Современный экспрессионизм. Marcos Terol. Картины экспрессионизм


Экспрессионизм в живописи: картины, художники

Почти одновременно с фовизмом в начале XX в. появился экспрессионизм. Название этого направления восходит к французскому слову expression — выразительность, выражение. Особенно ярко это течение проявилось в искусстве Германии и Австрии.

Возникновение и развитие экспрессионизма связано с деятельностью таких немецких художников, как Э. Нольде, М. Пехштейн, О. Дикс, К. Кольвиц.

Хотя экспрессионисты, как и фовисты, стремились к выразительности, их творчество отличалось повествовательностью и отсутствием интереса к изображению внешней красоты. Своими работами представители этого направления надеялись привлечь внимание публики к сложным проблемам современности. Стремление обнажить перед зрителем пороки общества, показать зло во всех его обличьях привело к появлению в произведениях многих экспрессионистов настроения разочарования и пессимизма. Для выражения своих чувств и эмоций художники использовали яркие, кричащие краски или темные оттенки, делающие картины мрачными и пугающими. Живописи большинства экспрессионистов свойственны резкие, неровные мазки и искаженные формы.

Как направление экспрессионизм завершил свое существование в 1933 г., когда к власти в Германии пришли нацисты. Гитлер заявил, что модернизм — «дегенеративное искусство», которое должно быть уничтожено.

Крупнейшим представителем немецкого экспрессионизма был Э. Нольде.

Эмиль Нольде

Эмиль Нольде (настоящая фамилия — Ханзен), немецкий живописец и график, родился в 1867 г. в местечке Нольде в Северном Шлезвиге.

В 1884-1888 гг. он обучался в Школе художественной резьбы во Фленсбурге. В 1898 г. поступил в мюнхенскую художественную школу Ф. Фера, а в 1899 г. стал учиться в академии Жюлиана в Париже. В 1900-х гг. художник посетил Швейцарию, Италию, Данию.

Большое влияние на становление Нольде как художника оказало искусство Тициана, Рембрандта, Ф. Гойи, Ж. Ф. Милле, О. Домье, А. Бёклина, а также творчество В. Ван Гога, П. Гогена, Э. Мунка. И конечно же, значительную роль в формировании его индивидуального стиля сыграла суровая природа севера Германии, где Нольде родился и вырос. Родители художника были очень бедны, и, чтобы заработать деньги на обучение, Нольде написал серию открыток, на которых изобразил величественные вершины гор в виде сказочных исполинов.

Из-за своего мрачного и нелюдимого характера Нольде, входивший в различные группировки художников, не задерживался в них надолго. Покинул он и объединения «Мост» и «Синий всадник». До конца жизни немецкий мастер оставался художником-одиночкой. Хотя его полные драматизма и эмоциональной напряженности работы являют собой яркий пример живописи экспрессионизма, сам Нольде никогда не считал себя экспрессионистом.

Значительное место в творчестве Нольде занимают графические работы. Большинству его гравюр присущи такие качества, как резкая цветовая и светотеневая контрастность, скульптурная выразительность форм. Все это делает графические образы Нольде мрачными и трагическими («Пророк», 1912).

Очень часто при написании произведений Нольде обращается к христианским сюжетам, которые позволяют создавать глубоко драматичные и полные экспрессии композиции («Тайная вечеря», 1909; «Троица», 1909). Мрачный мистицизм и удивительная реалистичность этих работ сближают их с произведениями мастеров немецкого Средневековья.

Основное средство для выражения эмоций и чувств у Нольде — это цвет. Хотя колорит многих его пейзажей ярок, он не создает ощущения радости и не делает изображение декоративным. С помощью цвета Нольде передает сущность предметов и явлений, внутреннее состояние человеческой души. Очень эмоциональны и лиричны ранние пейзажи Нольде — «Сад у Бурхарда» (1907), «Сад цветов» (1908).

