Гид по стилю: абстракционизм. Картины абстракционисты


определение, направление в искусстве, особенности изображения и самые известные картины

Как часто далекие от искусства люди не понимают абстрактную живопись, считая ее непонятными каракулями и провокацией, вносящей разлад в умы. Они иронизируют над творениями авторов, не стремящихся точно изобразить окружающий мир.

Что такое абстракционизм?

Открывающие новые возможности для выражения собственных мыслей и чувств, знаменитые художники-абстракционисты отказались от привычных техник, перестав копировать действительность. Они считали, что это искусство приучает человека к философскому образу жизни. Живописцы искали новый язык, чтобы выразить переполнявшие их эмоции, и нашли его в красочных пятнах и чистых линиях, которые воздействуют не на разум, а на душу.

Абстрактное искусство

Абстрактное искусство, ставшее символом новой эпохи, – это направление, отказавшееся от форм, которые максимально приближены к действительности. Не всем понятное, оно дало толчок для развития кубизма и экспрессионизма. Основной характеристикой абстракционизма является беспредметность, то есть на холсте отсутствуют узнаваемые предметы, а зрители видят что-то непонятное и неподвластное логике, находящееся за гранью привычного восприятия.

Самые известные художники-абстракционисты и их картины – это бесценное сокровище для человечества. Полотна, написанные в этом стиле, выражают гармонию форм, линий, цветовых пятен. Яркие сочетания имеют свою идею и смысловую нагрузку, несмотря на то что зрителю кажется, будто в работах, кроме причудливых клякс, ничего и нет. Однако в абстракции все подчиняется определенным правилам выражения.

"Отец" нового стиля

Основателем уникального стиля признан Василий Кандинский – легендарная личность в искусстве XX столетия. Русский живописец своим творчеством хотел заставить зрителя чувствовать то же, что и он. Это кажется удивительным, но к новому мировоззрению будущего художника подвигло важное событие в мире физики. Открытие разложения атома серьезно повлияло на становление самого известного художника-абстракциониста.

Кандинский - основатель абстракционизма

"Оказывается, все можно разложить на отдельные составляющие, и эта сенсация отозвалась во мне, словно разрушение всего мира", – заявил Кандинский, который являлся выдающимся певцом времени перемен. Как физика открывала микромир, так и живопись проникала в душу человека.

Художник и философ

Постепенно известный художник-абстракционист в своем творчестве уходит от детализации своих произведений и экспериментирует с цветом. Тонко чувствующий философ посылает свет в самые глубины человеческого сердца и создает полотна с сильнейшим эмоциональным наполнением, где его краски сравниваются с нотами прекрасной мелодии. На первое место в работах автора становится не сюжет полотна, а чувства. Сам Кандинский считал человеческую душу многострунным роялем, а художника сравнивал с рукой, которая посредством нажатия на определенную клавишу (цветовое сочетание) приводит в ее в вибрацию.

"Импровизация 31 ("Морской бой") Кандинского

Мастер, дающий людям подсказки для осознания своего творчества, ищет гармонию в хаосе. Он пишет полотна, где прослеживается тонкая, но явная нить, которая связывает абстракцию с реальностью. Например, в работе "Импровизация 31" ("Морской бой") в цветовых пятнах можно угадать изображения лодок: парусные суда на холсте противостоят стихии и накатывающим волнам. Так автор пытался поведать о вечном сражении человека с окружающим миром.

Американский ученик

Известные художники-абстракционисты 20 века, работавшие в Америке, являются учениками Кандинского. Его творчество оказало огромное влияние на экспрессивный абстракционизм. Армянский эмигрант Аршил Горки (Возданик Адоян) творил в новом стиле. Он разработал специальную технику: раскладывал на полу белые холсты и лил на них краску из ведер. Когда она застывала, мастер процарапывал в ней линии, делая что-то наподобие барельефов.

Аршил Горки "Аромат абрикосов в полях"

Творения Горки насыщены яркими цветами. "Аромат абрикосов в полях" – это типичное полотно, где зарисовки цветов, фруктов, насекомых трансформируются в единую композицию. Зритель чувствует исходящую от работы, выполненной в ярко-оранжевых и насыщенных красных тонах, пульсацию.

Роткович и его необычная техника

Когда речь заходит о самых известных художниках-абстракционистах, нельзя не упомянуть Маркуса Ротковича – еврейского эмигранта. Талантливый ученик Горки воздействовал на публику интенсивностью и глубиной красочных мембран: он накладывал два или три цветовых прямоугольных пространства одно над другим. И они словно затягивали человека внутрь, чтобы он испытал катарсис (очищение). Сам создатель необычных полотен рекомендовал рассматривать их на расстоянии не менее 45 сантиметров. Он говорил, что его работы – это путешествие в неизвестный мир, куда зритель вряд ли предпочтет самостоятельно отправиться.

"Оранжевое, красное, желтое" М. Роткович

Самым дорогим произведением автора считается картина "Оранжевое, красное, желтое". За три прямоугольника с размытыми очертаниями коллекционер выложил почти 87 миллионов долларов.

Гениальный Поллок

В конце 40-х годов прошлого века один из самых известных художников-абстракционистов Джексон Поллок изобрел новую технику разбрызгивания краски – капельную, которая стала настоящей сенсацией. Она поделила мир на два лагеря: тех, кто признавал картины автора гениальными, и тех, кто называл их мазней, недостойной называться искусством. Создатель уникальных творений никогда не натягивал полотна на холст, а располагал их на стене или полу. Он ходил с банкой красок, смешанных с песком, постепенно погружаясь в транс и приплясывая. Кажется, он случайно разливал разноцветную жидкость, однако каждое его движение было продумано и осмысленно: художник принимал в расчет силу гравитации и впитываемость краски холстом. Получалась абстрактная путаница, состоящая из клякс разных размеров и линий. За изобретенный стиль Поллока окрестили "Джеком-Разбрызгивателем".

"№ 5" ( Д. Поллок)

Самый известный художник-абстракционист давал своим работам не названия, а номера, чтобы у зрителя имелась свобода воображения. "Полотно № 5", находившееся в частной коллекции, долгое время было скрыто от глаз публики. Вокруг окутанного завесой тайны шедевра начинается ажиотаж, и наконец-то он появляется на аукционе Sotheby’s, мгновенно становясь на то время самым дорогим шедевром (его стоимость – 140 миллионов долларов).

Найдите свою формулу, позволяющую понять абстракционизм

Существует ли универсальная формула, которая позволит зрителю воспринимать абстрактное искусство? Возможно, в этом случае каждому придется нащупать собственные ориентиры, основанные на личном опыте, внутренних ощущениях и огромном желании открыть для себя неизвестное. Если человек захочет обнаружить тайные послания авторов, он их обязательно найдет, ведь так заманчиво заглянуть за внешнюю оболочку и увидеть идею, являющуюся важной составляющей абстракционизма.

Трудно переоценить переворот в традиционном искусстве, который произвели известные художники-абстракционисты и их картины. Они заставили общество взглянуть на мир по-новому, увидеть в нем иные краски, оценить необычные формы и содержание.

fb.ru

Абстракционизм в живописи: картины, художники

Одним из самых сложных явлений современной культуры стал абстракционизм. Его название идет от латинского слова abstractus — отвлеченный.

Это искусство никогда не пользовалось популярностью у широких масс. Художники-абстракционисты не стремятся изобразить реально существующие предметы, явления, события. Они не пишут людей, животных, картины природы, хотя применяют обычные изобразительные средства — цвет, линии, точки. Картины абстракционистов отличаются яркой декоративностью, но живописцы не считают их эскизами для ковров и тканей. Главное для них — передать через сочетание красочных пятен, контуров, цветовых плоскостей свои чувства и настроение, а также отношение к окружающему миру. Абстракционизм, который иногда именуют «беспредметным» искусством, — явление многообразное. Существует несколько его разновидностей.

Основателем абстракционизма считается французский художник Р. Делоне.

Робер Делоне

Робер Виктор Феликс Делоне родился в 1885 г. в Париже. Специального художественного образования он не получил. Живописью Делоне начал заниматься в 1905 г. Ранние его картины написаны под впечатлением от произведений Ж. Сёра и П. Сезанна. Увлекшись дивизионизмом, художник изучал работы Э. Шеврёйля, посвященные взаимоотношениям света и цвета.

