Какому событию России посвящена эта картина? Картина посвящена


История в живописи - материалы для подготовки к ЕГЭ по Истории

Автор материалов - Елена Владимировна Миронова.

Здесь Вы можете поработать с картинами, посвященными историческим сюжетам. Ваша за-дача – узнавать, какому событию истории посвящена картина, кто из исторических лиц изображен на ней. Разумеется, нужно знать авторов картин. Историческая живопись стала популярной во второй половине XIX века. Именно тогда, в 1863 году, возникла артель художников-передвижников, ставшая потом Товариществом передвижников. Это были люди, не желавшие работать по устоявшимся канонам. Их программа формулировалась просто: реализм и народность. 1860-е годы XIX века - эпоха Великих реформ. Отменено крепостное право, проводятся другие ре-формы, меняющие жизнь страны. На смену дворянской культуре приходит культура разночинцев – выходцев из разных сословий российского общества. Большинство передвижников были выходцами из простого народа. Поэтому они хотели работать для народа, просвещать народ. Правда, вряд ли передвижные выставки этих художников посещали простые крестьяне. На выставки ходили студенты, купцы, чиновники, представители интеллигенции, дворяне.Историческая живопись – один из любимых жанров передвижников. В этом жанре работали И. Репин, Н. Ге, В. Суриков, В. Васнецов и многие другие. На этой странице представлены самые известные картины этих художников, а также некоторые картины советских мастеров, посвященные истории.

Ответьте на вопросы под изображением.

1

Какому историческому событию посвящена эта картина?Какие исторические личности на ней изображены?Назовите автора картины.

2

Какому событию российской истории посвящена эта картина?Какой правитель изображен на картине (в центре)?Назовите автора картины.

3

Какому историческому событию посвящена эта картина?Назовите литературное произведение, вдохновившее художника на написание этой картины.Назовите автора картины.

4

Назовите героев поединка, изображенного на картине.Какой битве предшествовал этот поединок?В каком году состоялся этот поединок?Кто победил в поединке?

5

Какой царь изображен на этой картине?Назовите дату его правления?Какие территории вошли в Российское государство при этом царе?Назовите затяжную и разорительную войну, которую вел этот царь.Какие территории были потеряны в результате этой войны?Как называлась часть территории страны, являвшаяся в 1565-1572 гг. личным уделом царя?Назовите автора портрета царя.

6

Какому историческому событию посвящена эта картина?К каким последствиям привело событие, изображенное на картине?Назовите автора картины.

7

Как называется эта картина?Назовите имя хана, против которого сражаются казаки.Назовите автора картины.

8

Как называется эта картина?Какому событию российской истории посвящена эта картина?Что вы знаете о судьбе главной героини картины?Назовите автора картины.

9

Кто изображен на картине?С каким историческим событием связан герой картины?В каком веке произошло это событие?Кто правил в тот момент?Какова была судьба героя картины?Назовите автора.

10

Как называется эта картина?Какой царь изображен на ней?Почему так случилось, что главных героев картины должны казнить?Назовите автора картины.

11

Кто изображен на этой картине?Кем эта женщина приходилась Петру I?Каким образом эта женщина связана с событием, изображенным на предыдущей картине?Назовите автора картины.

12

Кто изображен на картине?Как дальше сложились судьбы героев картины?Каковы были последствия ситуации, изображенной на картине?Назовите автора картины.

13

Как называется эта картина?Чем прославился главный герой картины?Как он оказался в убогом крестьянском доме?Назовите автора картины.

14

Как называется эта картина?Почему полководец и ведомые им солдаты оказались в горах?Чем закончился поход этого полководца?Назовите автора картины.

15

Какому историческому событию посвящена эта картина?Назовите годы, когда состоялась война, последствия которой изображены на картине.Как назывался мирный договор, подписанный по итогам этой войны?В результате какого события мирный договор, завершивший эту войну, был пересмотрен?Назовите автора картины.Как называется художник, изображающий на своих картинах войну?

16

Какой знаменитый полководец изображен на картине?За какой битвой он наблюдает?Каков был исход этой битвы?Назовите автора картины.

17

Какой знаменитый полководец изображен на этой картине?В каком городе находится полководец?Как повлиял пожар, за которым наблюдает полководец, на его дальнейшие действия?Назовите автора картины.

18

Какой войне посвящена эта картина?Какой этап этой войны изображен на ней?Где произошло сражение, в котором были разгромлены остатки армии, изображенной на картине?Назовите автора картины.Во время какой войны погиб художник, нарисовавший эту картину?

Ты нашел то, что искал? Поделись с друзьями!

Звоните нам: 8 (800) 775-06-82 (бесплатный звонок по России)                        +7 (495) 984-09-27 (бесплатный звонок по Москве)

Или нажмите на кнопку «Узнать больше», чтобы заполнить контактную форму. Мы обязательно Вам перезвоним.

ege-study.ru

Как гадали на картинах русских художников: shakko_kitsune

По народным поверьям гадания особенно правдивы накануне зимних Cвяток — от cочельника (6 января) до Крещения (19 января). Пользуясь случаем, вспоминаем отражение этой темы в русской живописи -- как именно изображали русские художники таинственные обряды гадания?

В западноевропейском искусстве гадалки и ворожеи появились в XVII веке, практически сразу после возникновения жанровой живописи. Своих «Гадалок» написали такие великие мастера эпохи барокко, как Караваджо (1600 год) и де Ла Тур (ок. 1625 года). Они использовали тему гадания в назидательных целях, изображая наивных людей, которых та же предсказательница и обкрадывала (на иллюстрациях видно, как гадалка ворует деньги из их кармана или кольцо с пальца). Вдобавок художники противопоставляли персонажей из разных социальных классов — нарядных богачей и нищих бродяжек, выписывая контраст драгоценных кружев с грязными обносками.

Когда в конце XVIII — начале XIX века жанровая живопись начала развиваться в Российской империи, тема гадания проникла и к нам. Самые ранние картины на этот сюжет многое заимствовали у европейских образцов. Так, учившийся в Риме живописец Василий Шебуев явно цитирует в своем «Автопортрете с гадалкой» те полотна, которые он видел в Европе. Недаром на герое надет огромный воротник, какие перестали носить лет двести назад — как раз тогда, когда творили последователи Караваджо. И гадалка, которая держит его за руку, как положено — цыганка, чья темная кожа контрастирует с его изысканно-бледным лицом.

Противопоставлением занят и Вильгельм Голике в своем полотне «Гадание у колодца»: бродячая цыганка с темнокожим младенцем, примотанным к спине, здесь общается с фарфорово-прекрасной селянкой и отроком с льняными волосами. Картину можно было бы принять за работу любого из западноевропейских мастеров того времени, если бы не русский сарафан крестьянки и мужик, заламывающий шапку на заднем плане.

Аналогична по трактовке и акварель студента Академии художеств Тараса Шевченко, будущего знаменитого поэта — только здесь девушка одета в малороссийский наряд.

Орест Кипренский также изображает за гаданием иностранку в национальном костюме, но картина посвящена совсем иному. Ею Кипренский открывает в русском искусстве тему гадания как символа общения с неведомым один на один, без посредников.

В первой трети XIX века наше искусство — речь идет и о литературе — занимается активной адаптацией на родной почве иностранных приемов. Например, Василий Жуковский и переводит сказки братьев Гримм, и создает на их основе свои «русские народные». Балладу Готфрида Бюргера года про девицу Ленору, гадавшую на жениха, Жуковский переложил в 1813 году. Героиня меняет национальность и имя, антураж преображается с немецкого на русский. Произведение имело колоссальный успех и подарило нам изобретенное поэтом имя Светлана.

Романтическая, мистическая атмосфера гадания крещенским вечерком, созданная поэтом, вдохновила и художников — тем более что Светлана описана была как красавица. Эффект был таким сильным, что иллюстрация к Жуковскому стала, пожалуй, единственной картиной на «русскую народную» тему Карла Брюллова — гражданина мира и любителя полногрудых смуглых итальянок. Особого новаторства в изображении женщины в темноте со свечой и зеркалом нет — Жорж де Ла Тур в 1640 году так же написал «Марию Магдалину». Если не считать того, что русский народный костюм наконец получил полноправную прописку в высоком академическом искусстве.

За любование народным бытом в отечественном искусстве того времени отвечал Алексей Венецианов, автор бесчисленных изображений крестьян за работой и отдыхом. Считать эти картины жанровыми трудно: слишком много в них романтизма и поэтичности. Но, в отличие от европейских живописцев, Венецианов не ощущал в крестьянском гадании ни аллегоричности, ни мистики. Для него это знакомая повседневность — он сам жил в деревне, а позже открыл школу живописи, куда охотно брал и крепостных. Его «Гадание на картах» изображает двух девушек, и карты для них — атрибут, а не намек на душевную драму.

По тому же пути бытописательства идут другие «крестьянские» художники 1-й половины XIX века. Егор Солнцев пишет сценку о святочном гадании с помощью курицы (судьба гадающего зависит от того, подойдет птица к тарелке с деньгами, или к зеркалу и т.п.).

Анонимный примитивист, автор картины из Русского музея, в сцене гадания противопоставляет юную красоту хитрости и старости.

Во 2-й половине XIX века знаний о прошлом страны и ее обычаях становится больше. «История» Карамзина перестает быть полной открытий. Картины о гаданиях обрастают деталями, почерпнутыми из книг и этнографических наблюдений. Интерес к региональным традициям отражается и в искусстве, появляется много картин с национальным колоритом, в том числе и про гадания.

Украинок за гаданием изображают киевлянин Николай Пимоненко и обосновавшийся на Харьковщине Иван Соколов.

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 4Как гадали на картинах русских художников. Галерея 4

Выходец из польских дворян Генрих Семирадский посвящает работу ворожбе в Андреев день (13 декабря), причем в этом достаточно салонном произведении живописец использует стандартные штампы: тут вам и драматическая светотень, и скрюченная старуха, и нежные девы — причем опять контрастные, одна в декольте, другая в вышиванке, то есть барышня и служанка. А Константин Маковский за колоритными деталями отправляется в глубь веков — его картина про гадание с помощью той же курицы изображает явно допетровское время.

На рубеже XIX–XX веков русская народная тема в искусстве приобретает сильный оттенок историзма, то есть «православия, самодержавия и народности». Исключение — модерн в «русском стиле», который творили Иван Билибин, Елена Поленова и другие художники круга Абрамцево и Талашкино, но там гаданиями не интересовались. Зато не забывают об этом обычае символисты и другие, увлекавшиеся соприкосновением двух миров — реального и потустороннего, а также любители красочных народных обычаев, правда — экзотических. Так возникает среднеазиатская трактовка сюжета у Павла Кузнецова и молдавская — у Павла Шиллинговского.

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 5Как гадали на картинах русских художников. Галерея 5

А Врубель создает свою «Гадалку» под впечатлением от оперы «Кармен», то есть она у него цыганка, причем, очевидно, испанская. Любопытно, что Врубель пишет ее поверх заказного портрета одного из Мамонтовых, который попросту ему надоел — то есть отвергает деньги ради красоты и стихии неизведанного.

Социалистический реализм, хоть и благосклонен к крестьянской теме, суеверия отрицает, поэтому в ХХ веке в развитии сюжета наступает пауза. Под конец столетия становится свободнее: советские и российские мастера, заново открывающие для себя русскую историю, будто возвращаются в XIX век, следуя упоминавшемуся выше «историческому» подходу Константина Маковского. И только Константин Васильев, спорный, но самобытный, в своем «Гадании» больше интересуется потусторонним, поэтому его девушка со свечой почти также загадочна, как и брюлловская «Светлана».

shakko-kitsune.livejournal.com

Жизнь прекрасна: Картины художников. Описание

Описание картины А. К. Саврасова «Грачи прилетели»Полотно «Грачи прилетели» - признанный шедевр мирового живописного искусства. Картина была написана А. К. Саврасовым в 1871 году. Представленная широкому зрителю на первой выставке ТПХВ, она получила заслуженное признание современников, и была сразу же куплена П. Третьяковым.

Неприхотлив и прост мотив картины. Простыми изобразительными средствами художник показал чудо пробуждения природы, чарующую притягательность ранней весны.

На полотне изображена окраина небольшого селения. Пасмурный весенний день. Воздух тих, прозрачен и свеж. По сероватому небу плывут легкие рыхлые облака. Снег еще не сошел полностью, от земли идет теплый пар.

За дощатым забором – крестьянские избы, церквушка и колокольня с облезлой крышей, а еще дальше – пашни с белыми пятнами нерастаявшего снега. На окраине села, на холме - несколько корявых березок. Среди их обнаженных ветвей, суетясь и галдя, летают грачи – вьют новые гнезда, обновляют старые…

Картина «Грачи прилетели» исполнена в пастельных, приглушенных тонах. Все на картине – и бурые проталины на снегу, и сизый дымок, курящийся над крышей крестьянской хаты, и мокрые стволы кривых березок – наполнено бесконечным лиризмом и поэзией. Человек, создавший эту картину, безусловно, не просто любил природу - он понимал ее тайный язык. С поразительной ясностью передано едва уловимое ее состояние, знакомое сердцу каждого человека, - состояние обновления, присущее ранней весне. И грачи на картине – как вестники весеннего обновления.

