность. Лиризм

 

Кандинский верил в «искусство ради искусства», в то, что у искусства нет никаких иных целей, кроме как затрагивать душу. «Композиция № 6» - лиричное, полное музыки произведение, с вихрем красок и линий без конкретного сюжета. Возможно, это отражение мыслей, когда слушаешь музыку. Некоторые линии напоминают струны или очертания инструментов.

Кандинский считал, что живописец должен освободиться от объективного мира и получить возможность выразить свои чувства и переживания, подобно тому, как это происходит в музыке. По его мнению, пластической задачей художника должна стать композиция, одновременно «мелодическая» и «симфоническая», соединяющая чисто абстрактные формы и цвет для достижения духовного воздействия и удовлетворения, по выражению самого художника, «внутренней необходимости».

worldartdalia.blogspot.com

Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве

Bсе ли картины вставляют в рамы?

Пит Мондриан. Композиция с желтым, красным, синим, черным и серым. 1920Жорж Сёра. Воскресный день на озере Гранд-Жатт. 1884  

Цитата из книги

«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.

Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира. Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.

Он разрушил эти стены!

Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.

Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»

Комментарий

Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель. Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.

Почему все плоское?

Небамон охотится на болотах. Гробница Небамона, ок. 1350 г. до н. э.Жан Метценже. Стол у окна. 1917

Цитата из книги

«Не все предметы искусства выглядят объемными.

Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.

В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.

Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским. Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.

Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.

В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.

Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.

<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?

Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».

Комментарий

Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов. Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.

Почему в искусстве так много голых людей?

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1486

Ив Кляйн. Антропометрия без названия. 1960

Цитата из книги

«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.

Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.

Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.

В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!

Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.

В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».

Комментарий

Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно. Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании. С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.

Нужно ли знать сюжет картин?

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851–1852Корнелия Паркер. Холодная темная материя: наблюдение за разрушением. 1991

Цитата из книги

«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.

Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.

Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.

<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.

Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.

За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.

Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!

Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».

Комментарий

В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины. Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэйперебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.

Кто все эти люди?

Эдвард Хоппер. Китайское рагу. 1929

Марк Куинн. Я. 2006

Цитата из книги

«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?

В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.

<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей. В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.

И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!

<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.

По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».

Комментарий

Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины. А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.

Зачем на картинах фрукты?

Поль Сезанн. Яблоки и апельсины. 1899

Ян ван Кессель. Натюрморт «Ванитас». 1665–1670

Цитата из книги

«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?

В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.

Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.

Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…

Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!

Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах. Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.

<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!

Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.

<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.

Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.

Комментарий

Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает. В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.

Почему художники так любят пейзажи?

Каспар Давид Фридрих. Странник над морем тумана. 1818Христо и Жан-­Клод. Окруженные острова, Бискайский залив, Майами, Флорида. 1980–1983

Цитата из книги

«Веками люди изображали поля, города и горы.

Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.

Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.

Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.

<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.

На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.

Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.

Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».

Комментарий

Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти. Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.

Как понимать абстрактное искусство?

Жоан Миро. Карнавал Арлекина. 1924–1925

Барбара Хепуорт. Три формы. 1935

Цитата из книги

«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.

Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.

<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.

Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».

Комментарий

Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.

Почему искусство так дорого стоит?

Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888

Бэнкси. Служанка в Лондоне. 2006

Цитата из книги

«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.

Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.

Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.

Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.

Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?

Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.

Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.

За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».

Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».

Комментарий

Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.

Как отличить хорошее искусство от плохого?

Джеймс Эббот Макнил Уистлер. Ноктюрн в черном и золотом (Падающая ракета). 1875

Анри Руссо. Нападение в джунглях. 1891

Цитата из книги

«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.

В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.

Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.

Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.

Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».

Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.

Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?

Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации. Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.

Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».

Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.

Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.

Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».

Комментарий

Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.

Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти. Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.

in-art.ru

Почему эта картина шедевр | World of Art

Поль Сезанн "Натюрморт с яблоками" 1878

Что делает картину шедевром? Безупречная композиция или цветовое решение, виртуозная техника или глубина проникновения в психологию персонажей?

   Поль Сезанн однажды сказал: «Я поражу Париж с помощью яблок» Эти слова оказались пророческими, и теперь натюрморты с яблоками этого французского живописца все так же завораживают зрителей. Но чем?  Почему людям больше нравится любоваться этой картиной Сезанна, чем настоящими яблоками? Что за секрет помогает некоторым произведениям пройти испытание временем? Что именно превращает картину в шедевр?

   История искусства знает множество красивых, неожиданных, новаторских, заставляющих задуматься произведений, но бессмертных среди них не так уж много. Великое искусство способно открыть зрителям настоящие глубины и поведать, что же делает полотно настоящим произведением искусства.