В 1908 г. Делоне вошел в объединение кубистов «Золотое сечение». В этот период он создал композиции, в которых глазам зрителя предстают полные динамики расчлененные объемы («Сен-Северен», «Город», «Башни Лана»).

Как и другие художники этого направления, Делоне стремился не только представить предмет со всех сторон одновременно, но и изобразить его в разные моменты времени. Такова картина «Бронепоезд в действии», где состав, разделенный на части клубами пара и потоками света, кажется мчащимся по рельсам.

В 1910 г. мастер женился на русской художнице Соне Терк, помогавшей ему в создании многих работ в области прикладного искусства.

В 1911 г. Делоне приехал в Мюнхен, где принял участие в выставке, организованной «Синим всадником». В 1912 г. произошел его разрыв с кубистами. С этого момента художник увлекся беспредметной живописью. Он выработал особый стиль, соединивший многие приемы и достижения импрессионистов и неоимпрессионистов, кубистов и фовистов. Делоне писал серии композиций, на которых можно увидеть призматические фигуры, отражающие далекие предметы («Окна», 1912), или соединяются контрастные цветовые плоскости, создающие впечатление движения («Диски», 1912-1913). В этот же период он выполнял картины, посвященные авиации («Команда из Кардифа», 1912-1913). В них абстрактные формы сочетаются с реальными деталями и предметами.

С 1914 по 1920 г. Делоне жил в Испании и Португалии. К этому времени относится его работа над оформлением театральных постановок С. Дягилева.

В 1921 г. мастер вернулся в Париж, где сблизился с художниками-дадаистами. В 1920-1930-е гг. он писал абстрактные композиции, продолжая разрабатывать те темы, которые свойственны его ранней живописи (спорт, Эйфелева башня). Дома и знаменитый символ Парижа на его известной картине «Эйфелева башня» (1926-1928) кажутся удивительно подвижными, словно художник изобразил их в момент первого толчка сильного землетрясения. Нередко поздние работы Делоне представляют радужные окружности, как будто вращающиеся на плоскости полотна («Круглые формы», 1930; «Ритм, радость жизни», 1930) . В эти годы художник создавал не только абстрактные композиции, но и реалистические портреты своихсовременников (В. Маяковского, Л. Арагона, А. Бретона).

Умер Робер Делоне в 1941 г. в Монпелье.

Известным представителем абстрактного искусства был русский живописец Казимир Малевич, стремившийся с помощью беспорядочно расположенных геометрических фигур передать движение («Черный квадрат на белом фоне»).

К основателям абстракционизма многие исследователи причисляют голландского мастера Пита Мондриана. Пространствосвоих картин он заполнял квадратами и прямоугольниками, окрашенными в красный, белый, желтыи и синий цвета. Декоративные композиции Мондриана напоминают увиденные с высоты птичьего полета поля Голландии, усеянные яркими цветами.

Р. Делоне. Эйфелева башня. 1926-1928 гг.

Р. Делоне. Эйфелева башня. 1926-1928 гг.

От Мондриана и Малевича идет абстрактное направление, представители которого стремились уравновесить композицию с помощью геометрических фигур. К нему принадлежит и вариант абстрактного искусства, появившийся в 1960-х гг. и получивший название оп-арт (от английского optical art — оптическое искусство), в основе которого лежит свойство геометрических фигур и цветовых контрастов создавать иллюзию движения. Основателем оп-арта является французский художник, венгр по национальности, Виктор Вазарели.

Следующее направление в абстракционизме связано с именами В. Кандинского, выходца из России, жившего за границей, и П. Клее, швейцарского художника. В живописи представителей этого течения заметно стремление связать искусство с реальностью. В то же время, глядя на их картины, очень трудно определить, что именно хотел сказать мастер.

Василий Кандинский

Василий Васильевич Кандинский родился в 1866 г. в Москве. В 1885-1892 гг. он учился в Московском университете на юридическом факультете. В 1896 г. Кандинский приехал в Мюнхен и поступил в школу Ашбе, а в 1900 г. — в Академию художеств, где его учителем был Ф. фон Штук. В 1901 г. он стал основателем художественного объединения «Фаланга». В 1903-1907 гг. совершил путешествие по Германии, Австрии, Голландии, Франции, Тунису. Много раз Кандинский приезжал в Россию.

Вернувшись в 1908 г. в Германию, художник поселился недалеко от Мюнхена, в Мурнау. По его инициативе в 1909 г. был создан «Новый союз художников Мюнхена», просуществовавший до 1911 г. После распада союза Кандинский основал объединение «Синий всадник».

Раннее творчество Кандинского отмечено влиянием самых разнообразных художественных направлений: импрессионизма, постимпрессионизма, символизма, фовизма, модерна («Одесса. Порт», 1900; «Старый город», 1902). Главным средством выразительности в его пейзажах конца 1900-х гг. становится цвет, благодаря которому изображение как будто колышется и движется («Мурнау. Двор замка», 1908; «Пейзаж с башней», 1908). В этих композициях переплетаются яркие абстракции и реальные образы и предметы («Озеро», «Импровизация 9»). Пейзажи 1910-1914 гг. с их звучным колоритом и динамичным мазком наводят зрителя на мысль о вселенских катаклизмах и движении энергии в космическом пространстве («Композиция VI», 1913; «Импровизация. Потоп», 1914).

Свои теоретические обоснования абстрактного искусства Кандинский изложил в книге «О духовном в искусстве», вышедшей в свет в 1911 г.

В 1915 г. Кандинский снова приехал в Россию. После революции он занимался педагогической деятельностью, работал в отделе ИЗО Наркомпроса, в Институте художественной культуры, преподавал во Вхутемасе. Художник был также вице-президентом Российской академии художественных наук. Занимаясь организационной и педагогической работой, Кандинский не забывал и живопись. В России он создал множество своих абстрактных композиций («Москва I», 1916; «Сумеречное», 1917; «Картина с остриями», 1919).

В 1921 г. художник вернулся в Германию, где в 1928 г. получил немецкое гражданство.

Он начал преподавать в «Баухаузе» — Высшей школе строительства и художественного конструирования в Веймаре, азатем в Дессау. Кандинский работал в «Баухаузе» до 1933 г., когда это учебное заведение было закрыто нацистами.

В 1924 г. мастер организовал объединение «Синяя четверка», куда кроме него вошли художники П. Клее, А. Явленский,Л. Файнингер. Работа в «Баухаузе» оказала влияние на творческий метод Кандинского. Свой новый стиль художник назвал «лирическим геометризмом». Теперь формы в его картинах создаются с помощью таких элементов, как квадрат, треугольник, круг («Композиция VIII», 1923; «Маленькая мечта в красном», 1925; «Акцент на розовом», 1926).

После прихода к власти в Германии фашистов Кандинский переселился во Францию. В 1939 г. он стал гражданином этой страны. В его поздних живописных композициях появляются некоторые изменения: контуры становятся более плавными, четко выделяясь на одноцветных плоскостях («Доминирующая кривая», 1936; «Вокруг круга», 1940). Сначала Кандинский жил в Париже, а позднее переехал в Нёйи-сюр-Сен, где и скончался в 1944 г.

Пауль Клее

Швейцарский живописец, график, теоретик искусства Пауль Клее родился в 1879 г. Рисунку и живописи он учился в частной художественной школе в Мюнхене. В 1898 г. Клее поступил в мюнхенскую Академию художеств, где его наставником был Ф. фон Штук.

В 1902 г., завершив образование, художник отправился в путешествие по Италии. Вернувшись в Швейцарию, он занимался гравюрой. Лучшими его работами в этой технике стали серии «Инвенции» (1903-1904), «Встреча двух людей, каждый из которых убежден в более высоком положении другого» (1903), «Однокрылый герой» (1905). Эти произведения с гротескными образами и причудливыми линиями отмечены влиянием модерна и немецкого романтизма.