Удивительное ощущение оставляет полотно. Этот пейзаж - не бездушный слепок с окружающей природы, в ней есть трепет настоящей жизни. И. Н. Крамской говорил, что в картине «есть душа». В течение многих лет картина «Грачи прилетели» является одним из самых знаменитых русских пейзажей, настоящим живописным символом России. 

Описание картины А. И. Куинджи «Лунная ночь на Днепре»«Лунная ночь на Днепре», пожалуй, самая известная картина А. И. Куинджи. Создание картины в 1880 году стало настоящей сенсацией. Широкую публику она привела в восторг с самого момента своего появления.

Картиной восхищались И. Крамской и Я. Полонский, И. Тургенев и Д. Менделеев. Впечатление, которое картина производила и производит на окружающих, тем более удивительно, что она не отличается каким-то необычным сюжетом, а является обычным пейзажем, к тому же весьма небольшим по размеру.

Любой зритель останавливается перед картиной, завороженный удивительным сиянием лунного света. Картина проста по содержанию. Зеленоватая лента Днепра пересекает равнину. Ее безбрежная гладь почти сливается у горизонта с ночным небом с рябью невесомых облаков. Легкие облака чуть раздвинулись, освободив окошко для луны. Ночное светило осветило реку, паутинку дорожек и стелющиеся по берегу украинские хатки.

Фосфоресцирующий свет отразился от зеркальной глади Днепра и разлился вокруг, погрузив землю в таинственный и волшебный мир. И вся природа замерла, завороженная красотой этой картины. Величественный и торжественный покой опустился на землю, напоминая о вечности мироздания и непреходящей красоте.

Блестящее композиционное решение, мастерское использование определенных живописных приемов позволило Куинджи добиться полной иллюзии вибрирующего лунного света. Иллюзия эта была настолько сильна, что зрители искали причину в особых свойствах красок или в источнике подсветки.

Время, конечно, оставило свой отпечаток на картине – она стала темнеть. Но великолепное лунное сияние, запечатленное замечательным художником, обладает такой силой, что до сих пор заставляет зрителей задуматься о вечном и Божественном. 

Описание картины И. И. Шишкина «Корабельная роща»«Афонасовская корабельная роща близ Елабуги» - последнее крупное произведение И. И. Шишкина, его «лебединая песня». Оно создано художником в 1898 году и является обобщением творческого и жизненного опыта художника, всех знаний, которые он накопил за немалую творческую жизнь.

Величавость, покой и невозмутимость – вот главные чувства, которыми проникнута картина. В ней мы не найдем переменчивых эффектов. Перед нами – типичный русский пейзаж, изображение соснового мачтового леса в ясный солнечный день.

Вся природа купается в чуть розоватых солнечных лучах: и хвойный лес, освещенный солнцем, и лесной пригорок, и прозрачный лесной ручей с каменистым дном. Живописец проникновенно, с большой любовью передал успокоенность рощи, ее умиротворенную тишину.

Громадные, в несколько обхватов деревья, сообщают картине «Корабельная роща» подлинную монументальность. Полотно обстоятельно и подробно рассказывает о жизни могучих сосен. Эпический характер сосновой рощи с огромными соснами-великанами, словно подпирающими могучими кронами небо, сочетается в картине с лиризмом вечернего освещения.

В картине «Корабельная роща» Шишкин вновь воспевает природу с ее стройными лесами, смолистым воздухом, прозрачной водой и ласковым благодатным солнцем. Природа наделяется художником мощной силой, поглощающей все низменное, случайное, мелкое. Но при этом Шишкин не устает любоваться самыми незначительными подробностями из жизни русского леса: корнями, вылезающими из-под земли, пнями, обросшими опятами, обломанными сучьями и солнечными пятнами на мягкой зеленой траве.

Чувства автора передаются и нам – мы словно вдыхаем терпкий запах нагретой сосновой коры и любуемся трепетом солнечных бликов на опушке. И глядя на это монументальное произведение, вслед за Шишкиным невольно испытываем гордость за величавую красоту и необъятность своей родины. 

Описание картины В. А. Серова «Девочка с персиками»«Девочка с персиками» - безусловно, самая известная картина В.Серова. Полотно было написано молодым художником летом в 1887 году в усадьбе С.И.Мамонтова. Девочка-подросток, изображенная на полотне, - дочь Мамонтова, двенадцатилетняя Верочка.

Картина создавалась трудно - работа заняла более трех месяцев - но нам кажется, что произведение было создано быстро, в порыве счастливого озарения. Какие же качества этой картины делают ее такой необъяснимо притягательной для зрителя?

Наверно, секрет прелести этого произведения прост – живописец сумел передать трепет ускользающего мгновения, но при этом придать картине завершенность, законченность. Смуглая девочка в светлой с бантом кофточке сидит за столом. Нам кажется - она присела на миг, машинально взяла в руку персик, а через мгновение встрепенется, как бабочка, и улетит обратно в сад.

У девочки нежная кожа, темные, с синеватыми белками глаза и такие же темные волосы. Просто, с едва заметной улыбкой, смотрит она на нас. В руке у нее персик, на скатерти рядом – персики, нож, кленовые листья… Комната залита солнечным светом. Солнечные лучи, проникая в комнату, мягко ложатся и на стол, и на руки девочки, и на старинную мебель зимней столовой…

Картина покоряет зрителя и свежестью колорита, и гармоничностью художественного образа, и удивительной внутренней гармоничностью, и огромной жизненностью. Используя импрессионистические приемы, в частности свободную вибрацию мазка, Серов с большим мастерством передает игру света, его насыщенность, и то, как ложатся тени.

А самое главное - художнику удалось с помощью небольшой картины рассказать целый роман о девочке, о ее характере, чувствах – таких же светлых и чистых, как и ее облик. Картина «Девочка с персиками» - ода весне, обаянию юности и непосредственности, всему тому, что восхищает и радует нас в жизни. 

Описание картины В. М. Васнецова «Алёнушка»Одним из самых известных творений русского художника-фольклориста В. М. Васнецова является картина «Алёнушка», написанная маслом на холсте в 1881 году. Критик И. Э. Грабарь даже отозвался о ней как об одной из великолепнейших картин русской школы того времени.

Работу над данным произведением автор начал в 1880 году, начав рисовать этюды в гостях у своего друга, крупного промышленника Саввы Ивановича Мамонтова, в Абрамцеве.

В основу сюжета положена русская народная сказка «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке». Композиция состоит из одного единственного персонажа – молодой девушки с русыми волосами, одетой в народное длинное платье.

Алёнушка по сказке была сиротой, которая на время потеряла единственного близкого человека – Иванушку. Именно поэтому первоначально данное произведение задумывалось под названием «Дурочка Аленушка» (дурочками раньше называли сирот).

Образ этой девушки пришел в голову великого художника задолго до написания картины, но воплотить в жизнь эту идею автору помогла простоволосая крестьянка, спустившаяся к пруду на Ахтынке и поразившая В. М. Васнецова своей красотой. Как впоследствии признавался сам художник, от неё веяло особой русской печалью, тоской и одиночеством, которое читалось в её глазах.

Васнецов передал все эти чувства в склоненной позе героини, грустно обвившей руками колени, и в её печальных, полуприкрытых ресницами, глазах. Настроению персонажа вторит природа.

Согласно народным поверьям, природа в конце дня обретает способность отражать эмоции человека. На заднем фоне, списанном опять же с пруда Ахтынки, автор изобразил свинцово-серое небо, ёлочки устрашающего тёмно-зелёного цвета. Под ногами Алёнушки расстилается столь же мрачный пруд, пугающий зрителя своей глубиной, прикрытый листьями желтого цвета и спускающихся к самой поверхности омута осинками с листвой серых оттенков. 

Описание картины В. М. Васнецова «Сказка о спящей царевне»Виктор Михайлович Васнецов известен прежде всего своим умением отражать в живописи народный дух русского фольклора.

Картина «Сказка о спящей царевне» уносит зрителя в волшебный мир сказки. Для её написания автор использовал насыщенные и яркие краски преимущественно тёплых тонов, поэтому, смотря на картину, сразу ощущается необычность, сказочность происходящего.

Центральное место в композиции занимает фигура самой Спящей Царевны. Её веки прикрыты, руки раскинуты, тело немного повернуто к зрителю. По преданию, она уколола пальчик веретеном, после чего сбылось давнее проклятие – заснула не только красавица, но и все царство.

Вокруг Царевны спят её служанки, спят даже птицы, звери, деревья и цветы. Картина статична настолько, что создаётся впечатление, что даже легкий ветерок никогда не потревожит их крепкий сон.

Каждая деталь картины прорисована с высокой чёткостью. Лица у всех настолько разные, на каждом из них отмечается характер человека и последние его мысли. Задний план составляет внутреннее помещение терема, соседние здания с одной стороны, и дремучий лес с другой, к деталям которых можно присматриваться бесконечно. Так, можно заметить в росписи окружающих предметов множество символов солнца.

Лейтмотивом данного творения служит идея времени. Языческие мотивы мелькают на картине. Тело Спящей Царевны расположено перед двумя колоннами, украшенными двумя головами девушек, что обозначает живую и мертвую воду. Пока красота будет жить, над человечеством не будет властно ни время, ни смерть.

Сама сказка о Спящей Царевне выражает представление древних о цикличности природы, о постоянной смене сна и пробуждения. Связь героини с природой подчеркивается цветочными мотивами её платья и украшениями её ложа монументальными изображениями животных. Автор удивительно точно передал спокойной сон в ожидании новой жизни. 

Описание картины В. М. Васнецова «Иван-царевич на Сером Волке»Период работы в украинской столице во Владимирском соборе известного художника В. М. Васнецова отметился появлением задумки иллюстрации к древней русской повести «Иван-царевич и Серый Волк».

Автор закончил написание одноименной картины в 1889 году, выставив затем своё произведение на передвижной выставке.

Сюжет картины повествует о преодолении трудностей, которые связаны с нарушением Иваном-царевичем запретов. На переднем плане расположено болото с кувшинками лилиями, старая покосившаяся яблоня с цветущими ветками. По центру картины взгляду предстают фигуры Еленой Прекрасной и Ивана-царевича, которые летят сквозь чащу на Сером Волке прочь от царя Далмата.

Автор изобразил Ивана-царевича в дорогой царской одежде, гордо восседающим на волке. Его твердый взор устремлён вдаль, в глазах отражается вера в спасение. Он нежно обнимает красавицу, чувствуя свою ответственность за её судьбу.

Поза Елена Прекрасной отражает одновременно и испуг, и покорность свой судьбе, и доверие своему спасителю. Она положила свою голову на твёрдое плечо Ивана-царевича, её руки спокойно лежат на коленях.

Образ царевны был написан В. М. Васнецовым с Натальи Анатольевны Мамонтовой, своей племянницы, и проработан был ещё в 1883 году отдельным этюдом. Стремительный бег волка выражает его поза: лапы вытянуты в скачке, уши прижаты. Персонажи расположены по диагонали, что создает впечатление движения.

На дальнем плане находятся мощные стволы вековых дубов. Задний фон нарисован с использованием красок тёмных тонов. Тёмная гамма отражает состояние страха, нависающей опасности преследования. На этом фоне решительно выделяются фигуры героев, написанные светлыми тонами, поскольку они творят правое дело. Среди топкого болота видны белые кувшинки, сбоку расположена цветущая ветвь, которые символизируют надежду на успех. 

Описание картины И. И. Шишкина «Утро в сосновом лесу»Пожалуй, самая известная картина выдающегося русского пейзажиста И. И. Шишкина – «Утро в сосновом лесу». Картина была написана в 1889 году.

Считается, что замысел картины был подсказан Шишкину известным художником Савицким К. А. Рукой именно этого художника, кстати, были написаны медведица и играющие медвежата. Однако Третьяков, который приобрел полотно, решил закрепить за ним авторство Шишкина, поскольку считал, что основная работа сделана именно им.

Возможно, именно занимательный сюжет картины способствовал ее популярности, однако настоящая ценность полотна определяется точно переданным состоянием природы. Перед нами – не просто сосновый лес, а глухая чаща, которая начинает пробуждаться ранним утром. Солнце только-только всходит. Его смелые лучи уже позолотили верхушки огромных деревьев и проникли вглубь чащи, но над глубоким оврагом еще не рассеялся влажный туман.

Проснулись обитатели чащи – три медвежонка и медведица. Похоже, малыши сыты и довольны. Они беззаботно и неуклюже возятся на сломанном стволе упавшей сосны, а медведица внимательно наблюдает за их игрой, чутко реагируя на шорохи пробуждающегося леса. Могучая сосна, которую ураган когда-то выдернул с корнем, и медвежье семейство, резвящееся на нем, - все это рождает у нас ощущение глухости и отдаленности этого уголка дикой природы.

Картина «Утро в сосновом лесу» показывает, как умело Шишкин решает проблему взаимодействия цвета и света в живописи. Колорит заднего плана полотна – прозрачный, неопределенный, а переднего – глубокий, красочный, хорошо разработанный. В картине, которая заслуженно считается для многих поколений людей образцом пейзажа, в полной мере передано восхищение художника красотой и богатством первозданной природы. 

Описание картины В. Г. Перова «Тройка. Ученики-мастеровые везут воду»Картина «Тройка. Ученики-мастеровые везут воду» была написана В. Г. Перовым в 1866 году. За неё художник был удостоен почётного звания академика живописи.