   «Я совсем не разбираюсь в искусстве, я просто знаю, что мне это нравится!» - эти слова можно услышать в любом музее, и они не менее вески, чем слова специалистов искусствоведов. Любой человек может судить об искусстве и давать оценки – независимо от степени его компетентности. Точно так же любому из нас дано чувствовать величие того или иного произведения искусства и ощущать трепет, стоя перед выдающейся работой. Иначе и быть не может, ведь искусство всегда вызывает у зрителя какие-то чувства, пусть и не всегда приятные. Плохо ли, что подчас реакция бывает негативной? Наверное, лишь в одном случае можно сказать, что художник не справился со своей задачей: если зрители равнодушно пожимают плечами и , едва отвернувшись, тут же забывают о его работе.

 

Эгон Шиле. "Мертвая мать". Глядя на картину Шиле, ни один человек не останется равнодушным, хотя, как было написано выше она вызывает негативные эмоции.

   Искусство адресовано не одним интеллектуалом – напротив! Картины Джотто «Крестный путь» и «Оплакивание Христа» в капелле Скровеньи в Падуе, написанные в начале XIV создавались для людей неграмотных, но способных чувствовать и сопереживать тому, что видят. Талант помогал великому художнику убедить зрителей, заставить их поверить в достоверность созданных им образов.

Искусство вырывает нас из повседневности, дает возможность думать, познавать и проникать в чудесный мир, который, возможно, поможет нам пролить свет на наши собственные отношения с этим миром.

Тициан. "Вакх и Ариадна"

worldartdalia.blogspot.com

Зачем пишут картины? | Психологический сайт сильных решений |

     Зачем пишут картины? Чтобы выразить свой взгляд на мир. Чтобы мы смогли посмотреть на окружающее глазами художника, Врубеля, Ван Гога или Леонардо. А зачем пишут абстрактные картины?  Ведь таких сюжетов в мире нет?     Возможно, выражают не впечатление от внешнего мира, а то, как художник видит свой внутренний мир. Хотя иногда художники утверждают, что их абстрактные полотна гораздо более реальны, чем тот хаос, который окружает нас вокруг.     Интересно разгадывать абстрактное полотно. Вроде бы всё ясно. Квадраты рисуют уверенные в себе, основательные любители правил, круги- мягкие и нежные, зигзаги – импульсивные и переменчивые. С цветом ещё проще. Зелёный- спокойное развитие, синий – остановка, чёрный – разрушение. Жёлтый – веселье, общение. То есть, можно открыть психологический тест Люшера и по нему определить,  что же хотел выразить художник. Да ещё можно посмотреть и психогеометрический тест. И вот тут-то всё и начинается. Синий круг, красный круг, дорисованный круг, недорисованный круг. Зигзаг переходящий в плавную линию, и фиолетовый с каплями жёлтого. Да тут можно писать "Сагу о Форсайтах". Всего очень много.     Rajani это наша мариупольская художница. Может быть, она пишет в основном для себя, не видит истинной ценности своих полотен. Однако сейчас, здесь с нами  оказалась её душа. И эта душа имеет бездонную глубину и бесконечную красоту. Как душа любого человека.     Rajani смогла выразить свою душу на холсте. Под её руками краски заговорили. Можно сказать, что Rajani рисует своё настроение, а может это она так видит нас. Её картины- это голая энергия.     Вот нечто свободное и лёгкое. Воздушное и невесомое, нежное. Вполне допускаю , что кто-нибудь увидит  как слегка неприятное превращается в слегка приятное.     А вот картина сложная, богатая. Что-то происходит, что-то важное и красивое, оно имеет какие-то побочные прекрасные  последствия. И с этим связано очень много, и это уходит в  будущее.  Можно назвать её для себя "Линии жизни", а возможно здесь совершенно другой смысл или смысла нет, есть сияние ауры.     Я очень люблю картину, которую я назвала "Радости жизни". По крайней мере, мне очень радостно на неё смотреть. Может, она напоминает расшитую золотом парчу, а может, рисунок маленького вундеркинда. Когда у меня грустно на душе, я смотрю на эту картину. Она не веселит меня, она взрывает, уносит к чертям всё плохое, и хочется радоваться жизни.     Есть у Rajani картина с богатой историей. Эта картина эмблема психологического клуба  "Свободный полёт". Два года психологи Мариуполя каждый месяц собирались и говорили о разных важных и неважных , психологических и непсихологических вещах под этой эмблемой. Сейчас клуб распался. Многие члены клуба ведут свою интересную и непохожую на остальных деятельность, они разлетелись. Не знаю, были ли они вместе даже в те два часа , когда проходили заседания клуба. Там говорили о магии, рейки, НЛП, гипнозе, расстановках и местном менталитете. Их психологичесикие космические корабли унеслись теперь вдаль. А может быть это были их желания  и надежды в виде огромных птиц образуют над Землёй ментальное образование.     Rajani пишет для всех. Наверное, другие  скажут  о её картинах совсем иное. И впечатление у них будет не таким, как моё. Однако у всех, кто видел , видит и будет смотреть на картины Rajani на душе становится праздничней и радостней.                        Елена МурзаСмотри статью "Синестезия в психологии"

Среднее:

Ваша оценка: Нет

psiforce.com.ua

Почему картина «Друг в беде» пережила 100 лет и переживет еще столько же

dogsplayingpoker.jpg

1 апреля 2002 года директор художественного музея Крайслер в Вирджинии, опубликовал пресс-релиз, в котором утверждал, что он пытался приобрести серию картин на холсте, известную как «Dogs Playing Poker» (1903- 1910). Пресс-релиз оказался шалостью - видимо, идея вывешивания таких вещей в музее была веселой шуткой арт-историка.Тем не менее, директор признался, что он всегда искренне любил эту серию. И он не одинок.