В 1905-1906 гг. Клее посетил Париж и Берлин. В 1906 г. он женился на немецкой пианистке Лили Стампф и переехал в Мюнхен. Здесь художник увлекся искусством П. Сезанна, В. Ван Гога, А. Матисса и Дж. Энсора. В 1911 г. он сблизился с В. Кандинским, Ф. Марком, А. Макке и вошел в объединение «Синий всадник». В 1912 г. Клее вторично посетил Париж, где познакомился с Р. Долене. Огромное впечатление произвело на него искусство Ж. Брака и П. Пикассо. От живописи Делоне, придававшего большое значение цвету и ритму тональных соотношений, идет своеобразный колорит произведений Клее.

После посещения Туниса в апреле 1914 г. живопись прочно вошла в творчество художника, не оставляющего и графику. Он писал акварели и картины маслом, предварительно делая натурные наброски и эскизы. Мотивы природы и архитектуры Северной Африки трансформируются в абстрактные формы, сохраняющие связи с реальным миром («По мотиву Хаммамета», 1914; «Кайруан (Отъезд)», 1914). Иногда реальная действительность приобретает в его живописи знаковой характер («Вилла», 1919). Стремление художника к простоте выразилось в картинах, несколько напоминающих детские рисунки («Демонический какен», 1916; «Полная луна» 1919). Это свойственно и более поздним его работам («Лестница и лесенка», 1928; «Дух на стебельке», 1930).

В 1916-1918 гг. Клее проходил военную службу в резервном подразделении. Вернувшись в Мюнхен, он представил свои работы на персональной выставке в галерее Гольца (1920). Свои взгляды на искусство художник изложил в 1918 г. в книге «Творческая исповедь».

В 1921 г. Клее начал преподавать в «Баухаузе», в Веймаре. Вначале он возглавил переплетную мастерскую, а затем — студию живописи по стеклу. В «Баухаузе» другом Клее стал В. Кандинский. В 1924 г. швейцарский мастер вошел в основанное последним объединение «Синяя четверка».

В этот период Клее создал свои самые лучшие работы. Повторяющиеся геометрические фигуры и ритмичные цветовые плоскости рождают на холсте необычные, похожие на грезы, образы («Город-мечта», 1921; «Вид города с красно-зелеными акцентами», 1921; «Магический театр», 1923; «Шут в трансе», 1929).

Нередко художник при создании полотен обращался к мотивам восточного искусства. Влияние персидской миниатюры и керамики чувствуется в композициях «Пейзаж с желтыми птицами» (1923), «Золотая рыбка» (1925). В творчестве Клее отразились его литературные, философские познания и впечатления от путешествий по Италии, Франции, Египту, Испании. Например, композиция «Главный и окольные пути», написанная в 1929 г., являет собой своеобразное представление об истории и природе Египта. В картине «К Парнасу» (1923) переплетаются воспоминания об античности и о венецианских и равеннских мозаиках.

Талантливый музыкант, Клее создавал картины, в которых ритмы абстрактных форм напоминают тональность музыкального произведения («Старинное звучание. Абстракция на черном фоне», 1925).

В 1931 г. Клее ушел из «Баухауза» и стал профессором Академии художеств в Дюссельдорфе. В 1933 г., после прихода к власти в Германии фашистов, художник возвратился в Швейцарию. В 1935 г. тяжелое заболевание приковало его к постели. Преодолевая боль, Клее продолжал работать. В 1937 г. художник узнал, что 17 его картин включены в выставку «дегенеративного» искусства, которую нацисты устроили в Берлине. Из немецких музеев были изъяты 102 его картины. Ко всему прочему, художник никак не мог добиться получения швейцарского гражданства. В живописи Клее появились трагичные настроения.Он писал масляными, восковыми, клеевыми красками, создавая лаконичные и простые композиции. С этого времени главным средством выразительности в его картинах стала четкая черная линия, делающая образы очень экспрессивными («Любовная песнь в новолуние», 1939; «Голос из эфира», 1939; «Наскальная флора», 1940).

П. Клее. Сенекио. 1922 г.

Мрачные чувства пронизывают последние картины мастера («Ангел смерти», 1940; «Смерть и пламя», 1940; «Играющий на литаврах», 1940).

Пауль Клее умер 29 июня 1940 г. По горькой иронии судьбы в этот день он наконец стал гражданином Швейцарии.

Самым противоречивым в искусстве абстракционизма стало третье основное направление. Картины его приверженцев составлены из густых, небрежных мазков и пятен непонятной формы. Яркий представитель подобного искусства — француз Пьер Сулаж, чьи композиции составлены из беспорядочно нанесенных на холст черных и синих широких мазков. В таком же духе исполнены произведения немецкого художника Ханса Хартунга. Свое настроение эти мастера пытаются передать с помощью цвета.

Расцвет абстрактного искусства пришелся на середину 20 столетия. Позднее интерес к нему стал падать, т. к. художники не могли придумать ничего нового, способного увлечь публику. На смену абстракционизму пришли новые виды искусства, среди которых важное место занимает поп-арт.

istoriya-iskusstva.ru

Гид по стилю: абстракционизм - агентство Репина Брендинг

А теперь пришла пора абстракционизма и нашей абстрактной репы. :)

Ретроспектива

Кандинский "Композиция 9"

Абстракционизм – это беспредметное направление в искусстве, в котором художники отказываются от реалистичного изображения.Что повлияло на возникновение стиля?1. Перемены, господствующие в предреволюционном обществе. Люди устали от традиционного в искусстве и в жизни. Им хотелось нового. Если посмотреть на появление абстракционизма с точки зрения политики, то это экстремизм в мире искусства.

2. Процесс расслоения кубизма, футуризма, экспрессионизма в 1910-м году. Характерными чертами абстракционизма стали новаторские цветовые решения, отрицание изобразительности в искусстве.Возникновению этого направления в искусстве мы обязаны нашим художникам Василию Кандинскому и Казимиру Малевичу, а также французу Роберу Делоне, чеху Франтишеку Купке и голландцу Питу Мондриану.Точкой отсчета выступил именно 1910-й год, период, когда Кандинский написал свою первую картину в этой технике. Вдохновение для своих работ он черпал в теософских трудах Елены Блаватской и Рудольфа Штайнера.

Направления абстракционизмаАбстракционизм принято разделять на 2 направления.1. Геометрическая абстракция. Ее фигуры четко очерчены. Это можно наблюдать в работах Малевича и Модриана.

Казимир Малевич. 100-летие «Черного квадрата»

Пит Мондриан. Композиция с красным, синим и желтым. 1930

2. Лирическая абстракция. Здесь формы свободно перетекают, как в работах Кандинского.

Василий Кандинский. Композиция 7

Абстракционизм в современном дизайне

Сам графический дизайн – это абстрактное воплощение смыслов, а сам стиль, который мы рассматриваем, лежит в основе графического дизайна.В большинство логотипов создатели закладывают именно абстрактную идею, а воспринимает эту информацию каждый уже через свои собственные ассоциации.Например, в Репина брендинг одна из фирменных реп выполнена в технике абстракции. 

Реклама смело использует ассоциативный ряд абстрактного искусства и связывают с характеристиками товара.Абстракционизм предоставляет покупателю возможности толкования товаров и поиск новых смыслов. Иногда создается иллюзия фантазии, когда рекламодатель уже все сказал, а иногда можно сделать новые выводы. Поэтому этот прием следует использовать только в том случае, если вам выгодно, чтобы покупатель фантазировал.К примеру, абстракция, заложенная в рекламный образ в СМИ, газетах и журналах призвана увлечь, вызвать любопытство, зацепить читателя, чтобы он захотел больше узнать о товаре.

Но важно учитывать, что каждое изображение по-разному воспринимается, так как потребитель видит то, что хочет видеть. Поэтому картина не должна быть слишком перегруженной. Если сама по себе абстракция притягивает внимание, то сложные образы и непонятные значения заставляют покупателя пройти мимо подобного сообщения. Слишком много информации в мире, чтобы еще нагружать мозг дополнительными ребусами.Рассмотрим на примере рекламных продуктов, как и где можно использовать абстракцию.Абстрактные принты повсеместно использует fashion-индустрия. Мода использует абстракные принты, иногда полностью копируя произведения художников.

Современный графический дизайн трансформирует абстрактные изображения в соответствующие фигуры. Как, например, в рекламе спортивной одежды Freddy. Движение героини показано благодаря абстрактной конструкции, зрительно «растягивающей» ее тело.