Полотно повествует смотрящему о том, как трое детей, облачённых в бедное одеяние, изо всех сил тянут на салазках по занесённой ночным снегопадом проезжей дороге большую тяжёлую бочку с водой. В левом верхнем углу картины можно заметить заметённый снегом фрагмент иконы, расположенной над воротами заиндевелой стены местного монастыря.

Драматизм произведения подчёркивается изображением густого утреннего тумана, тающих в нём силуэтов городских зданий, и небольшой стаи чёрных птиц, летящей вслед «тройке».

Первоначально мастер, стремясь передать страдания и показать нелёгкую жизнь детей нищих горожан и крестьян, участью которых были непосильный труд, голод и холод, желая вызвать у созерцающих произведение чувство искренней жалости, хотел подчеркнуть в своих маленьких героях черты уродства и серьёзного истощения. Об этом намерении автора можно судить по многочисленным этюдам и наброскам к картине.

Однако, как мы видим, Перов отказался от своей первой идеи и изобразил детские лица, полные горя и страдания, выражающие ужасающее чувство безысходности. Образы этих детей давно стали поэтически одухотворёнными, символом непосильного труда и суровой действительности.

Позади саней толкает бочку, помогая ребятам, их мастер, который изображён на картине таким же бедным и изнурённым от тяжёлого повседневного труда. Кажется, что даже в глазах собаки, бегущей впереди измученных детей, можно разглядеть жалость и скорбь, чувство голода и тоски. 

Описание картины А. И. Куинджи «Березовая роща»«Художником света» называл А. И. Куинджи И. Е. Репин. Действительно, по изображению игры света и тени Куинджи не было равных. Его знаменитая картина «Березовая роща», написанная в 1879 году, - этому подтверждение.

В картине «Березовая роща» Куинджи сумел создать образ лучезарного, сверкающего дня. Вокруг удивительно тихо и радостно. Привольно и свободно растут на поляне березы. Затеяв веселую игру, скачут по их белым стволам веселые «зайчики». Художник так мастерски изобразил уголок рощи, утопающей в солнечном свете, что кажется, будто слышишь шелест листьев, стрекотание кузнечиков в мягкой траве, щебетанье птиц…

Верхний край полотна «срезает» кроны берез, но отдельные их ветки остаются в поле нашего зрения. Легкий узор их изумрудной зелени контрастирует с темной зеленью берез на дальнем плане картины – и это усиливает ощущение яркости, лучезарности летнего дня.

Затем наш взгляд привлекает ручей. Он «уводит» вглубь картины, в лес, теряющийся в таинственной дымке, и дает ощущение свежести, прохлады. Чувствуется не только прелесть окружающего пейзажа, но и его мощная земная сила. Вдали мы видим темный силуэт леса. Художник не выделяет его детали, наоборот, обобщает силуэты в одну тяжелую массу, сгущает цвет.

Сильного декоративного эффекта Куинджи добивается с помощью удачно подобранной композиции, чистых, звучных красок и точно подобранных контрастов. Пожалуй, все в этом пейзаже построено на контрастах: густая тень зелени дальнего леса контрастирует с белыми, почти светящимися стволами берез и ослепительно-голубым небом.

В картине «Березовая роща» Куинджи не просто показал прелесть и красоту русской природы, но с помощью оригинальных художественных средств передал нам свое чувство восхищения простым русским пейзажем. 

Описание картины И. И. Шишкина «Рожь»«Рожь» - одно из самых выдающихся произведений в творчестве И. И. Шишкина. Картина была написана в 1878 году и принесла художнику заслуженную славу.

На полотне мы видим бескрайние просторы ржаного поля. Золотое море хлебов, колышущееся от ветра, раскинулось до самого горизонта. Тяжелые колосья уже почти поспели и клонятся к земле. Проселочная дорога, уходящая через поле вдаль, пустынна.

Торжественным покоем как будто пронизана эта картина. Даже ласточки, стремительно и бесшумно пролетающие совсем невысоко в светло-синем небе, не нарушают гармонии этой невероятной тишины.

Очень подробно, с большим мастерством и любовью Шишкин пишет передний план: и тяжелые спелые колосья, и венчики ромашек и васильков, и пахнущую пылью дорогу. Все это придает полотну задушевность и жизненную убедительность.

Как будто сторожа, охраняющие несметное богатство спеющих хлебов, над золотом поля возвышаются могучие сосны. Деревья-исполины стоят вдоль дороги до самого горизонта, отчего равнинный пейзаж кажется еще более бесконечным.

Нас не покидает смутное состояние тревоги. Может быть, из-за появившихся возле горизонта первых кучевых облаков, предвещающих близкую грозу? Из-за неба, утратившего свою звонкую синеву? Или из-за черного скелета дерева, обгоревшего во время грозы, нелепо и тоскливо торчащего среди благоухающего золотого великолепия? Минорная нота, явственно звучащая в полотне, как будто напоминает нам о бедах и превратностях жизни, которая ошибочно кажется порой такой идиллической.

И все-таки основная тема полотна «Рожь» - это вера и мощь в величие природы и в ее способность вознаградить труд человека. Это настоящий гимн художника родной природе, ее плодородию, ее изобилию, величественной и торжественной красоте. 

Описание картины В. М. Васнецова «Витязь на распутье»Картина «Витязь на распутье» была написана В. М. Васнецовым под влиянием русской народной сказки «Илья Муромец и разбойники». Первые этюды к этому сюжету датируются началом 1870-х годов.

Первый вариант произведения был окончен в 1877 году, и через год автор представил его всеобщему обозрению на VI Передвижной выставке. В 1882 году увидел свет окончательный вариант, который предназначался в качестве подарка для Саввы Ивановича Мамонтова.

В центре композиции находится фигура самого богатыря – Ильи Муромца. Сначала В. М. Васнецов задумывал развернуть фигуру воина к зрителю, но в окончательном варианте вид на витязя открывается со спины сбоку, и лица не видно.

Илья Муромец сидит на мощном боевом коне белого цвета и вооружен копьем, булавой, щитом и луком с колчаном, полным стрел. Вся его фигура монументальна, она выражает уставшую решимость.

Задумчивость его позы отражается в склонившейся немного книзу голове, наклоненном вниз копье. Автор желает показать единство помыслов воина и его бравого коня: поза лошади повторяет фигуру Ильи Муромца, она также склоняет голову, при этом уверенно стоя на крепких ногах.

Перед персонажем расположен мрачный камень с надписью «Как пряму ехати – живу не бывати – нет пути ни прохожему, ни проезжему, ни пролетному», текст полностью повторяет былинный. Идущие за этой фразой слова, и так известные любому жителю России, автором в процессе переработки были спрятаны и частично стёрты.

Общее настроение картины подчеркивает мрачный задний фон. Болотистая местность, неприветливая тощая растительность, разбросанные по округе камни мрачных серых, зелёных и бурых тонов, а также разбросанные по земле кости и летающий над полем ворон делают понятным, что нелегко славному воину на чужбине. Он находится перед ответственным выбором, и тяжело ему принять верное решение. 

Описание картины И. И. Шишкина «Лесные дали»Полотно И. И. Шишкина «Лесные дали», написанное в 1884 году, относится к периоду жизни художника, когда его талант раскрылся со всей своей глубиной и мощью. Находясь в подавленном состоянии после недавней смерти любимой жены, живописец черпает у природы силы и полностью посвящает себя работе.

Картина «Лесные дали» воспевает красоту природы Урала. Эта картина невероятна по охвату изображенного пространства. Перед зрителем, который как будто стоит на возвышенности, расстилается необозримая панорама лесов.

Леса тонут в сизоватой дымке утреннего тумана. А где-то возле горизонта видны поросшие хвойными лесами невысокие горные хребты. Они сообщают картине величавость, размеренность, широту.

В центре все композиции - небольшое горное озеро. Его зеркальная гладь сверкает, отражая голубое небо с бегущими по нему легкими облаками. Это яркое пятно на картине словно подчеркивает лучезарность и прелесть земной природы. Благодаря этому блику света в центре картины и неспешному чередованию тончайших нюансов цвета и света обычный сюжет превращается в волшебную, чарующую своим очарованием, панораму.

Эпический характер полотну придает не только сам сюжет, но и отдельные выразительные детали. Вот, слегка раскачиваясь, будто разговаривая с окружающим миром, стоит одинокая сосна. А в бескрайнем просторе неба, среди серебристых облаков, парит одинокая птица. Ее стремительный полет дополняет гордое великолепие ландшафта.

Картина «Лесные дали» при всей доходчивости сюжета отличается виртуозной техникой исполнения и убедительностью образов. Эта картина – как символ самой России, подлинный гимн ее величественной и неповторимой красоте и силе. 

Описание картины И. К. Айвазовского «Буря на море ночью»Айвазовский писал море в любое время суток. Изумительны ночные пейзажи И. К. Айвазовского. Среди них – «Неаполитанский залив» (1841), «Лунная ночь на Капри» (1841), «Море в лунном свете» (1878) и др. Одна из самых известных картин художника на эту тему – «Буря на море ночью», написанная в 1848 году.

Художник изобразил неспокойное бушующее море и одинокий корабль, противостоящий натиску стихии. Ночь. Луна, выглядывая из-за разорванных ветром остатков туч, как всегда невозмутимо наблюдает за происходящим. Человек не сдастся, благодаря своей жизнестойкости и воле он обязательно одержит победу в этой жестокой схватке со стихией.

Удивительный эффект на зрителя производит картина. Море не кажется застывшим, мертвым – бурлящие волны сменяют друг друга абсолютно естественно, и море как будто по-настоящему «дышит». Стоя рядом с полотном, зритель как будто даже слышит рокот волн и ощущает, что на него вот-вот покатится настоящая волна.

Картина отличается темной сдержанной колористической гаммой. Большую роль в картине играет свет. Художник в точности передает эффекты, которые создает лунный свет на поверхности волнующегося моря. Лунный свет, мощным потоком прорезающий тьму, - как символ жизни и вечности, он словно вещает о спасении корабля.

Картина «Буря на море ночью» с большим мастерством передает состояние природы – состояние моря, движение облаков. Страстная, проникновенная, эта картина является одним из самых поэтических изображений моря в русской живописи 19 века. 

Описание картины И. И. Шишкина «Сосны, освещенные солнцем»Картина «Сосны, освещенные солнцем» была написана И. И. Шишкиным в 1886 году. В этот период художник особенно много работал над этюдами, пытаясь найти решения для самых разнообразных задач, которые ставила перед ним живопись.

Некоторые крупные этюды художника явно переросли рамки учебной работы, и воспринимаются сегодня нами как вполне завершенные пейзажные работы, хорошо продуманные по своей композиции. К таким произведениям относится картина «Сосны, освещенные солнцем».

В произведении «Сосны, освещенные солнцем» на первое место Шишкин поставил попытку создания общей атмосферы пейзажа.Результат оказался прекрасным – картина подкупает зрителя очень необычным и свежим цветовым решением, убедительностью и задушевностью.

Мы видим, как ласково солнце касается прямых стволов деревьев. Мощные сосны показаны живописцем во всей красе. Их верхушки художник «срезал» рамой – и это создает ощущение величия деревьев, которым словно не хватает места на холсте. Каждое дерево – индивидуально и красиво по-своему, и в каждом – неистощимый запас жизненной мощи.

Все детали картины - и кора сосен, и хвоя, и кустики зеленой травы на сухой земле - написаны с большой жизненной убедительностью, самым тщательным образом. Жизнь леса разворачивается перед нами во всех нюансах и подробностях. Поэтому очень просто «раствориться» в атмосфере картины. Легко представить, что сам идешь по сосновому бору, чувствуешь прикосновение к щеке горячего солнечного луча, ощущаешь под ногами колючую сосновую шишку и вдыхаешь душистый запах смолы.

Картину «Сосны, освещенные солнцем» недаром называют одной из самых поэтичных работ Шишкина. Напоенный ароматами и запахами природы, пейзаж пленяет нас очарованием и наполняет ликующей радостью, бодростью. 

Описание картины И. И. Левитана «Вечерний звон»Знаменитое полотно Левитана «Вечерний звон» написано в 1892 году. В этой картине живописец не ставил перед собой задачу точно изобразить конкретное место. Она была создана после посещения двух монастырей – на Волге и под Звенигородом – и отображает состояние души человека, который видит монастырь в лучах заката и слышит колокольный звон…

Торжественна и величава природа в лучах заходящего солнца: и неподвижная широкая река, и розовато-голубое небо с плывущими по нему серебристыми облаками, и густая роща на дальнем берегу. Безмятежный покой не нарушают ни лодка с группой паломников, медленно скользящая по реке, ни два монаха, прогуливающиеся по дальнему берегу, ни лодочник в лодке на переднем плане.

Торжественен и величественен белокаменный монастырь в окружении зеленой рощи. И даже его отражение в широкой реке неподвижно и безмятежно. Монастырь и природа словно слились в одно целое и стали неотъемлемой частью друг друга. Если бы на картине не было храма, пейзаж потерял бы огромную часть своей прелести.

Закончился день. Мы словно слышим, как в прозрачном вечернем воздухе плывет вдоль берега – и исчезает где-то в отдалении - сладкозвучный перезвон церковных колоколов, зовущих людей на вечернюю службу. И окончание дня навевает воспоминания и некоторую печаль.