Картины «Dogs Playing Poker», написанные Cassius Marcellus Coolidge, принадлежат к пантеону произведений искусства, не будем перечислять шедевры, - которые мгновенно узнаваемы людьми всех возрастов и профессий, даже теми, кто безразличен к искусству, но эта картина узнается так же мгновенно, как и великие картины.

В отличие от Моны Лизы, - которая сегодня украшена кишкам, усами и, в свою очередь, сама украшает футболки, мемы и магниты, - картины Кулиджа были китчем, забавным зрелищем, и ничего больше, ну…, так казалось.

Без названия.jpg

Итак, как, скажите, почему кучка собак, играющих в покер, пережила так много других «серьезных» картин?Кулидж, создавший по меньшей мере восемь вариаций на тему собак и покера, не был первым, кто рисовал антропоморфных животных - они всегда были легкой пищей для комедии.

tumblr_inline_p99anfwP5T1qz9p2o_1280.jpg

Но ему удалась стать коммерческим художником в то время, когда американские компании только – только начинали вкладывать значительные средства в рекламу.

В 1869 году, когда Кулиджу исполнилось 25 лет, открылось первое современное рекламное агентство NW Ayer & Son; между 1880 и 1920 годами общие расходы на рекламу со стороны американских компаний выросли с 200 миллионов долларов до 3 миллиардов. В основе этой революции были художники, чьи образы должны были быть симпатичными, странными, но так или иначе незабываемыми, чтобы забить головы потребителей.

Кулидж занялся такой серией работ.

Без названия.png

Хотя у него не было никакого формального обучения, Кулидж, похоже, обладал интуитивным пониманием того, что заставляет людей смеяться и какие изображения они хотели бы видеть.

И место Кулиджа в китч-каноне укрепилось непоколебимо.

Его картины собак, играющих в покер, начиная с 1870-х годов, украшали коробки для сигар, были бесконечно воспроизведены в календарях, рекламирующих сигары. Эти календари оказались массово успешными, и искусство Кулиджа нашло свое отражение в миллионах домов. Копии его картин висели на стена кабинетов хозяев – где по вечерам шла игра,  а на стенах кухонь, где суетились кухарки, висели календари с тем же изображением)).

Но только в 1903 году, когда Кулидж подписал контракт с промоутерской фирмой Brown & Bigelow в Миннесоте, его успех стал гарантирован и полились рекой гонорары.

Он написал в общей сложности шестнадцать картин собак, в том числе «Друг в беде».

dogsplayingpoker.jpg

Картины карточных игроков уже давно строятся на теме лжи и обмана, и самая известная итерация серии игр для покера с участием Кулиджа не является исключением. Внимательно изучите «Друга», и вы поймете, откуда название: Без ведома других игроков бульдог на переднем плане сбрасывает туза своему партнеру.

Грязный туз висит в нескольких дюймах от второй лапы бульдога, повторяя протянутые руки в «Создании Адама» (ок. 1511) и, как и в знаменитой фреской Микеланджело, усиливает ожидание.

Что случилось с сериалом «Dogs Playing Poker», который нравился и нравился людям? Серия бесспорно очаровательна, и не воспринимается слишком серьезно. Возможно, самое главное, она не совсем о собаках, а о нас, людях. Ну, и о собаках, так похожих на своих хозяев тоже). Она продолжает жить и пользоваться популярностью, а количество мемов, созданных на ее основе, зашкаливает – реальный показатель успешности)).

Но не единственный. Вот более весомый:

всего несколько лет назад одна из самых ранних картин продавалась за $ 658 000 на Sotheby's.

В каталоге аукциона вышла статья из американского наследия 1973 года: «Стиль Кулиджа по-прежнему привлекателен сегодня ... Детали, одежды и мебели точны. Выражения собачьих морд подкупают - безоговорочно, настоящие животные напоминают людей, которых мы все знаем».

Вы бы повесили себе такую картину?))))

Вот еще предмет творчества Кассиус Кулидж.Он опубликовал короткую серию эскизов, на которых изображены этапы отношений. В 1877 году она была доступна за один доллар, включая доставку.

inlove.jpg

Влюблен

  engaged.jpg

Помолвлена

married.jpg

Женат

married1year.jpg

Женат один год

married5year.jpg

Женат 5 лет

tanjand.livejournal.com