Из абстрактных изображений получаются иллюстрации в журналах и музыкальных альбомах. Их часто используют как фон.

Абстракция часто оживляет книжную обложку. Особенно книги по искусству, дизайну, психологической и философской направленности.

А также обложки книг по абстрактному искусству.

Афиши тоже часто «говорят» на языке абстракций. 

Абстракции размещаются на обложках модных журналов.

Графический дизайнер и иллюстратор из Стокгольма Эдвард Скотт специализируется на абстрактных приемах в своих работах. В разное время он работал с такими известными брендами, как L'Oréal, Nokia, IKEA, Mini Cooper, Wellcome Trust, Royal Festival Hall.

Иллюстрацию, представленную ниже, Скотт создал для радио-шоу о науке и истории Radiolab.

На новогодней рекламе автомобильного бренда Mazda показан абстракция, в которой одновременно читается елка, и дорога, по которой едет автомобиль компании.

При создании логотипа Windows 1995 применялись 4 абстрактных символа - квадрата. 4 разноцветных квадрата указывают на мультифункциональность компании, а также на 4 стороны света, куда нацелен бренд, а также 4 окна, которые лежат в основе позиционирования бренда. Разные цвета (синий, желтый, красный и зеленый) указывают на типы программного продукта.

Правозащитная организация «Международная Амнистия» борется с расизмом по всему миру. Для своей деятельности они разработали такой логотип.

Символическую черную ленту компания MTV заказала в рекламном агентстве из Дюсельдорфа BBDO в 2009 году в честь памяти о Майкле Джексоне. В ней заложено несколько смыслов: ноги поп-короля, пребывающие в постоянном танце и траурную ленту, как память о нем.

А это логотип Чемпионата мира по футболу, проходивший в Южной Африке в 2010 году.

Приемы абстрактного искусства используют в своей рекламе производители соусов и специй.

В Balenciaga при создании рекламы духов за фон взяли живопись голландского абстракциониста Пита Мондриана.

Производители зубной пасты R.O.C.S. оформили упаковку элементами 3-х полотен Василия Кандинского «Светлая картина», «Желтое-красное-синее», «Многоцветный круг».

Театр Théâtre des Bouffes du Nord во Франции свои афиши выполняет в стиле «абстракционизма». Тем самым, здесь сообщают, что в интерьерах, выполненных в стиле старинного дворца могут ставиться не только классические постановки, но двери театра открыты и для передового искусства.

Кому и зачем может быть полезным абстракционизм

Каким направлениям подойдет абстракционизм?

1. Инновационному бизнесу2. Графическому дизайну3. Иллюстрациям (обложкам книг, журналов, музыкальных альбомов, открыткам)4. Продуктам и товарам для молодых (одежда, обувь, аксессуары, косметика и парфюмерия)5. Интерьерным и архитектурным решениям

О чем может рассказать абстракционизм?

1. Абстракция подчеркнет все передовое и новое2. Благодаря абстрактному и субъективному восприятию, абстракция способна вызывать определенные образы у аудитории, на которую она рассчитана3. Абстракционизм делает акцент на том, что продукт этот современный

repinabranding.ru

Абстракционизм — WiKi

В 1910—1915 годах живописцы в России, Западной Европе и США начали создавать абстрактные произведения искусства; среди первых абстракционистов исследователи называют Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. Годом рождения беспредметного искусства считается 1910-й, когда в Германии, в Мурнау, Кандинский написал свою первую абстрактную композицию. Эстетические концепции первых абстракционистов предполагали, что художественное творчество отражает закономерности мироздания, скрытые за внешними, наносными явлениями действительности. Эти закономерности, интуитивно постигаемые художником, выражались через соотношение абстрактных форм (цветовых пятен, линий, объёмов, геометрических фигур) в абстракционистском произведении[2]. В 1911 году в Мюнхене Кандинский опубликовал ставшую знаменитой книгу «О духовном в искусстве»[3], в которой размышлял о возможности воплощения внутренне необходимого, духовного в отличие от внешнего, случайного. В основу «логического обоснования» абстракций Кандинского легло изучение теософских и антропософских трудов Елены Блаватской и Рудольфа Штайнера. В эстетической концепции Пита Мондриана первоэлементами формы являлись первичные оппозиции: горизонталь — вертикаль, линия — плоскость, цвет — не-цвет. В теории Робера Делоне, в отличие от концепций Кандинского и Мондриана, идеалистическая метафизика отвергалась; основной задачей абстракционизма художнику представлялось исследование динамических качеств цвета и других свойств художественного языка (основанное Делоне направление получило название орфизма). Создатель «лучизма» Михаил Ларионов изображал «излучение отраженного света; цветовую пыль».

Зародившись в начале 1910-х годов, абстракционизм быстро развивался, проявляясь во многих направлениях авангардного искусства первой половины XX века. Идеи абстракционизма нашли отражение в творчестве экспрессионистов (Василий Кандинский, Пауль Клее, Франц Марк), кубистов (Фернан Леже), дадаистов (Жан Арп), сюрреалистов (Жоан Миро), итальянских футуристов (Джино Северини, Джакомо Балла, Энрико Прамполини), орфистов (Робер Делоне, Франтишек Купка), российских супрематистов (Казимир Малевич), «лучистов» (Михаил Ларионов и Наталья Гончарова) и конструктивистов (Любовь Попова, Лазарь Лисицкий, Александр Родченко, Варвара Степанова), голландских неопластицистов (Пит Мондриан, Тео ван Дусбург, Барт ван дер Лек), ряда европейских скульпторов (Александр Архипенко, Константин Бранкузи, Умберто Боччони, Антуан Певзнер, Наум Габо, Ласло Мохой-Надь, Владимир Татлин). Уже вскоре после возникновения абстракционизма обозначились два основных направления развития этого искусства: геометрическая абстракция, тяготеющая к правильным геометрическим формам и устойчивым, «субстанциональным» состояниям (Мондриан, Малевич), и предпочитающая более свободные формы, динамические процессы лирическая абстракция (Кандинский, Купка). Первые международные объединения художников-абстракционистов («Круг и Квадрат», «Абстракция-Творчество») сформировались в начале 1920-х — начале 1930-х годов в Париже[2].

Для эстетических программ абстракционистов был характерен универсализм; абстрактное искусство представлялось в них как универсальная модель миропорядка, включающая и устройство окружающей среды, и устройство общества. Работая с первичными элементами живописного языка, абстракционисты обращались к общим композиционным принципам, законам формообразования. Неудивительно, что абстракционисты находили применение неизобразительным формам в промышленном искусстве, художественном конструировании, архитектуре (деятельность группы «Стиль» в Нидерландах и школы Баухауз в Германии; работа Кандинского во ВХУТЕМАСе; архитектоны и дизайнерские проекты Малевича; «мобили» Александра Колдера; конструкции Владимира Татлина, работы Наума Габо и Антуана Певзнера). Деятельность абстракционистов способствовала становлению современной архитектуры, декоративно-прикладного искусства, дизайна[2].

В конце 1940-х годов в США получил развитие абстрактный экспрессионизм, сформировавшийся на основе лирического абстракционизма. Представители абстрактного экспрессионизма (Поллок, Марк Тоби, Виллем де Кунинг, Марк Ротко, Аршиль Горки, Франц Клайн) провозгласили своим методом «бессознательность» и автоматизм творчества, непредвиденность эффектов («живопись действия»). В их эстетических концепциях уже не было идеалистической метафизики, а беспредметная композиция порой становилась самодостаточным объектом, исключавшим ассоциации с действительностью[2]. Европейским аналогом абстрактного экспрессионизма стал ташизм, яркими представителями которого были Ханс Хартунг, Пьер Сулаж, Вольса, Жорж Матьё. Художники стремились использовать неожиданные, нестандартные сочетания цвета и фактур, скульпторы (Эдуардо Чильида, Сеймур Липтон и другие) создавали причудливые композиции и применяли необычные способы обработки материалов[2].