Центральное место во многих пейзажах художник отводит изображению неба. Оно почти всегда грозное и суровое, покрытое тяжелыми облаками. В ландшафтах Нольде, пустынных и печальных, нет места человеку. Присутствие людей можно ощутить только по таким предметам, как одиноко стоящие мельницы, дома, лодки.

Множество работ Нольде посвящено большому городу. Образы в этих картинах намеренно снижены автором. Подобный прием часто используют и другие художники-экспрессионисты. Но, несмотря на некоторую натуралистичность, город Нольде кажется загадочным и таинственным («В ночном кафе», 1911; «За столом с вином», 1911).

В поисках ярких впечатлений в 1913-1914 гг. Нольде совершил путешествие в Новую Гвинею. Его маршрут проходил через Россию, Японию, Корею, Китай. Своеобразный облик чужих стран проявился в натюрмортах ипейзажах с человеческими фигурами («Тропическое солнце», 1914; «Семья», 1914; «Натюрморт», 1915).

Нольде не писал портреты своих современников, его интересовали отвлеченные образы — такие, как в картинах «Дьявол и ученый», «Брат и сестра».

Самое главное для художника — это человеческая душа, именно ее он и стремился отразить в своих произведениях.

Э. Нольде. В лимонном саду. 1923 г.

Э. Нольде. В лимонном саду. 1923 г.

В 1916 г. Нольде поселился в простом крестьянском доме в Северном Шлезвиге, недалеко от деревни, в которой он родился. В 1927 г. по его собственному проекту здесь был построен дом Зебюлль. Отсюда Нольде совершал поездки в Италию, Испанию, Швейцарию, Францию и Англию.

После прихода к власти в Германии нацистов 1106 работ художника было конфисковано. Часть из них фашисты сожгли. Нольде запретили заниматься творчеством. Он работал тайно, создавая главным образом акварельные натюрморты с цветами, пейзажи и загадочные композиции с человеческими фигурами («Море и красное солнце», «Мужчины и женщины»).

После смерти Нольде в 1956 г. согласно завещанию художника в Зебюлле был открыт музей — Фонд Ады и Эмиля Нольде.

Большую роль в развитии экспрессионизма сыграл австрийский живописец и график О. Кокошка.

Оскар Кокошка

Оскар Кокошка родился в 1886 г. в Пёхларне-на-Дунае. В 1905-1909 гг. учился в Вене в Школе прикладного искусства и работал в качестве графика в «Венской мастерской» — объединении мастеров прикладного искусства.

Обратиться к живописи художника убедил архитектор А. Лоос. Кокошка увлекся портретным жанром. В своих ранних портретах он стремился проникнуть в глубину внутреннего мира модели. Его произведения, выполненные с помощью неровных линий и мерцающих красок, очень эмоциональны («Адольф Лоос», 1909; «Ганс Титце и Эрика Титце-Конрат», 1909).

В 1909 г. Кокошка приехал в Берлин, где в журнале «Дер Штурм» были опубликованы его графические работы и драма«Убийца, надежда женщин».

В 1911 г. художник возвращается в Вену. Здесь он создает картины на религиозные сюжеты. Среди них — «Бегство в Египет» (1911-1912), «Благовещение» (1911). Традиционные для европейской живописи образы Кокошка трактует по-своему, внося в них элементы современной ему действительности и собственное мироощущение. Живописная фактура его полотен становится более плотной и весомой. В такой манере художник пишет не только евангельские композиции, но и портреты, и картины с символическим содержанием («Автопортрет с Альмой Малер», 1912-1913;«Буря, или Невеста ветра», 1914).

В 1914 г. художник отправляется на фронт, где вскоре получает тяжелое ранение. Физические и моральные страдания (разрыв с любимой женщиной) влияют на его живопись, в которой появляются печальные ноты. Темным становится колорит картин, плотной и густой — их фактура. Работы этого периода, написанные мазкими, напоминающими петли, жгуты, спирали, создают мрачное и трагическое ощущение («Эмигранты», 1916-1917;«Влюбленные с кошкой», 1917).