Картина «Вечерний звон» - одно из самых значительных произведений Левитана. Мы видим блестящую технику письма опытного мастера, но не это в ней главное. В этой картине художник полностью доверяется не мастерству, а настроению. Левитана волновала бесконечная красота окружающего, и во всей этой красоте, во всем вокруг он видел Бога. И волшебная музыка души художника через картину передается зрителю, точно так же чаруя и его сердце. 

Описание картины В. И. Сурикова «Переход Суворова через Альпы»Полотно «Переход Суворова через Альпы» писалось В. Суриковым с 1895 по 1899 год. Произведение продолжает тему воинского героизма русских людей в истории.

Сюжетом для этой исторической композиции послужил факт перехода русской армией альпийского перевала, считавшегося неприступным, во время итальянского похода в 1799 году. Этюды к картине Суриков писал на месте исторического перехода, в швейцарских Альпах.

Главное на полотне – движение. Оно начинается вдали, в ущелье. Приближаясь к переднему плану, движение нарастает. А передняя группа воинов показана в момент стремительного лавинообразного спуска. Живописец рисует грозную природу Альп, подчеркивая этим сложность и героизм перехода. Вертикальное расположение холста позволило максимально концентрированно показать небольшое пространство отвесной скалы и усилить ощущение стремительности движения.

У самого края отвеса – полководец Александр Суворов. Еле сдерживая коня на краю пропасти, он шуткой подбадривает воинов. Сколько энергии в его фигуре, сколько живости в его лице! Несколько солдат заразительно смеются в ответ, идущие за ними – повернув головы, вслушиваются в разговор. Солдаты на переднем плане картины заняты спуском – им уже не до шуток.

Тщательно передает Суриков все детали исторической эпохи: одежду, мундиры, вооружение. Замечательно прорабатывает выражения лиц воинов. Все по-разному переживают напряженность момента. Лица большинства напряжены, сосредоточенны. Несмотря на смертельную опасность, они остаются верны своему воинскому долгу и проявляют настоящую храбрость. Их объединяет стремление преодолеть перевал и победить.

Картина Сурикова «Переход Суворова через Альпы» показала русское войско, как единую нераздельную силу. И, конечно, главное в картине – изображение подвига народа, его героизма. 

Описание картины И. Н. Крамского «Христос в пустыне»Картина «Христос в пустыне» написана И. Крамским в 1872 году. В творчестве художника она занимает особое место – в ней он пытается ответить на мучивший его вопрос о смысле жизни, о принесении себя в жертву во имя добра и справедливости. Работа над произведением заняла целое десятилетие – образ Христа вырисовывался в сознании художника не сразу, а постепенно, набирая силу и глубину.

На полотне – панорамное изображение бескрайней каменистой пустыни. Кажется, здесь никто не ходил раньше. Видимо, Христос всю ночь брел по пустыне и только под утро, совсем усталый и измученный, опустился на камень.

Первые лучи утреннего солнца уже осветили землю, но Христос остается безучастным к красоте просыпающейся природы. Голова его опущена, и он ничего не видит перед собой – следы глубоких раздумий и переживаний видны во всем его облике.

Полотно «Христос в пустыне» написано в холодных тонах, точно передающих атмосферу рассвета, когда ночная мгла постепенно разбавляется утренними красками. Картина поделена линией горизонта пополам, и одинокая фигура человека, сидящего на голом камне, словно господствует на ней.

Ноги Христа изранены, руки мучительно сжаты, фигура сгорблена. Одежда Христа написана сдержанно, скупо, и это позволяет художнику сделать образ убедительнее, выделив лицо и руки героя. В них – не только страдание, но и невероятная сила воли, а также решимость идти по пути, ведущему к Голгофе. В возвышенном образе Христа глубоко верующий Крамской выразил свои сокровенные мысли, а многие даже видели в облике Христа черты самого художника.

В основе картины «Христос в пустыне» - мучительные размышления автора на тему служения людям, готовности к подвигу. Возможно, Крамской хотел сказать, что вся сила мира находится в этом существе, под рубищем – и она в смиренной простоте и самоотверженности. 

Описание картины В. Г. Перова «Охотники на привале»Василий Григорьевич Перов – один из самых выдающихся русских художников. Все его произведения проникнуты глубокой жизненной философией и психологией. Не стала исключением и картина «Охотники на привале», написанная мастером в 1871 году.

Полотно, созданное Перовым, наполнено глубоким скрытым смыслом и в то же время показывает обычную жизнь русских охотников. Идея автора воплощена технически совершенно: каждая деталь переднего плана «охотничьего» натюрморта качественно обрисована, а фон, изображающий затянутое облаками небо и бескрайнее болото, покрытое пеленой тумана, немного размыт с целью сфокусировать внимание смотрящего на фигуры троих охотников.

Мастер создал картину, пропитав её глубоким знанием человеческой психологии. Чтобы это понять, достаточно взглянуть на лица и экспрессивную жестикуляцию каждого персонажа, которые, кстати, были написаны Перовым со своих хороших знакомых.

Создаётся впечатление, что описанная на полотне сцена – живая: охотники после результативной охоты ярко обсуждают прошедшие события. Охотник, находящийся слева, рассказывает своим товарищам о неожиданной встрече с большим диким зверем, которого, видимо, ему одолеть не получилось, поскольку среди дичи художник изобразил только зайца, утку и куропатку, к тому же об этом свидетельствуют удивлённое выражение лица охотника, сидящего напротив, и задумчивая ухмылка третьего охотника.

Глядя на картину, сразу можно понять характер и чувства каждого из изображённых на ней персонажей. Мимика и жестикуляция охотников продуманы и очерчены настолько совершенно, что смотрящий невольно становится свидетелем происходящего. Мастерство художника потрясает, заставляет окунуться в придуманный его богатым воображением и написанный гениальной рукой мир. 

Описание картины И. И. Шишкина «Дождь в дубовом лесу»Картина «Дождь в дубовом лесу» написана И. И. Шишкиным в 1891 году. Это было время его творческого расцвета. Полотна данного периода жизни художника отличаются многогранностью образов и разнообразием мотивов. «Дождь в дубовом лесу» - одно из самых совершенных произведений художника, поражающее тщательной продуманностью сюжета и блестящей техникой исполнения.

В картине «Дождь в дубовом лесу» Шишкин предстает мастером станковой живописи. В полной мере художник смог показать, с какой виртуозностью он владеет кистью и умеет передать все оттенки цвета, игру света и тени.

Перед нами – дубовая роща во время теплого летнего дождя. Сырой воздух леса свеж и прохладен. Художник верен себе – он по-прежнему точен и объективен в изображении каждого нюанса, каждой детали. С огромным мастерством художник передает глубину пространства. Оно погружено в дождливую мглу, и если на переднем плане деревья видны отчетливо, то на заднем проступают лишь размытые их контуры. Утонченная зеленовато-серебристая гамма полотна выписана в самых тонких оттенках.

Сквозь полупрозрачную пелену сквозь облака в рощу проникает луч солнца. Стремительно проходя сквозь сырые ветви и листву, он окрашивает золотом стволы дубов и разбивается на миллион лучиков в лужах. Несколько прохожих, поддавшись очарованию ненастья, неспешно бредут по лужам. Да и не сам ли автор шагает впереди, подняв воротник легкого пальто и заложив руки в карманы?

Надо отметить, что полотно «Дождь в дубовом лесу» выпадает из череды картин художника, написанных в последние годы жизни, - эпических и даже несколько суровых по складу. Это – картина, в которой Шишкин будто забыл о тяготах и невзгодах, и с помощью таланта и вдохновения просто показал дивную прелесть окружающего мира. 

Описание картины В. А. Тропинина «Кружевница»Полотно «Кружевница» относится к числу самых известных полотен В.А.Тропинина. Оно было написано в 1823 году – в год, когда крепостной 47-летний художник получил вольную. «Кружевница» была тепло встречена и критикой, и публикой, и стала большим явлением в русском живописном искусстве.

Перед нами – новый тип жанрового портрета, он посвящен образу труженицы и ее кропотливому труду. Тропинин запечатлел один миг из жизни молодой крепостной девушки, занимающейся рукоделием.

Миловидное лицо рукодельницы, прервавшей на мгновение свое занятие, чтобы взглянуть на вошедшего, приветливо и дружелюбно. Весь облик девушки как будто говорит, что труд ей совсем не в тягость.

В картине «Кружевница» в полной мере раскрылся живописный талант Тропинина. Мы видим уверенный рисунок, грамотное освещение, естественный колорит. Для своей героини художник выбирает светлые тона, вводя в них серебристые и сиренево-серые оттенки. Тщательно и с любовью выписывает живописец предметы мастерства рукодельницы – коклюшки и часть кружевного полотна.

Художник идеализирует свою героиню, делая ее мало похожей на крестьянку. Может показаться, что ее руки чересчур нежны, во взгляде читается кокетство, а движения нарочито грациозны. Но художник заставляет зрителя поверить в простоту и скромность девушки, в благородство ее натуры. Проза суровых будней остается за холстом, но она, конечно, угадывается зрителем – в робком движении плеч, в некоторой скованности позы молодой крестьянки.

В своей картине В.А.Тропинин воспевает гармонию и чувство внутреннего достоинства, присущее человеку труда и сохраняемое им на протяжении всей жизни, не взирая ни на какие условия уродливого быта. 

Описание картины В. М. Васнецова «Богатыри»Одним из самых известных произведений творчества В. М. Васнецова является написанное в 1881-1898 годах огромное полотно под названием «Богатыри».

Эта картина интересна тем, что между задумкой её сюжета в виде эскиза, выполненного карандашом, и законченным его воплощением на масштабном холсте прошло почти тридцать лет. Даже в оконченную работу, выставленную для всеобщего обозрения, художник периодически делал поправки.

Композиция картины, состоящая из могучих фигур трёх всадников, великих защитников Руси – Добрыни Никитича, Ильи Муромца и Алёши Поповича - создавалась мастером с натурщиков, облачённых в кольчуги древнерусских воинов.

В роли Ильи Муромца выступил обычный владимирский крестьянин с богатырской внешностью. В образе Добрыни Никитича художник соединил черты собственного автопортрета и портретные образы своего отца и В. Д. Поленова. Для образа Алёши Поповича мастеру кисти позировал молодой крестьянин.

Образы каждого героя великолепно подобраны и тонко передают характер каждого из них. Под стать им оказываются и кони. На полотне отчётливо видно, что поведение богатырских коней схоже с характером их хозяев.

Так, могучий вороной конь грозного Ильи Муромца бесстрашно смотрит налившимся кровью глазом прямо перед собой, белый конь обходительного и хитрого Добрыни Никитича смотрит вдаль и принюхивается к лёгкому дуновению ветра, а рыжая низкорослая лошадь удалого богатыря Алёши Поповича тихо щиплет траву, поглядывая по сторонам.

Фон данного художественного творения представлен высокими холмами, покрытыми невысокой хвойной растительностью и густыми травами с большими валунами, раскинувшимися под хмурым, затянутым облаками небом.

Величественная сцена, изображённая Васнецовым на холсте, создаёт впечатление бесстрашной неистовой силы, готовой в любое время оберегать народ и просторы родной земли. 

Описание картины В. В. Верещагина «Наполеон на Бородинских высотах»Около 20 полотен В. В. Верещагин посвятил Отечественной войне 1812 года. Над этими картинами художник работал в период с 1887 по 1901 год. Живописец стремился, с одной стороны, показать великий патриотический дух русской армии, ее героизм в борьбе с французами, а с другой – развенчать Наполеона, снять его с пьедестала «героя».

В серии картин, посвященных Отечественной войне 1812 года, выделяется полотно «Наполеон на Бородинских высотах», написанное в 1897 году. На полотне – изображение Бородинского сражения 26 августа 1812 года. В процессе битвы Наполеон почти все время находился в своей ставке у Шевардина. Художник изобразил императора сидящим на походном стуле. Нелегко у него на душе, он кажется очень сосредоточенным и погруженным в себя.

За Наполеоном – свита и штаб, а затем - гвардия в парадной форме. Его маршалы напряженно всматриваются вдаль – туда, где происходит сражение. Некоторые гвардейцы увлеченно обсуждают что-то постороннее. Тщательно, с документальной точностью, выписаны художником военные мундиры приближенных императора, их оружие.

Известно, что Наполеона упрекают в том, что в Бородинском сражении он был недостаточно энергичен и решителен. Действительно, в этом бою он не подвергал себя опасности, не рисковал сам и не решился рискнуть своей гвардией – то есть вел себя больше как император, нежели как генерал. Победитель в Бородинском сражении так и не был окончательно назван, потери обеих сторон были невероятно велики. Сам Наполеон говорил, что под Бородином «выказано наиболее доблести и одержан наименьший успех».

Историческая эпопея Верещагина, посвященная Отечественной войне 1812 года, в том числе и полотно «Наполеон на Бородинских высотах», не только знакомят нас с историческими событиями, но и заставляют задуматься о трагедии огромного количества всех втянутых в войну людей – и русских, и французов. 