В 1960-е годы, с упадком абстрактного экспрессионизма, заметным течением в абстракционизме становится развивавший принципы геометрической абстракции оп-арт, использующий оптические иллюзии восприятия плоских и пространственных объектов. Другим направлением развития геометрической абстракции стало кинетическое искусство, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих (Александр Колдер, Жан Тэнгли, Николас Шёффер, Хесус Сото, Таксис). Параллельно в США возникла постживописная абстракция, принципами которой стало сокращение и предельное упрощения живописных форм; унаследовав правильные геометрические формы от геометрической абстракции, постживописная абстракция скругляет, «смягчает» их. Заметные представители этого направления — Фрэнк Стелла, Эльсуорт Келли, Кеннет Ноланд. Предельным выражением геометрической абстракции в скульптуре стал минимализм, сформировавшийся в 1960-е — 1970-е годы[2].

1900—1949

Художники Кандинский и Малевич в начале XX века внесли существенный вклад в развитие теории и практики абстракционизма.

В 1920-е годы, во время стремительного развертывания всех авангардных направлений абстрактное искусство включало в свою орбиту кубофутуристов, беспредметников, конструктивистов, супрематистов: Александру Экстер и Любовь Попову, Александра Родченко и Варвару Степанову, Георгия Стенберга и Михаила Матюшина, Николая Суетина и Ильи Чашника. Язык нефигуративного искусства лежал в основе культуры, новой современной пластической формы, станковой, декоративно-прикладной или монументальной, и имел все возможности для дальнейшего плодотворного и перспективного развития. Но внутренние противоречия авангардного движения, усиленные давлением идеологического официоза, в начале 1930-х годов заставили его деятелей искать иные творческие пути. Антинародное, идеалистическое абстрактное искусство отныне не имело права на существование.

С приходом к власти фашистов центры абстракционизма из Германии и Италии перемещаются в Америку, так как концепция абстракционизма не нашла поддержки у идеологов фашизма. В 1937 году в Нью-Йорке создается музей беспредметной живописи, основанный семьей миллионера Гуггенхайма, в 1939 году — Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера. Во время Второй Мировой войны и после её окончания в Америке собрались вообще все ультралевые силы художественного мира.

В послевоенной Америке набирала силу «школа Нью-Йорка», членами которой были создатели абстрактного экспрессионизма Джексон Поллок, Марк Ротко, Барнетт Ньюманн, Адольф Готтлиб. Летом 1959 года их произведения увидели молодые художники в Москве на выставке национального искусства США в парке «Сокольники». За два года до этого события современное мировое искусство было представлено на художественной выставке в рамках Всемирного фестиваля молодёжи и студентов. Информационный прорыв стал своеобразным символом духовной и социальной свободы[источник не указан 1384 дня]. Абстрактное искусство теперь ассоциировалось с внутренним освобождением от тоталитарного гнета кровавого режима, с иным мировосприятием[источник не указан 1384 дня]. Проблемы актуального художественного языка, новой пластической формы оказались неразрывно связаны с общественно-политическими процессами. Эпоха «оттепели» подразумевала особую систему взаимоотношений абстрактного искусства с властью. Начался новый этап в развитии советского абстракционизма — 1950—1970-е годы.

Для молодых советских художников, воспитанных в традициях академической системы и материалистического видения мира, открытие абстракции означало возможность воспроизведения личного субъективного переживания. Американские исследователи характеризовали абстрактный экспрессионизм как «жест освобождения от ценности политической, эстетической, моральной»[источник не указан 1384 дня]. Подобные чувства испытывали молодые живописцы в СССР, осмыслявшие незнакомое им актуальное искусство и одновременно строившие собственные формы сосуществования с властями или противостояния им. Рождался андеграунд, и среди художников-неформалов обращение к абстрактному искусству было общепринятым и широко распространённым.

В эти годы многие живописцы испытывали потребность в языке беспредметного искусства. Необходимость овладения формальным лексиконом зачастую связывалась не только с погружением в спонтанное творчество, но и с сочинением продуманных теоретических трактатов. Как и в начале века, для этих живописцев абстракция не означала отрицания разных уровней смысла. Современное европейское и американское абстрактное искусство опиралось на такие фундаментальные пласты, как исследование первобытного мифологического сознания, фрейдизм, начала экзистенциализма, восточные философии — дзен[источник не указан 1384 дня]. Но в условиях советской действительности художники абстракционисты не всегда могли достаточно полно и глубоко знакомиться с первоисточниками, они интуитивно находили ответы на волновавшие их проблемы[источник не указан 1384 дня] и, отвергая упреки в простом копировании западных образцов, серьёзно относились к собственной профессиональной репутации[источник не указан 1384 дня].

1950—1970

Возвращение абстрактного искусства в культурное пространство России не было всего лишь следствием изменения политического климата или имитацией художественных явлений Запада. Законы «саморазвития искусства» выстраивали «жизненно необходимые самому искусству» формы. Происходил «процесс реперсонализации искусства. Появилась возможность создания индивидуальных картин мира».[источник не указан 1384 дня] Последнее и вызвало мощную отрицательную реакцию на государственном уровне, долгие годы приучавшую рассматривать абстракционизм как «крайне формалистическое направление, чуждое правдивости, идейности и народности»[источник не указан 1384 дня], а произведения созданные абстракционистами, как: «Бессмысленное сочетание отвлеченных геометрических форм, хаотических пятен и линий».[источник не указан 1384 дня]

На протяжении почти тридцати лет (с конца 1950-х по 1988 год) разрабатывал собственный стиль абстрактного творчества Евгений Михнов-Войтенко, уникальный мастер по диапазону использованных методов. Разные периоды его работы отмечены множеством экспериментов в области живописи и декоративно-прикладного искусства; наследие художника включает графику, картины, выполненные в смешанной технике, нитроэмалью, пастелью, соусом, маслом, гуашью, темперой, а также произведения из дерева, металла, стекла, пенопласта.

Первым[источник не указан 1483 дня]неформальным художественным объединением периода «оттепели», развивавшим принципы абстрактного искусства, стала студия «Новая реальность», которой собралась вокруг Э. М. Белютина. Изначально студия функционировала в качестве курсов повышения квалификации при Горкоме художников графиков. Курс на общую либерализацию, заданный XX съездом, открывал перспективы для свободы творчества и художественных поисков. Однако выставка 1962 года в Манеже, резкая критика со стороны партии искусства художников «Новой реальности» и кампания против абстракционизма заставила художников уйти в подполье. На протяжении следующих 30 лет[4] студия непрерывно работала в мастерских в Абрамцево, в доме, принадлежавшем Белютину.

Разрабатывая принципы внефигуративного изображения, художники студии опирались как на опыт русских авангардистов начала века, так и на современных западных художников. Особенностью «Новой реальности» была установка на коллективную работу, к которой стремились футуристы начала XX века[5]. «Новая реальность» объединила московских художников, которые придерживались различных взглядов на методику построения абстракции. Художники Люциан Грибков и Тамара Тер-Гевондян работали в стиле, ближе всего примыкающему к абстрактному экспрессионизму[6]. Сохраняя элементы реальных форм в своих работах, они развивали категории выражения эмоциональных состояний посредством визуально-пластических ходов. Вера Преображенская, бывшая на протяжении долгого времени старостой студии и зафиксировавшая теорию и методику школы, прошла долгий путь от экспрессионизма через эстетику оп-арт к геометрической абстракции. Совместно с Элием Белютиным Преображенская занималась разработкой модулей-«психогранул», символов, которые выражали бы конкретные состояния и абстрактные понятия при помощи четких цвето-пластических решений[7]. Вера Преображенская говорила: «В моих картинах Бог — это почти всегда черный квадрат»[источник не указан 1384 дня]. В процессе работы со студийцами Элий Белютин сформировал теорию «всеобщей контактности», в которой выразил принципы развития творческого потенциала художника.

Из школы Белютина вышел Владислав Зубарев, первым разработавший принципы выражения категорий времени в живописи. Группа художников, увлеченных идеей времени, объединились под его началом в Студии «Темпоральная реальность». Способность выразить третье измерение в двухмерном жанре живописи стояло проблемой для художников, начиная со Ренессанса. В книге «Темпоральная реальность» Владислав Зубарев выделяет пять видов времени: изогнутое, реликтовое, субъективное, разорванное, плоское время. Для каждого из типов времени, по теории Зубарева, существует свой способ пластического выражения. В книге «Темпоральное искусство» и в программных циклах работ «Образы темпоральности» Зубарев привел своё учение о времени к единой системе[8].