С 1917 г. Кокошка живет в Дрездене. В 1919-1924 гг. Он профессор дрезденской Академии художеств.

С 1924 по 1933 г. художник путешествует по странам Европы, Малой Азии и Северной Африки. В этот период он пишет главным образом пейзажи: виды городов и их окрестностей, порты («Венеция, лодки на таможне», 1924; «Побережье близ Довера», 1926; «Прага, Карлов мост», 1934). Своей воздушностью и трепетностью его ландшафты напоминают живопись художников-импрессионистов.

В 1933 г. Кокошка вернулся на родину — в Вену, а в 1934 г. поселился в Праге. В 1937 г. написана его знаменитая картина «Портрет «художника-вырожденца» — своеобразный вызов нацистам, развернувшим травлю мастеров «дегенеративного» искусства. В 1938 г. живописцу пришлось эмигрировать в Лондон. В английской столице Кокошка вместе с представителями прогрессивной интеллигенции выступил против милитаризма.

О. Кокошка. Прага, Карлов мост. 1934 г.

О. Кокошка. Прага, Карлов мост. 1934 г.

После окончания Второй мировой войны художник вновь отправился в путешествие по Европе. Впечатления, полученные во время поездок по европейским странам, отразились в полных света и воздуха пейзажах («Вид Зальцбурга», 1950). Не оставил Кокошка и портретный жанр. Он создал отмеченные тонким психологизмом образы своих современников («Теодор Хейс», 1950). В 1950-е гг. живописец обратился к античной тематике и написал два монументальных триптиха («Сага о Прометее», 1950; «Фермопилы», 1954).

Кокошка занимался и преподавательской деятельностью. В Зальцбурге он работал в летней Академии художеств. С 1953 г. художник жил на Женевском озере в Вильнёве. Здесь он и скончался в 1980 г.

istoriya-iskusstva.ru

: Познавательные заметки :: Галереи :: Клуб «Движ`Ok» :: Dviger.com

Конец XIX века оказался удивительно богат на различные события в искусстве. Политическая жизнь Европы переживала сильные потрясения, и неспокойная обстановка того времени не могла не повлиять на художников. Так, в Италии, которая в то время представляла собой памятник собственному былому величию, в качестве протеста против старой культуры зародился футуризм. Богатые традиции художественного формотворчества Франции привели к тому, что там зародился кубизм, а мирные островок спокойствия, которым в то время была Швейцария, оказался родиной дадаизма. Не осталась в стороне и Германия. Именно там, на рубеже XIX и XX веков зародилось и развилось одно из самых неоднозначных и разнообразных направлений в искусстве, которое позднее получило название «экспрессионизм».

Истоки экспрессионизма в изобразительном искусстве следует искать в богатстве и многообразии немецкой культуры, которая послужила основой этому направлению в искусстве. Во многом, ту точку зрения на искусство, которая оказалась ключевой для эстетики экспрессионизма, определил Фридрих Ницше. Его книга «Рождение трагедии, или Эллинство и пессимизм» (1871) обращает внимание на древнегреческое искусство, и в ней Ницше пытается по-новому его осмыслить. Философ выделяет 2 типа эстетического начала, которые он называет аполлиническим и дионисическим. Новый взгляд, который Ницше излагает в этой книге, во многом оспаривает традиционный немецкий подход, который трактует древнегреческое искусство оптимистически, воспринимая его светлое – аполлиническое начало. Ницше обращает внимание на другую Грецию – трагическую, опьяненную мифологией – дионисическую Грецию, и в этом он видит ее сходство с современной ему Европой. Дионисическое начало по Ницше – это опьянение, хаос, забвение, экстатическое растворение идентичности в массе. По мнению философа, дионическое и апполиническое начало, принципиально противоположные друг другу, при этом неразрывно связаны и всегда действуют вместе, борясь в каждом художнике и художественном произведении. Именно под влияние идеи дионисического хаоса чувств, вновь открытого Ницше, немецкие художники и литераторы воплощают в своих работах сильные эмоции и глубокие переживания.