Описание картины И. Е. Репина «Стрекоза»Среди портретов И. Е. Репина в особую группу можно выделить портреты членов семьи живописца. В них он много экспериментирует, поскольку пишет их «для себя». Один из самых известных таких портретов – «Стрекоза», написанный художником на даче под Петербургом в 1884 году. На портрете Репин изобразил свою старшую дочь Веру Репину.

Картина оставляет впечатление бытовой сценки, случайно подсмотренной автором. Композиция холста чрезвычайно проста. Мы видим девочку, которая весело покачивая ножками, сидя на высокой перекладине штакетника. Она действительно напоминает стрекозу, которая сидит на цветке и помахивает прозрачными крылышками. Поза девочки естественна и свободна, исполнена живости и задора. Вот-вот непоседа и озорница соскользнет вниз и весело убежит прочь.

Шляпка, забавно закрепленная ленточкой под подбородком, серьезно-задорный взгляд темных глаз, солнечные зайчики на лице и шее – все эти детали добавляют облику непосредственности, увлекают нас в мир детских игр и грез. Художник откровенно любуется непринужденностью и обаянием юного существа, его беззаботной радостью жизни.

Все пространство на полотне – и сам воздух, и пестрое, в легких складочках, платье девочки - словно пропитано солнцем. За спиной ребенка – ясное летнее небо, чуть подернутое белизной облаков. Внизу на холсте чуть обозначены тонкой кистью высохшие травинки луга. Полотно достаточно активно по колористическому решению, но оттенки цвета – пастельные, нежные.

Стилистически картина «Стрекоза» отличается от большинства репинских картин. И техника письма, и трактовка образа, и ощущение сиюминутности происходящего здесь очень напоминают импрессионистические. В картине Репину удалось создать образ, в котором много тепла, нежности, любви.

Описание картины И. К. Айвазовского «Море»Всю жизнь объектом неослабевающей любви для Айвазовского оставалось море. Его картины – своеобразная морская энциклопедия, из которой можно в подробностях узнать, как выглядит и как ведет себя морская стихия в любое время суток, в любое время года и при любой погоде.

Картина «Море» создана Айвазовским в 1853 году, в период бурного подъема его творческой активности. Картина хорошо отражает непосредственность чувств художника и тот романтический настрой, которым было проникнуто его творчество в данный период жизни.

На картине мы видим вид на Коктебельскую бухту во время заката. Почти всю площадь холста занимает изображение взволнованного моря и высокого, в пышных облаках, неба. Вдали виднеется изящный силуэт легендарного Кара-Дага. На небе уже показался тонкий серп месяца. Все вокруг залито золотисто-розовым светом заходящего солнца.

Неторопливо накатывают на берег волны. Воздух свеж и прозрачен. Небольшой парусник, борющийся с усиливающимся ветром, подчеркивает романтическое настроение полотна.

Полотно «Море» отличается законченностью композиции и высоким мастерством исполнения. Айвазовский искусно передает прозрачность зеленоватой волны. Когда она набегает на берег, сквозь кружево ее пены хорошо виден прибрежный песок.

Яркая, артистически выполненная, картина «Море» относится к числу самых выразительных и совершенных картин художника. 

Описание картины И. И. Левитана «Весна. Большая вода»Полотно Исаака Левитана «Весна. Большая вода» написано в 1897 году и относится к числу самых значительных произведений художника.

На полотне мы видим реку в момент половодья, когда вода затопила прибрежные области – и березовую рощицу, и поля, и часть деревни. В реке, спокойной и неподвижной, как в зеркале, колеблясь, отражается и весеннее голубое небо, и тонкие голые стволы и ветви деревьев.

На переднем плане – забытая лодка, а где-то очень далеко – высокий берег со скромными деревянными избами и несколько затопленных деревенских построек. Искусно написана Левитаном узкая полоса желто-рыжего берега – красиво изгибаясь, он уводит взгляд зрителя вглубь картины.

Каждое деревце, изящное, трепетно-изогнутое, написано художником с любовью и восхищением. Словно живые, трогательно и доверчиво ожидают березки чего-то хорошего, что принесет им весна. Любуясь тянущимися вверх тонкими березками и осинками, звонким высоким небом с тонкими облаками, как будто растворяешься в свете этого яркого солнечного дня.

Пейзаж наполнен светлыми, чистыми красками, характерными для весенней русской природы. Колорит полотна образован тончайшими переходами оттенков: голубого, зеленого и желтого. Самым разнообразным является голубой цвет – для изображения неба и воды Левитан выбирает самые разнообразные оттенки: от молочно-белого до темно-голубого. Желтые стволы берез и их чуть дрожащие в воде отражения сообщают картине трепетность, «воздушность».

Картина Левитана «Весна. Большая вода» проникнута тонким лиризмом и поэзией, она необыкновенно музыкальна. Полотно рассказывает о весеннем воскресении природы, и большая светлая радость исходит от него, наполняя нас оптимизмом, спокойствием и желанием жить. 

Описание картины В. М. Васнецова «Снегурочка»Всё творчество Виктора Михайловича Васнецова проникнуто духом русского фольклора. Живописец своими произведениями желал отразить всю ту духовную силу и красоту, которыми обладает русский народ.

Васнецов ещё в начале 80х гг. 19 века занялся оформлением пьесы «Снегурочка», поставленной по мотивам одноименного творения А. Н. Островского Абрамцевским кружком. В 1885 г. живописец принял участие в оформлении постановки оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка».

Всё это вдохновило Виктора Михайловича на воплощение образа ледяной красавицы в своём изобразительном творчестве. Картина была закончена в 1899 г.

На первом плане видна сама героиня. Прообразом для неё стала Сашенька, дочь Мамонтова. По преданию Снегурочка, родившаяся в дремучем лесу, – ребёнок Мороза и Весны. Она одета в длинное пальто белого цвета, украшенное узорами, бледные варежки и шапку. Фигура размещена не по центру картины, а несколько сбоку. Руки разведены, голова повернута немного вправо, туловище расположено по диагонали, сзади видны следы на снегу – всё это создаёт впечатление, что персонаж только что вышёл навстречу зрителю, и растерянно озирается по сторонам.

Как отмечал Н. А. Ярославцев, в её образе тесно сплетается небесное и земное. Как все иные персонажи Васнецова, Снегурочка отражает идеал красоты, «чистой заснеженной России», и природа полностью повторяет настроение героини. Неизвестный лес, раскиданные ёлочки, мрачное, но лунное небо и искрящийся под луной ярким блеском снег.

Интересно, что фигура Снегурочки как будто освещается не сверху, а снизу, от снега. Всё окружающее создает общее впечатление волшебства и загадочности. Для написания картины использовалась холодная гамма цветов – белые, серые и голубые оттенки, что очень тонко подчёркивает таинственность происходящего. 

Описание картины И. И. Левитана «Март»Картина «Март» - общепризнанный шедевр Исаака Левитана, настоящее событие в русской живописи. Полотно написано в 1895 году, во время поездки в имение Турчаниновых.

Картина писалась стремительно, в несколько сеансов, без подготовительных этюдов. Оказалось, что до Левитана ни один художник не показывал раннюю весну так ярко и живописно. Зато впоследствии мотив ранней весны стал излюбленным в творчестве многих живописцев.

Кажется, теперь картина «Март» известна каждому школьнику. Все мы помним этот рыхлый тающий снег с удивительными прозрачно-синими тенями, тянущиеся к ярко-синему небу тонкие рыжие ветки берез и осин, ярко-желтую от солнца стену дома… И, конечно, мохнатую лошадку, пригревшуюся на солнышке возле крыльца усадьбы. Кажется, что нет ничего проще этого пейзажа. Но сколько в нем безыскусной, сладкой и нежной мелодии, тонкого и тихого очарования!

Настроение пробуждающейся природы Левитан передал, главным образом, через изображение мартовского солнца – ослепительно яркого, радостного, лучезарного. Снег на картине тоже удивительный - его состояние Левитан передает с помощью множества цветовых оттенков - снег как будто дышит, блестит и тает прямо на глазах.

Природа на картине изображена без лишних подробностей, словно «крупным планом». Экспрессивность цветовой гаммы «Марта» и некоторые приемы письма напоминают те, что использовали в своем творчестве импрессионисты. Но, в отличие от них, Левитан сохраняет цвет каждого изображаемого объекта и заботится о предметной ясности изображения.

Пейзаж «Март» Левитана – один из самых поэтических в мировой живописи. Сам бесконечно влюбленный в тихую прелесть русской природы, художник позволяет и нам прикоснуться к чарующему ее обаянию, услышать песню ее весеннего пробуждения. 

Описание картины И. И. Шишкина «Дубы»Картина «Дубы» - один из самых знаменитых пейзажей И. И. Шишкина. Полотно было написано в 1887 году парке Дубки недалеко от Петербурга. Этот холст – превосходный образец пленэрной живописи, которой живописец в те годы был очень увлечен. Именно в процессе прямого общения с природой он постигал ее тайны и учился мастерству.

Дубы и сосны – эти деревья более других любил рисовать Шишкин. Художник признавался, что сосны нравились ему своим изяществом, а дубы – мощью, заключенной в них. О любви художника к этим деревьям свидетельствует и полотно «Дубы».

В картине Шишкин уделил особое внимание общему колориту, светотеневой «аранжировке», но при этом сохранил простоту и реалистичность предметного изображения. Замечательно передано на полотне общее освещение. На картине мы видим освещенную солнцем поляну и группу старых дубов – мощных и коренастых.

Узорчатые листья деревьев где-то ярко вспыхивают на солнце, а где-то погружены в полумрак. Мы наблюдаем, как через зелень пышной дубовой кроны просвечиваются участки летнего синего неба. Невесомые тени скользят по стволам и кронам деревьев и легко ложатся на зеленую поляну.

Картина «Дубы» - очень свежая, сочная, колоритная. Реалистичность изображения сочетается в ней с тончайшей передачей оттенков света, и это придает ей невероятную выразительность.

Это полотно, как и многие другие произведения И. И. Шишкина, показывает, какими содержательными и волнующими могут быть окружающие нас пейзажи. Художник учит всех нас не просто любить родную природу, но и глубоко ее чувствовать. 

Описание картины И. И. Левитана «Золотая осень»Осень – самое любимое время года Левитана, и больше всего картин художник посвятил именно осени. Одно из самых известных полотен – «Золотая осень» - написано в 1895 году.

Пожалуй, эта картина не является типической для художника – слишком она яркая, мажорная, смелая. Любопытно, что сам художник не был до конца ею удовлетворен, и через год написал другую – с тем же названием, но совсем другую по настроению.

Картина «Золотая осень» дает ощущение жизненной энергии, внутренней напряженности, всплеска чувств. Художник изобразил уголок природы с бегущим ручейком и березовой рощицей на берегу. Стоит великолепный солнечный осенний день. Воздух прозрачен и свеж, в нем ещё разлито тепло. Торжественный покой царит во всей природе: прозрачна ясность далей, неподвижна листва на деревьях и по-осеннему спокойна вода в речке.

Праздничное, возвышенное настроение поддерживается цветовым великолепием картины. Медно-золотое убранство рощи, сверкание опадающих листьев, красноватые ветки кустарника на фоне синеющей реки, яркая зелень озими и голубизна неба – все это «бурление красок» заставляет прочувствовать приподнятое настроение яркого осеннего дня. Картина написана с мастерством зрелого художника, отличается смелым, энергичным письмом без тщательной отделки формы предмета, сложными цветовыми решениями.

«Пышное природы увяданье» - эти пушкинские строки как нельзя лучше характеризуют этот шедевр Левитана. Картина «Золотая осень» передает торжество природы во всем ее великолепии. Полотно отличается тонкостью и глубиной изображения и знаменует высшее достижение в развитии русского «пейзажа настроения». 

Описание картины В. Е. Маковского «Свидание»Знаменитая картина В. Маковского «Свидание» была написана в 1883 году. Она является типичным произведением «передвижников» и посвящена теме обнищания деревни и нелегкой жизни народа. Драматизм произведения, как это часто бывает у В. Маковского, смягчен лирическими нотками.

Сюжет картины прост. Мать-крестьянка пришла на свиданье к сыну, отданному в город в подмастерья. Мать и сын не смотрят друг на друга. Внимательному зрителю эта немая сцена расскажет многое.

Лицо мальчугана лет тринадцати серьезное и бледное. Он босоног, хотя на дворе зима, в грубых штанах, грязной рубахе и фартуке. Мальчик жадно набросился на принесенный матерью свежий калач.

Изможденное лицо женщины выражает нежность и умиление. Поза и весь грустный облик выдает то тяжелое чувство, которое испытывает она при редких встречах с сыном. Понятно, что отдать сына в город на обучение ремеслу ее заставила глубокая нужда.

Настроение, эмоциональный строй картины подчеркивается ее колоритом. Самыми скромными красками В. Маковский рисует убогую одежду и нищую, безрадостную обстановку: деревянные стены, потемневшие от времени, земляной пол. С глубокой проникновенностью пишет художник лица матери и сына. Тяжелая жизнь наложила на них свой отпечаток. Глядя на хмурое, не по годам серьезное лицо мальчика-подростка, вспоминаешь Ваньку из рассказа А. П. Чехова.

В.Маковский изобразил типичный случай из жизни простых людей, заставляя нас сопереживать и сочувствовать их горю и страданиям. 