Художники «Новой реальности» считали себя наследниками, в первую очередь, искусства Василия Кандинского. Родоначальник русской абстракции ориентировался на изображение мира духовного посредством пластического искусства. Их художественные поиски были обогащены и достижениями европейских абстракционистов середины века, частично возвращавших фигуратив в свои произведения уже в новом качестве оптической иллюзии или же фетиша.

Кандинский говорил, что: «Сознательно или бессознательно художники все больше обращаются к своему материалу, испытывают его, взвешивают на духовных весах внутреннюю ценность элементов, из которых надлежит создавать искусство»[источник не указан 1384 дня]. Сказанное в начале века вновь стало актуальным для следующих поколений живописцев. Во второй половине 1950-х появляется абстрактная скульптура, снабженная «электронным мозгом», — «Cysp I» Николя Шёффера. Александр Кальдер создает свои «стабили». Возникает одно из обособленных направлений абстракционизма — оп-арт. В то же время почти одновременно в Англии и США появляются первые коллажи, использующие этикетки массовых изделий, фотографии, репродукции и тому подобные предметы новой стилистики поп-арта.

Московская абстракция рубежа 1960-х, углубившись в поиски нового формообразования, соответствующего внутреннему состоянию «творческой озаренности», своего рода медитации, дала убедительные примеры собственного понимания культуры беспредметного. Например, в творчестве Владимира Немухина, Лидии Мастерковой, Михаила Кулакова, безусловно, увлеченных абстрактным экспрессионизмом, который они сумели наполнить высоким духовным напряжением. Иной тип абстрактного мышления демонстрировал наиболее последовательный в своей аналитической и практической работе Юрий Злотников, автор обширной серии «Сигналы», созданной в конце 1950-х. По словам художника: «Динамизм, ритм, ярко выраженные в геометрической абстракции», привели его к анализу: «Инамических представлений, заложенных в искусстве», и далее: «К изучению моторных реакций человека»[источник не указан 1384 дня]. В «Сигналах» художник исследовал «обратную связь» спонтанных психологических реакций на цветовые символы.

Следующий этап в развитии русской абстракции начинается в 1970-е годы. Это время знакомства современных художников с творчеством Малевича, с супрематизмом иконструктивизмом, с традициями русского авангарда, его теорией и практикой. «Первоэлементы» Малевича вызвали стабильный интерес к геометризированной форме, линейным знакам, пластическим структурам. «Геометрическая» абстракция позволяла приблизиться к проблемам, волновавшим мастеров 1920-х годов, почувствовать преемственность и духовную связь с классическим авангардом. Современные авторы открывали для себя труды русских философов и теологов, богословов и мистиков, приобщались к неисчерпаемым интеллектуальным источникам, которые в свою очередь наполняли новым смыслом творчество Михаила Шварцмана, Валерия Юрлова, Эдуарда Штейнберга.

Геометрическая абстракция легла в основу методов работы художников, объединившихся в начале 1960-х в группу «Движение». Среди её членов были Лев Нусберг, Вячеслав Колейчук, Франциско Инфантэ. Последний был особенно увлёчен супрематизмом. В «Динамических спиралях» Инфантэ занимался изучением модели бесконечной спирали в пространстве, внимательно анализировал: «Несуществующую пластическую ситуацию».

Американская живопись 1970-х гг. возвращается к фигуративности. Считается, что 1970-е это: «Момент истины для американской живописи, которая освобождается от питавшей её европейской традиции и становится чисто американской».[источник не указан 1384 дня]

Середину 1980-х годов можно рассматривать как завершение очередной стадии развития абстракции в России, накопившей к этому времени не только громадный опыт творческих усилий, осмысленную философскую проблематику, но и убедившейся в востребованности абстрактного мышления.

1990-е годы подтвердили особенный «русский путь» беспредметного искусства. С точки зрения развития мировой культуры абстракционизм как стилевое направление завершился в 1958 году. Однако в: «Постперестроенном российском обществе только теперь возникла потребность в равноправном общении с абстрактным искусством, появилось желание увидеть не бессмысленные пятна, но красоту пластической игры, её ритмов, проникнуть в их значение. Услышать, наконец, звучание живописных симфоний».[источник не указан 1384 дня] Художники получили возможность выражения в формах не только классических — супрематизма или абстрактного экспрессионизма, но лирической и геометрической абстракции, минимализме, скульптуре, объекте, рукотворной авторской книге, в бумажной массе, отлитой самим мастером.

Современный абстракционизм в живописи

Важным слагаемым современного языка абстракции стал белый цвет. Для Марины Кастальской, Андрея Красулина, Валерия Орлова, Леонида Пелиха пространство белого — высшего напряжения цвета вообще наполнено бесконечными вариативными возможностями, позволяющими использовать и метафизические представления о духовном, и оптические законы отражения света.

Пространство как понятийная категория обладает в современном искусстве разной смысловой нагрузкой. Например, существует пространство знака, символа, возникшего из глубины архаического сознания, иногда преображенного в структуру, напоминающую иероглиф. Существует пространство древних рукописей, образ которых стал своеобразным палимпсестом в композициях Валентина Герасименко.

В современном абстракционизме развивается сюжетное направление (Геннадий Рыбалко). При сохранении беспредметности абстрактное изображение строится так, что вызывает конкретные ассоциации — разного уровня абстрагирования: от предметной ситуации до философской уровня абстрактных категорий. С другой стороны, изображение может выглядеть как картина фантастического мира — абстрактный сюрреализм. Его ответвление — изображение объемных абстрактов.

ru-wiki.org

Абстракционизм — википедия фото

В 1910—1915 годах живописцы в России, Западной Европе и США начали создавать абстрактные произведения искусства; среди первых абстракционистов исследователи называют Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. Годом рождения беспредметного искусства считается 1910-й, когда в Германии, в Мурнау, Кандинский написал свою первую абстрактную композицию. Эстетические концепции первых абстракционистов предполагали, что художественное творчество отражает закономерности мироздания, скрытые за внешними, наносными явлениями действительности. Эти закономерности, интуитивно постигаемые художником, выражались через соотношение абстрактных форм (цветовых пятен, линий, объёмов, геометрических фигур) в абстракционистском произведении[2]. В 1911 году в Мюнхене Кандинский опубликовал ставшую знаменитой книгу «О духовном в искусстве»[3], в которой размышлял о возможности воплощения внутренне необходимого, духовного в отличие от внешнего, случайного. В основу «логического обоснования» абстракций Кандинского легло изучение теософских и антропософских трудов Елены Блаватской и Рудольфа Штайнера. В эстетической концепции Пита Мондриана первоэлементами формы являлись первичные оппозиции: горизонталь — вертикаль, линия — плоскость, цвет — не-цвет. В теории Робера Делоне, в отличие от концепций Кандинского и Мондриана, идеалистическая метафизика отвергалась; основной задачей абстракционизма художнику представлялось исследование динамических качеств цвета и других свойств художественного языка (основанное Делоне направление получило название орфизма). Создатель «лучизма» Михаил Ларионов изображал «излучение отраженного света; цветовую пыль».

Зародившись в начале 1910-х годов, абстракционизм быстро развивался, проявляясь во многих направлениях авангардного искусства первой половины XX века. Идеи абстракционизма нашли отражение в творчестве экспрессионистов (Василий Кандинский, Пауль Клее, Франц Марк), кубистов (Фернан Леже), дадаистов (Жан Арп), сюрреалистов (Жоан Миро), итальянских футуристов (Джино Северини, Джакомо Балла, Энрико Прамполини), орфистов (Робер Делоне, Франтишек Купка), российских супрематистов (Казимир Малевич), «лучистов» (Михаил Ларионов и Наталья Гончарова) и конструктивистов (Любовь Попова, Лазарь Лисицкий, Александр Родченко, Варвара Степанова), голландских неопластицистов (Пит Мондриан, Тео ван Дусбург, Барт ван дер Лек), ряда европейских скульпторов (Александр Архипенко, Константин Бранкузи, Умберто Боччони, Антуан Певзнер, Наум Габо, Ласло Мохой-Надь, Владимир Татлин). Уже вскоре после возникновения абстракционизма обозначились два основных направления развития этого искусства: геометрическая абстракция, тяготеющая к правильным геометрическим формам и устойчивым, «субстанциональным» состояниям (Мондриан, Малевич), и предпочитающая более свободные формы, динамические процессы лирическая абстракция (Кандинский, Купка). Первые международные объединения художников-абстракционистов («Круг и Квадрат», «Абстракция-Творчество») сформировались в начале 1920-х — начале 1930-х годов в Париже[2].