Несмотря на то, что фигура Ницше является центральным фактором, который спровоцировал появление экспрессионизма, это было не единственной причиной рождение нового направления в искусстве. Дело в том, что для немецкого изобразительного искусства весьма характерен поиск эстетики уродства. Еще со времен средневековья немецкие художники каким-то волшебным образом могли находить прекрасное в отвратительном и красоту – в безобразном. Искусство экспрессионизма во многом опирается на опыт таких мастеров прошлого, как Кранах, Грюневальд, и даже Дюрер.

Кроме того, на живопись экспрессионизма также оказало влияние творчество готических мастеров, Эль Греко и Питера Брейгеля Старшего. Во многом, заново открывались художественные достоинства экзотического искусства Африки, Дальнего Востока и Океании – все это причудливо смешивалось, и превращалось в весьма самобытные картины экспрессионизма. Так же, в качестве своих предшественников многие художники-экспрессионисты называли французских постимпрессионистов, швейцарца Фердинанда Ходлера, норвежца Эдварда Мунка, и бельгийца Джеймса Энсора.

Впрочем, говоря об экспрессионизме в искусстве, следует помнить об одной особенности этого термина. Дело в том, что сначала под словом «экспрессионизм» понималась любая альтернатива импрессионизму. Позднее, по мере того, как общий вектор развития экспрессионизма в искусстве становился направленным более четко, значении этого слова становилось все более и более конкретным, поэтому раннее, широкое понимание экспрессионизма может отличаться от позднего конкретного значения этого направления в искусстве.

Возможно, что именно из-за этого экспрессионизм в живописи стал таким неоднозначным явлением. С одной стороны, художники-экспрессионисты не упускали любой возможности для громких декларации на тему рождения новой культуры. С другой стороны, представители экспрессионизма предлагали отказаться от действительности ради погружения в субъективные переживания. Культ индивидуализма в экспрессионизме в живописи странным образом сочетался с постоянным стремлением объединяться.

1. Эрнст Кирхнер. «Красная башня в галле».

Первым таким объединением стал образованный в 1905 году «Мост», в который вошло 4 художников-экспрессионистов. Ими стали студенты-архитекторы, слушатели Высшей технической школы Дрездена: Фриц Блейль, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуф. Будучи недовольными своим архитектурным образованием, они стали собираться для совместных сеансов рисования с натуры. Творческое объединение, которое они создали, отчасти напоминало средневековую цеховую коммуну – члены «Моста» вместе работали и жили. Предложенное Шмидт-Ротлуффом название «Мост» выражает стремление группы к объединению всех новых художественных течений и символически намекает, что творчество художников, входящих в группу, служит мостом в искусство будущего. В 1906 году к этому объединение присоединились новые художники. Ими стали Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, фовист Кес ван Донген и другие.

2. Эрих Хеккель. "Мельница".

Говоря о технике рисования картин экспрессионизма, то стоит упомянуть такие особенности экспрессионизма, как отказ от светотени и передачи пространства. Картины экспрессионизма – нарочито плоские, ведь таким образом они надеялись сконцентрироваться на передаче эмоций, а не сюжетов. Поверхность холстов кажется обработанной грубой кистью без всякой заботы об изяществе. Художники-экспрессионисты искали новые, агрессивные образы, стремились выразить средствами живописи тревогу, дискомфорт. Цвет, считали экспрессионисты, обладает собственным смыслом, способен вызывать определённые эмоции, ему приписывали символическое значение.

3. Карл Шмидт-Роттлуфф, "Натюрморт с горшком крокуса".

Экспрессионизм в изобразительном искусстве также открыл такие особенности живописи, как повышенное напряжение цветовых контрастов, выявление структурного костяка предметов, усиление энергетики формы путем деформации и использования открытых кричащих цветов. Гротескная передача лиц, поз и жестов изображенных фигур стала основой причудливой эстетики экспрессионизма, и позволила выделить сильные эмоции изображенных на полотнах образов.