Описание картины А. И. Куинджи «Радуга»Картина «Радуга» - одна из самых замечательных в творчестве позднего А. И. Куинджи. В картине, работа над которой продолжалась пять лет (1900-1905 гг.), Куинджи запечатлел наиболее эффектное, зрелищное мгновенье в природе – момент, когда над омытой дождем землей вспыхнула многоцветьем радуга.

На картине изображена ничем не примечательная местность – широкая степь, дорога. Простой уголок природы Куинджи показывает в «очищенном», идеальном виде. Художник сумел передать ощущение свежести омытой дождем земли.

Над изумрудно-зеленой равниной между туч, оставшихся после ливневого дождя, вспыхивает удивительная по красоте радуга. Изогнувшись, как воздушный мост, реальная и иллюзорная одновременно, радуга создает удивительное настроение воодушевления, восторга, веры в неизменную красоту природы.

Картина дает почувствовать беспредельность пространства, величественность неба, рождает ощущение покоя, умиротворенности. Такого эффекта Куинджи добивается с помощью грамотно построенной композиции, обеспечивающей ощущение простора, торжественности, и особой декоративности цветовой гаммы картины. Мастерское использование ярких красок и их сочетаний позволяет Куинджи создать иллюзию глубины воздушной среды.

Романтически возвышенная, картина «Радуга» Куинджи снова и снова восхищает зрителей, напоминая каждому из нас о величии природы и мироздания. 

Описание картины И. И. Шишкина «На севере диком»Картина «На севере диком» написана И. И. Шишкиным в 1890 году по мотивам стихотворения М. Ю. Лермонтова «Сосна». Полотно носит отпечаток романтической живописи Куинджи, с которым Шишкин в тот период своей жизни был очень дружен.

Так же, как и в стихотворении Лермонтова, в картине мощно звучит тема одиночества. На неприступной голой скале, посреди кромешной тьмы, льда и снега, стоит одинокая сосна. Луна освещает мрачное ущелье и бесконечную даль, покрытую снегом.

Кажется, в этом царстве холода нет больше ничего живого. Но наперекор морозам, снегам и ветрам дерево живет.

Гордо, с достоинством стоит могучая сосна. Как богатая риза на плечах священника, тяжелые хлопья сверкающего снега лежат на могучих ее ветвях. На макушке сосны шапка снега как будто сливается с бегущими по грозовому небу облаками. Мы ощущаем царящее вокруг безмолвие и сгущающийся мрак.

О чем мечтает, о чем грезит сосна? Может быть, о далекой родной душе, такой же одинокой и возвышенной? Мы не знаем этого, но чувствуем, что нет в мире такой силы, которая сможет сломать сосну, подчинить ее себе.

Вообще у Шишкина мало «зимних» картин. Картина «На севере диком» - один из самых ярких примеров обращения художника к зимнему пейзажу. Мы видим, что суровый нрав севера пленяет художника своей красотой и силой. Используя богатую палитру оттенков, он мастерски передает и состояние зимнего оцепенения, и чувство гнетущего одиночества.

Полотно «На севере диком» передает те же чувства, что и стихотворение великого поэта, но другими средствами – с помощью живописи. Наверное, автор стихотворения по достоинству оценил бы великий талант Шишкина. 

Описание картины И. Е. Репина «Портрет Мусоргского»Портрет Мусоргского был написан Репиным в марте 1881 года всего за несколько коротких сеансов. Композитор был в это время уже смертельно болен и находился в Николаевском военном госпитале. Этот портрет относится к числу самых замечательных произведений Репина-портретиста, поскольку отличается абсолютным отсутствием предвзятости, необыкновенной жизненностью и объективностью.

Композитор изображен на полотне непричесанным, в оливковом, с малиновыми отворотами, халате, из-под которого видна расстегнутая рубашка. Человечность, гениальная сила и творческий гений Мусоргского видны сквозь внешнюю некрасивость, которую сообщила ему тяжелая болезнь.

Поразительно написаны глаза композитора, в них – одновременно сосредоточенное, серьезное и какое-то отсутствующее выражение. Все лицо полно задумчивой печали и глубокой человечности.

Портрет Мусоргского был признан новаторским – и по замыслу, и по характеру живописи. Репину удалось создать образ цельный, законченный, точно переданный через множество характерных черт и деталей. Он не разворачивается перед зрителем постепенно, а раскрывается сразу. Техника живописи в этом портрете, сложная и замысловатая, сохраняет трепетность этюда. Колорит полотна – светлый, прозрачный, легкий. Одежда, формы лица, тела «вылеплены» энергичным, широким мазком.

В общей трактовке образа композитора Репин выявляет глубокое понимание художником портретируемого. Все, кто знал композитора, признали, что портрет исключительно верно передает весь характер, всю натуру Мусоргского. Художник не прячет недостатков, слабостей великого человека, но показывает, что и в таком неприглядном состоянии, тяжело больной, композитор не теряет своего духовного величия. 

Описание картины И. И. Левитана «Березовая роща»Картина «Березовая роща» была начата И. Левитаном в 1885 году в Бабкине, а закончена в 1889 году в Плёсе на Волге.

В этом полотне в полном объеме нашло свое отражение великое умение Левитана вложить в простой природный пейзаж богатейшую гамму человеческих чувств и переживаний.

Перед нами – изображение уголка березового леса в яркий солнечный день. Художник великолепно передает движение солнечных бликов на белых стволах берез, переливы оттенков зеленой травы и листьев деревьев, сияние искорок белых и лилово-синих цветов в траве. Игра света и теней на картине делает ее живой, трепетной, создает «настроение».

Березки бесконечно рады жизни, и нам даже кажется, что они весело улыбаются солнцу и траве. Все вокруг цветет, излучая чувство радости, причастности к энергии жизни. Зритель словно оказывается посреди благоуханного, нагретого солнцем, леса, под сенью шумящих зеленью берез.

В картине «Березовая роща» Левитан, как никогда, близко подошел к импрессионизму. Импрессионистична композиция полотна, будто уводящая нас вглубь рощи, и динамика изображения, и «техническое решение», и манера письма. С помощью богатой палитры цветов, наложения пятен света и тени Левитан добивается совершенства в передаче световоздушной среды. Картина словно пронизана солнцем, она как будто излучает волшебный изумрудный свет.

Картина «Березовая роща» отличается непосредственностью, свежестью чувств. Именно об этой картине сказал А. П. Чехов, что у нее «есть улыбка». Полотно «Березовая роща» любима многими поколениями людей и воспринимается нами как национальный образ родной природы. 

Описание картины В. М. Васнецова «Крещение Руси»Виктор Михайлович Васнецов, помимо написания картин историко-былинной тематики, известен также работой над произведениями религиозного характера. Одним из таких творений стала фреска Владимирского собора, расположенного в Киеве.

Перед началом работы над данной фреской автор апробировал сюжет на картине, созданной в 1890 году. Работа над хорами во Владимирском соборе проходила в 1895—96 гг.

Помимо Васнецова, в работе над фреской были задействованы Котарбинский В. А и Нестеров М. В.

Основной идеей и картины, и фрески стало осмысление истории становления христианства на территории Древней Руси и включения посредством его принятия великой державы в общую мировую культуру. В данных творениях автор показал момент принятия православия жителями Киевской Руси в водах Днепра. В центре композиции расположена фигура Владимира Святославовича.

В отличие от многих религиозных картин того времени, образ правителя Древней Руси наделен индивидуализированными чертами. Его лик выражает торжественность и серьезное понимание столь серьезного шага: руки подняты вверх, к небу, брови серьезно нахмурены, одеяние празднично расшито золотыми нитками.

Князя окружают представители высшего духовенства, а также простые служители в белых одеждах. Позади него виднеется хор, воспевающий славу Божью, а также верная рать. На фоне белых ряс духовных лиц и золота Великого Князя резко выделяются фигуры представителей простого народа. Они стоят в очереди перед престарелым священником, который проводит обряд крещения.

Задний план представлен светлым облаком, из которого льётся лучами божественный свет. Жители небес, написанные размытыми красками, сверху радуются происходящему. 

Описание картины В. И. Сурикова «Боярыня Морозова»Картина «Боярыня Морозова» - один из шедевров В. Сурикова – написана в 1887 году. Известно, что образ знаменитой староверческой раскольницы был знаком художнику с детства.

Сурикова восхищала самоотверженность женщины, отказавшейся от беззаботной и полной роскоши боярской жизни и вставшей на дорогу борьбы с царской властью и официальной церковью. Власть сослала боярыню в Боровский монастырь, где она через два года умерла в земляной тюрьме. На полотне Суриков представляет победоносный образ несломленной женщины, которую везут в острог.

Картина «Боярыня Морозова» написана в ярких, звучных, колоритных тонах. Ее сюжет уносит нас в 17 век. В самом центре полотна мы видим боярыню, которую везут в санях по улицам Москвы. Женщина одета в дорогую широкую шубу из бархата, но руки ее повязаны цепью. Суриков придал ее образу черты человека, фанатично преданного идее – лицо женщины сурово и бескровно, глаза лихорадочно блестят, рука поднята в двуперстном сложении по старообрядческому канону. Боярыня выкрикивает толпе прощальные слова, в которых, конечно, снова повторяет свои убеждения, за которые готова идти до конца.

Среди окружающей толпы есть те, кто считает ее сумасбродкой, однако большинство переживает все происходящее как трагедию. Многие кланяются ей, глядя на нее с благоговением. Юродивый, одетый грязно и убого, тоже провожает женщину с жалостью. Среди толпы Суриков изобразил и себя – в роли странника с посохом, с сочувствием глядящего вслед боярыне.

Картина «Боярыня Морозова» раскрывает загадочную и полную трагизма русскую душу. Скрытый героизм, который в ней есть, может пробудиться, если есть идея, есть убеждения. Посредством живописи Суриков смог показать, каким самоотверженным и мужественным может быть русский человек. 

Описание картины И. И. Шишкина «Зима»Картина И. И. Шишкина «Зима» написана в 1890 году. Это был отдельный этап в творчестве уже зрелого пейзажиста. В этот период жизни художник обратился к теме, которая раньше его не занимала, - к изображению зимнего оцепенения природы.

Вероятно, виной этому был поиск художником новых сюжетов и приемов письма. В полотне «Зима» живописец решает сложную задачу – передачу едва заметных движений природы с помощью оттенков белого цвета.

Зимний лес скован морозом, он застыл и как будто окаменел. С большим вниманием разработан передний план с несколькими столетними соснами. Их мощные стволы темнеют на фоне ярко-белого снега. Шишкин изумительно схватывает и передает спокойную величавость лесных исполинов. Справа – непроходимая стена мрачного леса. Все вокруг погружено в тень. Но вот редкий луч солнца проникает в царство снега и освещает полянку, окрашивая ее розовато-золотистым цветом.

Мастерски рисует художник безмятежный зимний покой. Ничто не нарушает тишины этого удивительно красивого дня. И даже птица на ветке кажется не живой, а какой-то хрустальной.

С помощью выразительных художественных приемов Шишкин добивается создания монументального собирательного образа зимнего леса. Картина «Зима» исполнена эпического звучания и относится к самым замечательным произведениям великого художника. 

Описание картины К.Ф. Юона «Мартовское солнце»Картина «Мартовское солнце», написанная К.Ф.Юоном в 1915 году, - одно из самых известных в творчестве знаменитого художника.

На этом полотне, показывающем зрителю родную природу Подмосковья, особенности живописи Юона воплощены особенно полно.

«Мартовское солнце» - жизнерадостный пленэрный пейзаж. Живописец запечатлел на полотне то состояние природы, когда еще не растаяли сугробы и хрустит под сапогами снег, но в ярко-голубом небе, в прозрачном воздухе уже носится едва уловимое ощущение весеннего тепла.

Кажется, деревья тянутся к льющемуся с неба свету своими узловатыми ветвями. Солнце еще почти не греет, но ярко озаряет крыши деревянных домиков, раскидистые тополя, высокие березки, создавая бодрое, приподнятое настроение.

Важной частью картины «Мартовское солнце» является жанровая сценка. Действительно, трудно представить себе этот пейзаж без этих лошадок, задорной лохматой собачки и веселых ребятишек.

Картина «Мартовское солнце» развивает традиционную пейзажную тему, давая ей новое толкование. Композиция произведения отличается особенным совершенством. Интенсивность цвета, декоративность полотна не исключает ощущения жизненности, реальности, пространственной глубины.

Яркие краски полотна - сочетания голубого, золотистого, розового, сиреневого – помогают живописцу передать ощущение первого весеннего тепла и света. Все это вместе задает тему пейзажа – тему радостного и торжественного пробуждения природы. 

Описание картины А. И. Куинджи «Север»Картина «Север» была написана А. И. Куинджи в 1879 году. Она входит в серию северных пейзажей великого мастера. В картине художник воспевает суровую природу северной части России.

Зритель как будто смотрит с невысокой возвышенности. На переднем полотне картины – несколько отдельно стоящих на скале сосен. Далее открывается панорамное изображение лесов, теряющихся в рассеянном тумане. Неширокая речушка, извиваясь, уводит взгляд вдаль. Величественная и суровая картина северной природы раскрывается во всей своей мощи и великолепии.

Большую часть полотна занимает изображение неба. Две стихии – земная и воздушная – как будто борются между собой. Неба на картине так много, что земля кажется задавленной океаном из воздуха.