Для эстетических программ абстракционистов был характерен универсализм; абстрактное искусство представлялось в них как универсальная модель миропорядка, включающая и устройство окружающей среды, и устройство общества. Работая с первичными элементами живописного языка, абстракционисты обращались к общим композиционным принципам, законам формообразования. Неудивительно, что абстракционисты находили применение неизобразительным формам в промышленном искусстве, художественном конструировании, архитектуре (деятельность группы «Стиль» в Нидерландах и школы Баухауз в Германии; работа Кандинского во ВХУТЕМАСе; архитектоны и дизайнерские проекты Малевича; «мобили» Александра Колдера; конструкции Владимира Татлина, работы Наума Габо и Антуана Певзнера). Деятельность абстракционистов способствовала становлению современной архитектуры, декоративно-прикладного искусства, дизайна[2].

В конце 1940-х годов в США получил развитие абстрактный экспрессионизм, сформировавшийся на основе лирического абстракционизма. Представители абстрактного экспрессионизма (Поллок, Марк Тоби, Виллем де Кунинг, Марк Ротко, Аршиль Горки, Франц Клайн) провозгласили своим методом «бессознательность» и автоматизм творчества, непредвиденность эффектов («живопись действия»). В их эстетических концепциях уже не было идеалистической метафизики, а беспредметная композиция порой становилась самодостаточным объектом, исключавшим ассоциации с действительностью[2]. Европейским аналогом абстрактного экспрессионизма стал ташизм, яркими представителями которого были Ханс Хартунг, Пьер Сулаж, Вольса, Жорж Матьё. Художники стремились использовать неожиданные, нестандартные сочетания цвета и фактур, скульпторы (Эдуардо Чильида, Сеймур Липтон и другие) создавали причудливые композиции и применяли необычные способы обработки материалов[2].

В 1960-е годы, с упадком абстрактного экспрессионизма, заметным течением в абстракционизме становится развивавший принципы геометрической абстракции оп-арт, использующий оптические иллюзии восприятия плоских и пространственных объектов. Другим направлением развития геометрической абстракции стало кинетическое искусство, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих (Александр Колдер, Жан Тэнгли, Николас Шёффер, Хесус Сото, Таксис). Параллельно в США возникла постживописная абстракция, принципами которой стало сокращение и предельное упрощения живописных форм; унаследовав правильные геометрические формы от геометрической абстракции, постживописная абстракция скругляет, «смягчает» их. Заметные представители этого направления — Фрэнк Стелла, Эльсуорт Келли, Кеннет Ноланд. Предельным выражением геометрической абстракции в скульптуре стал минимализм, сформировавшийся в 1960-е — 1970-е годы[2].

1900—1949

Художники Кандинский и Малевич в начале XX века внесли существенный вклад в развитие теории и практики абстракционизма.

В 1920-е годы, во время стремительного развертывания всех авангардных направлений абстрактное искусство включало в свою орбиту кубофутуристов, беспредметников, конструктивистов, супрематистов: Александру Экстер и Любовь Попову, Александра Родченко и Варвару Степанову, Георгия Стенберга и Михаила Матюшина, Николая Суетина и Ильи Чашника. Язык нефигуративного искусства лежал в основе культуры, новой современной пластической формы, станковой, декоративно-прикладной или монументальной, и имел все возможности для дальнейшего плодотворного и перспективного развития. Но внутренние противоречия авангардного движения, усиленные давлением идеологического официоза, в начале 1930-х годов заставили его деятелей искать иные творческие пути. Антинародное, идеалистическое абстрактное искусство отныне не имело права на существование.

С приходом к власти фашистов центры абстракционизма из Германии и Италии перемещаются в Америку, так как концепция абстракционизма не нашла поддержки у идеологов фашизма. В 1937 году в Нью-Йорке создается музей беспредметной живописи, основанный семьей миллионера Гуггенхайма, в 1939 году — Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера. Во время Второй Мировой войны и после её окончания в Америке собрались вообще все ультралевые силы художественного мира.

В послевоенной Америке набирала силу «школа Нью-Йорка», членами которой были создатели абстрактного экспрессионизма Джексон Поллок, Марк Ротко, Барнетт Ньюманн, Адольф Готтлиб. Летом 1959 года их произведения увидели молодые художники в Москве на выставке национального искусства США в парке «Сокольники». За два года до этого события современное мировое искусство было представлено на художественной выставке в рамках Всемирного фестиваля молодёжи и студентов. Информационный прорыв стал своеобразным символом духовной и социальной свободы[источник не указан 1384 дня]. Абстрактное искусство теперь ассоциировалось с внутренним освобождением от тоталитарного гнета кровавого режима, с иным мировосприятием[источник не указан 1384 дня]. Проблемы актуального художественного языка, новой пластической формы оказались неразрывно связаны с общественно-политическими процессами. Эпоха «оттепели» подразумевала особую систему взаимоотношений абстрактного искусства с властью. Начался новый этап в развитии советского абстракционизма — 1950—1970-е годы.

Для молодых советских художников, воспитанных в традициях академической системы и материалистического видения мира, открытие абстракции означало возможность воспроизведения личного субъективного переживания. Американские исследователи характеризовали абстрактный экспрессионизм как «жест освобождения от ценности политической, эстетической, моральной»[источник не указан 1384 дня]. Подобные чувства испытывали молодые живописцы в СССР, осмыслявшие незнакомое им актуальное искусство и одновременно строившие собственные формы сосуществования с властями или противостояния им. Рождался андеграунд, и среди художников-неформалов обращение к абстрактному искусству было общепринятым и широко распространённым.

В эти годы многие живописцы испытывали потребность в языке беспредметного искусства. Необходимость овладения формальным лексиконом зачастую связывалась не только с погружением в спонтанное творчество, но и с сочинением продуманных теоретических трактатов. Как и в начале века, для этих живописцев абстракция не означала отрицания разных уровней смысла. Современное европейское и американское абстрактное искусство опиралось на такие фундаментальные пласты, как исследование первобытного мифологического сознания, фрейдизм, начала экзистенциализма, восточные философии — дзен[источник не указан 1384 дня]. Но в условиях советской действительности художники абстракционисты не всегда могли достаточно полно и глубоко знакомиться с первоисточниками, они интуитивно находили ответы на волновавшие их проблемы[источник не указан 1384 дня] и, отвергая упреки в простом копировании западных образцов, серьёзно относились к собственной профессиональной репутации[источник не указан 1384 дня].

1950—1970

Возвращение абстрактного искусства в культурное пространство России не было всего лишь следствием изменения политического климата или имитацией художественных явлений Запада. Законы «саморазвития искусства» выстраивали «жизненно необходимые самому искусству» формы. Происходил «процесс реперсонализации искусства. Появилась возможность создания индивидуальных картин мира».[источник не указан 1384 дня] Последнее и вызвало мощную отрицательную реакцию на государственном уровне, долгие годы приучавшую рассматривать абстракционизм как «крайне формалистическое направление, чуждое правдивости, идейности и народности»[источник не указан 1384 дня], а произведения созданные абстракционистами, как: «Бессмысленное сочетание отвлеченных геометрических форм, хаотических пятен и линий».[источник не указан 1384 дня]

На протяжении почти тридцати лет (с конца 1950-х по 1988 год) разрабатывал собственный стиль абстрактного творчества Евгений Михнов-Войтенко, уникальный мастер по диапазону использованных методов. Разные периоды его работы отмечены множеством экспериментов в области живописи и декоративно-прикладного искусства; наследие художника включает графику, картины, выполненные в смешанной технике, нитроэмалью, пастелью, соусом, маслом, гуашью, темперой, а также произведения из дерева, металла, стекла, пенопласта.