Воздушная среда словно вибрирует под действием света. Куинджи достигает этого ощущения мастерским использованием полутонов, нюансов бледно-розового, золотистого, перламутрового оттенков.

Хотя картину «Север» нельзя назвать импрессионистической, увлеченность импрессионистической техникой здесь налицо. Ее использование помогает художнику передать тончайшую игру света. Если в более ранних картинах художник писал небо плотными и широкими мазками, то в «Севере» он использует легкие мерцающие мазки и прием цветовой прерывистости.

Картина «Север» наполнена большим поэтическим чувством. Она - обобщенный образ северной природы, созданный воображением великого мастера. 

Описание картины В. И. Сурикова «Степан Разин»Картина «Степан Разин» - последняя историческая картина В. Сурикова. Она писалась с 1903 по 1907 годы. Личность Разина, выразителя дум и силы народа, - всегда привлекала внимание людей, на протяжении многих столетий он был героем народного фольклора – легенд и песен.

Возможно, с помощью образа мятежного атамана в картине «Степан Разин» Суриков хотел отобразить протестные настроения народных масс в России в годы перед революцией.

Картина поражает ощущением простора. Воздух на полотне как будто пронизан солнечным светом, и оттого полотно наполнено такой поэтичностью. Художник использовал красивые сочетания красок, которые словно переливаются в лучах солнца. Широка великая русская река. Утренняя тишина. Легко скользит по Волге ладья, освещенная золотистым блеском солнца.

Вольная дружина возвращается с набега на прикаспийские берега. Много добра добыто, и оттого так радостно на душе у казаков. Наполняется чарка, кругом песни и разгул. Один подгулявший казак уснул прямо на корме. Только атаман Степан Тимофеевич не весел – он полулежит под широким парусом, опершись на богатое восточное седло, и тяжелая дума омрачает его чело. О чем думает он, понять трудно.

Сурикову удалось показать внутреннюю напряженность этого мятежного человека. Вероятно, он думает о России и мечтает, что где-то там, за горизонтом, куда они направляются, будет совсем другая жизнь. За атаманом на полотне - несколько гребцов, одетых в простые одежды. Они заняты тяжелым делом и фигуры их напряжены.

Куда движется ладья, напоминающая летящую птицу? К заманчивой мечте, которая спрятана за тонкой линией горизонта, к недостижимой цели. Разин – мечтатель, и его мечты о справедливом мироустройстве останутся лишь сказкой. Наверное, Суриков понимал, что заманчивый идеал невозможен - ни взметнувшиеся весла, ни парус не помогут долететь до желанного берега. 

Описание картины И. И. Левитана «Тишина»Картина «Тишина» написана Исааком Левитаном в 1898 году. Она не пользуется широкой известностью, тем не менее, является признанным шедевром позднего периода жизни художника.

В эти годы для Левитана было характерным обращение к «сумеречной» теме, и картина «Тишина» тоже посвящена удивительному времени, когда день уже умер, а ночь еще не началась. Созданию полотна предшествовала длительная работа с этюдами, и благодаря этому на полотне художник сумел точно воспроизвести настроение умиротворенности и тишины.

Левитан показывает мудрое молчание природы, ожидающей приближение ночи. Ночь еще не полностью вступила в свои права. Медленно опускаясь на землю, она приносит с собой покой и умиротворенность. Неподвижна река, отражающая сумеречное потемневшее небо с косматыми облаками и желтой луной. На дальнем берегу неподвижно застыла деревенька, а возле нее - пашня и рощица.

Художник использует в картине довольно насыщенную цветовую гамму. Полотно может показаться слишком декоративным благодаря сочетанию очень сочных красок: коричневой деревеньки, рыжих берегов и свинцового неба и воды. Художник использует свободный, широкий и мягкий мазок, тончайшие оттенки и переходы цвета. Левитан избегает подробностей – они как будто скрыты ночной мглой – и стремится к простоте мотива.

Все эти художественные приемы помогают добиться обобщенности и выразить самое главное, что есть в жизни, в природе. Картина «Тишина» - это глубокий и сложный рассказ о жизни природы. В ней – ясность и мудрость большого художника, осознавшего красоту и гармонию окружающего мира. 

Описание картины И. И. Левитана «Мостик. Саввинская слобода»Картина «Мостик. Саввинская слобода» написана И. Левитаном в 1884 году. Это удивительно лиричный пейзаж с богатым внутренним содержанием. Невзрачный мотив деревенских задворок рука великого мастера превратила в настоящую лирическую новеллу.

На переднем плане картины мы видим простой бревенчатый мостик через небольшой журчащий ручеек, убегающий куда-то вдаль. За заднем плане - небольшие деревенские домики, дрова, в беспорядке разбросанные вокруг. Видно, работник отлучился куда-то ненадолго.

Яркий солнечный день, все вокруг утопает в молодой пышной зелени. Сам воздух – светящийся, мягкий. Мостик отбрасывает тень на окружающую зелень, на ручеек, и все вокруг переливается в лучах яркого солнечного света. Казалось бы, обычный мостик, обычные дрова – а сколько в них красок, сколько поэзии!

Пейзаж «Мостик. Саввинская слобода» словно насквозь пронизан солнечным светом. В этом произведении Левитан добивается необычной звучности цвета, особого сочетания красок и особенной цветопередачи. Эта солнечность, лучезарность, прозрачность воздуха придают обыкновенному деревенскому пейзажу особое поэтическое настроение, лирическое обаяние и одухотворенность.

Глядя на полотно, мы вместе с художником восхищаемся гармонией природы, радующейся весеннему обновлению, и учимся понимать ее душу. 

dickova04.blogspot.com

Гадания на картинах русских художников.

По народным поверьям гадания особенно правдивы накануне зимних Cвяток — от cочельника (6 января) до Крещения (19 января). Пользуясь случаем, вспоминаем отражение этой темы в русской живописи вместе с Софьей Багдасаровой.

В западноевропейском искусстве гадалки и ворожеи появились в XVII веке, практически сразу после возникновения жанровой живописи. Своих «Гадалок» написали такие великие мастера эпохи барокко, как Караваджо (1594 год) и Жорж де Латур (между 1630 и 1639 годом). Они использовали тему гадания в назидательных целях, изображая наивных людей, которых та же предсказательница и обкрадывала (на картинах видно, как гадалка ворует деньги из их кармана или кольцо с пальца). Вдобавок художники противопоставляли персонажей из разных социальных классов — нарядных богачей и нищих бродяжек, выписывая контраст драгоценных кружев с грязными обносками.

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 1

Василий Шебуев. Гадание (Автопортрет с гадалкой). 1805. ГРМ

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 1

Вильгельм Голике. Гадание у колодца. 1839. ГРМ

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 1

Тарас Шевченко. Цыганка-ворожея. 1841. Национальный музей Тараса Шевченко, Киев

Когда в конце XVIII — начале XIX века жанровая живопись начала развиваться в Российской империи, тема гадания проникла и к нам. Самые ранние картины на этот сюжет многое заимствовали у европейских образцов. Так, учившийся в Риме живописец Василий Шебуев явно цитирует в своем «Автопортрете с гадалкой» те полотна, которые он видел в Европе. Недаром на герое надет огромный воротник, какие перестали носить лет двести назад — как раз тогда, когда творили последователи Караваджо. И гадалка, которая держит его за руку, как положено — цыганка, чья темная кожа контрастирует с его изысканно-бледным лицом.

Противопоставлением занят и Вильгельм Голике в своем полотне «Гадание у колодца»: бродячая цыганка с темнокожим младенцем, примотанным к спине, здесь общается с фарфорово-прекрасной селянкой и отроком с льняными волосами. Картину можно было бы принять за работу любого из западноевропейских мастеров того времени, если бы не русский сарафан крестьянки и мужик, заламывающий шапку на заднем плане. Аналогична по трактовке и акварель студента Академии художеств Тараса Шевченко, будущего знаменитого поэта — только здесь девушка одета в малороссийский наряд.

Орест Кипренский также изображает за гаданием иностранку в национальном костюме, но картина посвящена совсем иному. Ею Кипренский открывает в русском искусстве тему гадания как символа общения с неведомым один на один, без посредников.

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 2

Орест Кипренский. Гадалка со свечой. 1828. ГРМ

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 2

Карл Брюллов. Гадающая Светлана. 1836. Нижегородский государственный художественный музей

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 2

Александр Новоскольцев. Светлана. 1889. Вольский краеведческий музей, Саратовская область

В первой трети XIX века наше искусство — речь идет и о литературе — занимается активной адаптацией на родной почве иностранных приемов. Например, Василий Жуковский и переводит сказки братьев Гримм, и создает на их основе свои «русские народные». Балладу Готфрида Бюргера года про девицу Ленору, гадавшую на жениха, Жуковский переложил в 1813 году. Героиня меняет национальность и имя, антураж преображается с немецкого на русский. Произведение имело колоссальный успех.

Романтическая, мистическая атмосфера гадания крещенским вечерком, созданная поэтом, вдохновила и художников — тем более что Светлана описана была как красавица. Эффект был таким сильным, что иллюстрация к Жуковскому стала, пожалуй, единственной картиной на «русскую народную» тему Карла Брюллова — гражданина мира и любителя полногрудых смуглых итальянок. Особого новаторства в изображении женщины в темноте со свечой и зеркалом нет — Жорж де Ла Тур в 1640 году так же написал «Марию Магдалину». Если не считать того, что русский народный костюм наконец получил полноправную прописку в высоком академическом искусстве.

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 3

Алексей Венецианов. Гадание на картах. 1842. ГРМ

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 3

Егор Солнцев. Гадание. 1844

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 3

Неизвестный художник. Гадание на картах. Начало XIX в. ГРМ

За любование народным бытом в отечественном искусстве того времени отвечал Алексей Венецианов, автор бесчисленных изображений крестьян за работой и отдыхом. Считать эти картины жанровыми трудно: слишком много в них романтизма и поэтичности. Но, в отличие от европейских живописцев, Венецианов не ощущал в крестьянском гадании ни аллегоричности, ни мистики. Для него это знакомая повседневность — он сам жил в деревне, а позже открыл школу живописи, куда охотно брал и крепостных. Его «Гадание на картах» изображает двух девушек, и карты для них — атрибут, а не намек на душевную драму.

По тому же пути бытописательства идут другие «крестьянские» художники 1-й половины XIX века. Егор Солнцев пишет сценку о святочном гадании с помощью курицы (судьба гадающего зависит от того, подойдет птица к тарелке с деньгами, или к зеркалу и т.п.). Анонимный примитивист, автор картины из Русского музея, в сцене гадания противопоставляет юную красоту хитрости и старости.

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 4

Иван Соколов. Гадание девушек на венках о замужестве. 1860-е. Черниговский областной музей

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 4

Генрих Семирадский. Ночь св. Андрея - Ворожба. 1887

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 4

Константин Маковский. Святочные гадания. Около 1905. Государственный музей истории религии

Во 2-й половине XIX века знаний о прошлом страны и ее обычаях становится больше. «История» Карамзина перестает быть полной открытий. Картины о гаданиях обрастают деталями, почерпнутыми из книг и этнографических наблюдений. Интерес к региональным традициям отражается и в искусстве, появляется много картин с национальным колоритом, в том числе и про гадания.

Украинок за гаданием изображают киевлянин Николай Пимоненко и обосновавшийся на Харьковщине Иван Соколов. Выходец из польских дворян Генрих Семирадский посвящает работу ворожбе в Андреев день (13 декабря), причем в этом достаточно салонном произведении живописец использует стандартные штампы: тут вам и драматическая светотень, и скрюченная старуха, и нежные девы — причем опять контрастные, одна в декольте, другая в вышиванке, то есть барышня и служанка. А Константин Маковский за колоритными деталями отправляется в глубь веков — его картина про гадание с помощью той же курицы изображает явно допетровское время.

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 5

Павел Кузнецов. Гадание. 1912. ГРМ

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 5

Павел Шиллинговский. Бессарабия. Гадание. 1911. Национальный музей изобразительного искусства, Кишинев

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 5

Михаил Врубель. Гадалка. 1895. ГТГ

На рубеже XIX–XX веков русская народная тема в искусстве приобретает сильный оттенок историзма, то есть «православия, самодержавия и народности». Исключение — модерн в «русском стиле», который творили Иван Билибин, Елена Поленова и другие художники круга Абрамцево и Талашкино, но там гаданиями не интересовались. Зато не забывают об этом обычае символисты и другие, увлекавшиеся соприкосновением двух миров — реального и потустороннего, а также любители красочных народных обычаев, правда — экзотических.

Так возникает среднеазиатская трактовка сюжета у Павла Кузнецова и молдавская — у Павла Шиллинговского. А Врубель создает свою «Гадалку» под впечатлением от оперы «Кармен», то есть она у него цыганка, причем, очевидно, испанская. Любопытно, что Врубель пишет ее поверх заказного портрета одного из Мамонтовых, который попросту ему надоел — то есть отвергает деньги ради красоты и стихии неизведанного.

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 6

Семен Кожин. Иван Купала. Гадание на венках. 2009. Фотография: wikimedia.org

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 6

Константин Васильев. Гадание. 1976. Музей Константина Васильева

Как гадали на картинах русских художников. Галерея 6

Семен Кожин. Святочное гадание. 2008. Фотография: wikimedia.org

Социалистический реализм, хоть и благосклонен к крестьянской теме, суеверия отвергает, поэтому в ХХ веке в развитии сюжета наступает пауза. Под конец столетия становится свободнее: советские и российские мастера, заново открывающие для себя русскую историю, будто возвращаются в XIX век, следуя упоминавшемуся выше «историческому» подходу Константина Маковского. И только Константин Васильев, спорный, но самобытный, в своем «Гадании» больше интересуется потусторонним, поэтому его девушка со свечой почти также загадочна, как и брюлловская «Светлана».

www.culture.ru

Какому событию России посвящена эта картина?

Какому событию России посвящена эта картина?«Подготовка к ЕГЭ по истории России» — Программы партии кадетов и эсеров. Налаживание отношений. Сравнение исторических явлений. Анализ исторической ситуации. Анализ альтернативных версий. ЕГЭ по истории России. Государство. Позиции законодательной и исполнительной власти. Сравните Сталинградскую и Курскую битвы. Обобщенная характеристика знаний. Решение рабочего вопроса. Шоковая терапия. Император Николай II. Условия для успешного развития страны.

Октябрьская революция в картинах русских художников

2017 год ознаменован столетием Октябрьской революции, которая не только в корне изменила ход истории, но и имела огромное влияние на развитие искусства. В связи с этим журнал Porusski вспоминает самые значимые работы русских художников, посвященные переломным событиям Октября 1917 года.

Картины Василия Сурикова. Боярыня Морозова, Утро стрелецкой…

У каждого художника существует свой любимый жанр, в котором его талант проявляется ярче всего. Кто-то достигает успехов в жанре портрета – например, Илья Репин или Иван Крамской. Другие находят особые краски и темы в изображении родного пейзажа – например, Исаак Левитан или Иван Шишкин. Василий Иванович Суриков завоевал своё призвание масштабными историческими полотнами, самые известные его картины посвящены событиям из истории России.

У какого художника главная тема-драматические события в России 17-18 веков?

Мы продолжаем серию статьей на тему образования. В статьях можно узнать правильные ответы на вопросы конкурсов, проводимых в рамках школьной программы. Этот художник сделал главной темой своего творчества драматические исторические события в России XVII-XVIII…:

Октябрьская Революция в живописи

К очередной годовщине Великой Октябрьской Социалистической Революции подборка картин посвященных судьбоносному Октябрю 1917 года изменившего историю России и всего человечества. Именно в этот день начался тот путь, который привел советского солдата в Берлин, а советского человека в космос.

История Российской империи в картинах российских художников

Знаменитое антивоенное полотно размером 3×7,5 метра написал французский художник Пабло Пикассо. Будучи испанцем по происхождению и ярым антифашистом, он так отреагировал на бомбардировку в апреле 1937 года баскского города Герники. Не имевший большого военного значения город был полностью уничтожен гитлеровской авиацией за 3 часа. Целью налета была проверка эффективности стратегии концентрированного «бомбового террора». Погибли 1654 и были ранены 889 мирных жителей.

Конец света и живопись: 6 художников русской революции

1. БОРИС КУСТОДИЕВ. «БОЛЬШЕВИК» Кустодиев — добрый насмешник. Он давно решил для себя все преувеличивать. Закат у него – лимонный, масленица – на весь мир. Певец Шаляпин– величиной с гору, а все вокруг маленькие. Кустодиев использовал иронию и принцип лубка, когда преувеличивается именно то, что интересно.

Октябрьская Революция в живописи

К очередной годовщине Великой Октябрьской Социалистической Революции подборка картин посвященных судьбоносному Октябрю 1917 года изменившего историю России и всего человечества. Именно в этот день начался тот путь, который привел советского солдата в Берлин, а советского человека в космос.

Какие художники писали исторические картины? Исторические и бытовые картины в творчестве русских художников XIX века

Исторические картины, написанные по реальным сюжетам, всегда были интересны российским и советских художникам разного уровня. Это наследие сравнимо с летописями всех времен. Реалистичные, дополненные некоторой долей вымысла красочные сюжеты, пейзажи или люди — возможно все. Исторические картины не знают границ во всем многообразии своего жанра. Главной задачей художника является донесение до ценителей искусства веры в реалистичность даже мифических историй. Ведь любая сказка имеет право на жизнь, если этого хотят люди.

Подробнее: fb.ru

Картины Василия Сурикова. Боярыня Морозова, Утро стрелецкой казни и другие произведения.

Василий Суриков — непревзойденный мастер исторической живописи. Его работы отличаются той особой интонацией, которая позволяет зрителю окунуться в происходящее на картине. Разбираемся вместе с Анной Поповой, кого из исторических персонажей изображал Суриков и какие события отражены на его картинах.

Рассмотрите картину художника В. М. Васнецова в учебнике.

Почему иногда живописная историческая картина может сказать больше, чем словесный рассказ о событии? Видимо, потому, что всегда важнее увидеть, чем услышать. А живописцы стремятся не только и не столько точно показать происходящее, сколько выразить своё отношение к нему и передать атмосферу события.

7 исторических картин Василия Сурикова

Кто изображен на портрете, какому событию посвящена картина и кто её автор, что вы можете рассказать о данном герое? Примерный ответ: Александр Матросов. Картина художника В.Е.Памфилова. «Подвиг Александра Матросова», А. Матросов в сентябре 1942 года был призван в армию. Служил рядовым стрелкового полка. Известен благодаря героическому, самопожертвенному подвигу. Он закрыл своей грудью амбразуру немецкого дзота, что и обеспечил продвижение нашей стрелковой части вперёд. Бой состоялся у Великих Лук, Псковской области 27 февраля 1943 года. Александру было 18 лет. Герой Советского Союза.

Картины разных художников посвящённые Октябрьской революции

Как найти друзей, или Почему со мной никто не дружит Оригинал взят у bulat_blog в Как найти друзей, или Почему со мной никто не дружит Вроде бы и жизнь налажена, и интересы, увлечения… Сколько стоит гречневая каша? (Размышления ночью в период бессонницы, писано от балды и с мобильного телефона, строго не судить)))) ) Посмотрел вчера по телевизору передачу,…

www.chsvu.ru

Самые загадочные произведения искусства. | Блогер Frau_Pompadur на сайте SPLETNIK.RU 20 июня 2015

Самые загадочные произведения искусства.

Некоторые произведения искусства хранят свои загадки веками, другие, появившиеся совсем недавно, уже приобрели недобрую славу и статус картин-загадок.

1. "Джоконда" 

Первое, что приходит на ум, когда заходит речь о загадочных картинах, либо о картинах-загадках - это "Джоконда", написанная Леонардо да Винчи в 1503-1505 годах. Грюйе писал, что эта картина может свести с ума любого, кто, насмотревшись вдоволь на нее, начнет вести о ней разговоры. "Загадок" в этой работе да Винчи находят множество. Искусствоведы пишут диссертации по наклону руки Мона Лизы, медицинские специалисты ставят диагнозы (от такого, что у Джоконды нет передних зубов до такого, что Мона Лиза - мужчина). Есть даже версия, что Джоконда - это автопортрет художника. Кстати, особую популярность картина приобрела только в 1911 году, когда была украдена итальянцем Винченцо Перуджио. Нашли его по отпечатку пальца. Так "Мона Лиза" ещё и стала первым успехом дактилоскопии, и огромным успехом маркетинга рынка искусств. Когда человек смотрит в ее глаза, ему видится мягкая улыбка на губах Джоконды, однако когда он переводит взгляд на рот, улыбка исчезает. Флориан Хатцлер, эксперт по психологии Центра нейрокогнитивных исследований, сказал, что для достижения подобного эффекта Леонардо да Винчи использовал особую технику письма. При прямом взгляде мягкие слои штриховки вокруг рта придают лицу нейтральное отношение, однако боковое зрение заставляет штриховку выглядеть более глубокой, что производит впечатление легкой улыбки.

2. "Черный Квадрат"

Всем известно, что "Черный квадрат" на самом деле не черный, и не квадрат. Это действительно не квадрат. В каталоге к выставке он был заявлен Малевичем как "четырехугольник". И действительно не черный. Художник не использовал черную краску. Меньше известно, что Малевич считал "Черный квадрат" своим лучшим произведением. Когда художника хоронили, "Черный квадрат" (1923) стоял в изголовье гроба, тело Малевича было накрыто белым холстом с нашитым квадратом, черный квадрат был нарисован и на крышке гроба. Даже на поезде и кузове грузовика были изображены черные квадраты.

3. "Крик"

С картиной "Крик" загадочно не то, что она якобы тяжело влияет на людей, заставляя их чуть ли не совершать самоубийство, а то, что эта картина - по сути, реализм для Эдварда Мунка, который в пору написания этого шедевра страдал от маниакально-депрессивного психоза. Он даже вспоминал, как именно он увидел то, что написал. "Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу".

4. "Герника"

Пикассо написал "Гернику" в 1937 году. Картина посвящена бомбардировке города Герника. Говорят, когда Пикассо в 1940 году вызвали в гестапо и спросили про "Гернику": "Это сделали вы?", художник ответил:"Нет, это сделали вы". Огромную фреску Пикассо писал не дольше месяца, работая по 10-12 часов в сутки. "Герника" считается отражением всего ужаса фашизма, бесчеловечной жестокости. Те, кто видел картину своими глазами, утверждают, что она порождает тревогу, а иногда и панику.

5. "Иван Грозный и сын его Иван"

Все мы знаем картину "Иван Грозный и сын его Иван", называя её обычно "Иван грозный убивает своего сына". Между тем, убийство Иваном Васильевичем своего наследника, весьма спорный факт. Так, в 1963 году в Архангельском соборе Московского Кремля была вскрыты гробницы Ивана Грозного и его сына. Исследования позволили утверждать, что царевич Иоанн был отравлен. Содержание яда в его останках во много раз превышает допустимую норму. Интересно, что тот же яд был найден и в костях Ивана Васильевича. Ученые заключили, что царская семья на протяжении нескольких десятилетий была жертвой отравителей. Иван Грозный не убивал своего сына. Именно такой версии придерживался, например, обер-прокурор Святейшего Синода Константин Победоносцев. Увидев на выставке знаменитую картину Репина, он был возмущен и писал императору Александру III: "Нельзя назвать картину исторической, так как этот момент... чисто фантастический". Версия же об убийстве была основана на рассказах папского легата Антонио Поссевино, которого сложно назвать незаинтересованным лицом. На картину однажды было совершено настоящее покушение. 16 января 1913 года двадцатидевятилетний иконописец-старообрядец Абрам Балашов нанес ей три удара ножом, после чего лица изображенных на картине Иванов Илье Репину пришлось писать фактически заново. После происшествия, тогдашний хранитель Третьяковской галереи Хруслов, узнав о вандализме, бросился под поезд.

6. "Руки противятся ему"

Картина Билла Стоунхема, написанная им в 1972 году, прославилась, скажем прямо, не самой доброй славой. Согласно информации на E-bay, картина через некоторое время после покупки была найдена на свалке. В первую же ночь, как картина оказалась в доме нашедшей её семьи, дочь прибежала к родителям в слезах, жалуясь, что "дети на картине дерутся". С того времени за картиной очень нехорошая репутация. Купившему её в 2000 году Киму Смиту постоянно приходят гневные письма с требованием сжечь картину. Также в газетах писали, что в холмах Калифорнии иногда появляются призраки, как две капли воды похожие на детей с картины Стоунхема.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности. 

7. "Портрет Лопухиной"

Наконец, "нехорошая картина" russian edition - портрет Лопухиной, написанный Владимиром Боровиковским в 1797 году, через некоторое время стал иметь дурную славу. На портрете была изображена Мария Лопухина, которая скончалась вскоре после написания портрета. Люди стали говорить, что картина "отбирает молодость" и даже "сводит в могилу". Достоверно неизвестно, кто пустил такой слух, но после того, как Павел Третьяков "бесстрашно" приобрел портрет для своей галереи, разговоры о "загадке картины" поутихли.

8. "Старый рыбак"

В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари пишет картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.

Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).

8. Иероним Босх, «Сад земных наслаждений», 1500-1510.

Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала «песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет». 9. "Великий мастурбатор", Сальвадор Дали

В картине со странным и наглым даже для нашего времени названием на самом деле нет никакого вызова обществу. Художник фактически изобразил свое подсознание, исповедался перед зрителем.

На полотне изображена его супруга Гала, которую он страстно любил; саранча, которую он панически боялся; фрагмент мужчины с порезанными коленями, муравьи и прочие символы страсти, страха и отвращения.

Истоки этой картины (но в первую очередь истоки его странного отвращения и одновременно тяги к сексу) лежат в том, что в детстве Сальвадор Дали просмотрел книгу о венерических болезнях, случайно оставленную его отцом.

9. "Утро в сосновом лесу", Иван Шишкин

Шедевр, знакомый каждому советскому ребенку по умопомрачительно вкусным и дефицитным конфетам, принадлежит перу не только Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

10. "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?", Поль Гоген

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

11. "Семья", Эгон Шиле

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

12. "Мужчина и женщина перед кучей экскрементов", Жоан Миро

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

Спасибо за внимание!

www.spletnik.ru


Смотрите также