Первым[источник не указан 1483 дня]неформальным художественным объединением периода «оттепели», развивавшим принципы абстрактного искусства, стала студия «Новая реальность», которой собралась вокруг Э. М. Белютина. Изначально студия функционировала в качестве курсов повышения квалификации при Горкоме художников графиков. Курс на общую либерализацию, заданный XX съездом, открывал перспективы для свободы творчества и художественных поисков. Однако выставка 1962 года в Манеже, резкая критика со стороны партии искусства художников «Новой реальности» и кампания против абстракционизма заставила художников уйти в подполье. На протяжении следующих 30 лет[4] студия непрерывно работала в мастерских в Абрамцево, в доме, принадлежавшем Белютину.

Разрабатывая принципы внефигуративного изображения, художники студии опирались как на опыт русских авангардистов начала века, так и на современных западных художников. Особенностью «Новой реальности» была установка на коллективную работу, к которой стремились футуристы начала XX века[5]. «Новая реальность» объединила московских художников, которые придерживались различных взглядов на методику построения абстракции. Художники Люциан Грибков и Тамара Тер-Гевондян работали в стиле, ближе всего примыкающему к абстрактному экспрессионизму[6]. Сохраняя элементы реальных форм в своих работах, они развивали категории выражения эмоциональных состояний посредством визуально-пластических ходов. Вера Преображенская, бывшая на протяжении долгого времени старостой студии и зафиксировавшая теорию и методику школы, прошла долгий путь от экспрессионизма через эстетику оп-арт к геометрической абстракции. Совместно с Элием Белютиным Преображенская занималась разработкой модулей-«психогранул», символов, которые выражали бы конкретные состояния и абстрактные понятия при помощи четких цвето-пластических решений[7]. Вера Преображенская говорила: «В моих картинах Бог — это почти всегда черный квадрат»[источник не указан 1384 дня]. В процессе работы со студийцами Элий Белютин сформировал теорию «всеобщей контактности», в которой выразил принципы развития творческого потенциала художника.

Из школы Белютина вышел Владислав Зубарев, первым разработавший принципы выражения категорий времени в живописи. Группа художников, увлеченных идеей времени, объединились под его началом в Студии «Темпоральная реальность». Способность выразить третье измерение в двухмерном жанре живописи стояло проблемой для художников, начиная со Ренессанса. В книге «Темпоральная реальность» Владислав Зубарев выделяет пять видов времени: изогнутое, реликтовое, субъективное, разорванное, плоское время. Для каждого из типов времени, по теории Зубарева, существует свой способ пластического выражения. В книге «Темпоральное искусство» и в программных циклах работ «Образы темпоральности» Зубарев привел своё учение о времени к единой системе[8].

Художники «Новой реальности» считали себя наследниками, в первую очередь, искусства Василия Кандинского. Родоначальник русской абстракции ориентировался на изображение мира духовного посредством пластического искусства. Их художественные поиски были обогащены и достижениями европейских абстракционистов середины века, частично возвращавших фигуратив в свои произведения уже в новом качестве оптической иллюзии или же фетиша.

Кандинский говорил, что: «Сознательно или бессознательно художники все больше обращаются к своему материалу, испытывают его, взвешивают на духовных весах внутреннюю ценность элементов, из которых надлежит создавать искусство»[источник не указан 1384 дня]. Сказанное в начале века вновь стало актуальным для следующих поколений живописцев. Во второй половине 1950-х появляется абстрактная скульптура, снабженная «электронным мозгом», — «Cysp I» Николя Шёффера. Александр Кальдер создает свои «стабили». Возникает одно из обособленных направлений абстракционизма — оп-арт. В то же время почти одновременно в Англии и США появляются первые коллажи, использующие этикетки массовых изделий, фотографии, репродукции и тому подобные предметы новой стилистики поп-арта.

Московская абстракция рубежа 1960-х, углубившись в поиски нового формообразования, соответствующего внутреннему состоянию «творческой озаренности», своего рода медитации, дала убедительные примеры собственного понимания культуры беспредметного. Например, в творчестве Владимира Немухина, Лидии Мастерковой, Михаила Кулакова, безусловно, увлеченных абстрактным экспрессионизмом, который они сумели наполнить высоким духовным напряжением. Иной тип абстрактного мышления демонстрировал наиболее последовательный в своей аналитической и практической работе Юрий Злотников, автор обширной серии «Сигналы», созданной в конце 1950-х. По словам художника: «Динамизм, ритм, ярко выраженные в геометрической абстракции», привели его к анализу: «Инамических представлений, заложенных в искусстве», и далее: «К изучению моторных реакций человека»[источник не указан 1384 дня]. В «Сигналах» художник исследовал «обратную связь» спонтанных психологических реакций на цветовые символы.

Следующий этап в развитии русской абстракции начинается в 1970-е годы. Это время знакомства современных художников с творчеством Малевича, с супрематизмом иконструктивизмом, с традициями русского авангарда, его теорией и практикой. «Первоэлементы» Малевича вызвали стабильный интерес к геометризированной форме, линейным знакам, пластическим структурам. «Геометрическая» абстракция позволяла приблизиться к проблемам, волновавшим мастеров 1920-х годов, почувствовать преемственность и духовную связь с классическим авангардом. Современные авторы открывали для себя труды русских философов и теологов, богословов и мистиков, приобщались к неисчерпаемым интеллектуальным источникам, которые в свою очередь наполняли новым смыслом творчество Михаила Шварцмана, Валерия Юрлова, Эдуарда Штейнберга.

Геометрическая абстракция легла в основу методов работы художников, объединившихся в начале 1960-х в группу «Движение». Среди её членов были Лев Нусберг, Вячеслав Колейчук, Франциско Инфантэ. Последний был особенно увлёчен супрематизмом. В «Динамических спиралях» Инфантэ занимался изучением модели бесконечной спирали в пространстве, внимательно анализировал: «Несуществующую пластическую ситуацию».

Американская живопись 1970-х гг. возвращается к фигуративности. Считается, что 1970-е это: «Момент истины для американской живописи, которая освобождается от питавшей её европейской традиции и становится чисто американской».[источник не указан 1384 дня]

Середину 1980-х годов можно рассматривать как завершение очередной стадии развития абстракции в России, накопившей к этому времени не только громадный опыт творческих усилий, осмысленную философскую проблематику, но и убедившейся в востребованности абстрактного мышления.

1990-е годы подтвердили особенный «русский путь» беспредметного искусства. С точки зрения развития мировой культуры абстракционизм как стилевое направление завершился в 1958 году. Однако в: «Постперестроенном российском обществе только теперь возникла потребность в равноправном общении с абстрактным искусством, появилось желание увидеть не бессмысленные пятна, но красоту пластической игры, её ритмов, проникнуть в их значение. Услышать, наконец, звучание живописных симфоний».[источник не указан 1384 дня] Художники получили возможность выражения в формах не только классических — супрематизма или абстрактного экспрессионизма, но лирической и геометрической абстракции, минимализме, скульптуре, объекте, рукотворной авторской книге, в бумажной массе, отлитой самим мастером.

Современный абстракционизм в живописи

Важным слагаемым современного языка абстракции стал белый цвет. Для Марины Кастальской, Андрея Красулина, Валерия Орлова, Леонида Пелиха пространство белого — высшего напряжения цвета вообще наполнено бесконечными вариативными возможностями, позволяющими использовать и метафизические представления о духовном, и оптические законы отражения света.

Пространство как понятийная категория обладает в современном искусстве разной смысловой нагрузкой. Например, существует пространство знака, символа, возникшего из глубины архаического сознания, иногда преображенного в структуру, напоминающую иероглиф. Существует пространство древних рукописей, образ которых стал своеобразным палимпсестом в композициях Валентина Герасименко.

В современном абстракционизме развивается сюжетное направление (Геннадий Рыбалко). При сохранении беспредметности абстрактное изображение строится так, что вызывает конкретные ассоциации — разного уровня абстрагирования: от предметной ситуации до философской уровня абстрактных категорий. С другой стороны, изображение может выглядеть как картина фантастического мира — абстрактный сюрреализм. Его ответвление — изображение объемных абстрактов.

org-wikipediya.ru


Смотрите также