4. Эмиль Нольде. "Возбужденные люди".

Первая выставка «Моста» состоялась в 1906 г. в помещении завода осветительной аппаратуры. И эта, и последующие выставки мало интересовали публику. Лишь экспозиция 1910 г. была снабжена каталогом. Однако начиная с 1906 г. «Мост» ежегодно издавал так называемые «папки», каждая из которых воспроизводила работы одного из членов группы. Постепенно члены «Моста» перебирались в Берлин, ставший центром художественной жизни Германии. Здесь они выставлялись в галерее «Штурм».

В 1913 г. Кирхнер опубликовал «Хронику художественного объединения «Мост»». Она вызвала резкое несогласие остальных «мостовцев», посчитавших, что автор слишком завысил оценку собственной роли в деятельности группы. В результате объединение официально прекратило свое существование.

Деятельность «Моста» оказала большое значение для развития экспрессионизма в изобразительном искусстве. Художники, входившие в это объединение, смогли по-новому осмыслить эстетику, и создать художественный стиль, который представлял собой принципиально новый подход к восприятию действительности. Говоря о русском экспрессионизме, нельзя не упомянуть Василия Васильевича Кандинского. Русский художник стал основателем нескольких художественных объединений: “Фаланга” (1901 — 1904 гг.), “ Новое мюнхенское художественное объединение” (1909—1911 гг.) и самое известное – “Синий всадник”. Издаваемый Кандинским альманах (а по сути, “Синий всадник” представлял собой не что иное, как редакторскую группу одноименного альманаха) ставил задачу доказать, что «вопрос формы в искусстве вторичен, первичен — вопрос содержания». Просуществовал альманах недолго – начало первой мировой войны помешало издать его второй выпуск. Несмотря на это, представители экспрессионизма, сплотившиеся вокруг «Синего всадника», заметно повлияли на развитие европейского искусства.

5. Василий Кандинский, "Композиция".

Экспрессионизм XX века часто испытывал гонения. Так, нацисты, пришедшие к власти в Германии, устроили чудовищную по степени своего цинизма акцию. В 1937 г. была организована большая выставка работ экспрессионистов и других представителей авангарда под названием «Дегенеративное искусство». Выставленные на ней картины экспрессионизма подлежали уничтожению.

6. Эдвард Мунк, "Волна".

Несмотря на все внутренние противоречия и особенности, экспрессионизм оказал громадное влияние на развитие изобразительного искусства. Полотна Кирхнера, Нольде, Модильяни, Мунка Кандинского и многих ярких представителей экспрессионизма изменили восприятие людей, сдвинули точку зрения и подготовили мир к восприятию нового, еще более причудливого и порой странного искусства.

 

http://www.vlasta-tula.ru/articles/show-26.htm

relax.dviger.com

Картины в стиле экспрессионизма на Gallereo

15,000

Радуга света

500,000

Гость

120,000

экспрессионизм

250,000

В цель

1,500

Возвращение

60,000

Под дождем

50,000

"Муха"

150,000

"Рыьа"

100,000

"Тмшина"

58,000

"Музыка"

17,000

Сан-Лео

100,000

"Незнайка и Синеглазка"

"Любительница кофе"

52,200

Скрытая истина

200,000

"Скрипка"

190,000

"Любительница кошек"

199,000

"Троица. Продолжение Чаепития"

150,000

"Чаепитие в Рассудово"

210,000

"Гамма. Семь обнажённых"

33,000

"Обнажённая №7. Си."

33,000

"Холодное лето 2017-го"

141,000

"Кампанелла"

60,000

"Брют. Мечтательница"

33,000

"Любители кофе. Памяти Григория."

90,000

"Холодное лето 2017-го"

80,000

"Аккордеонист"

25,000

Лилии в вазе

35,000

Королевские лилии

49,999

"Любительница кофе 2017"

10,000

Красные розы

"ЛЯ. Обнаженная №6"

"Обнажённая №4. ФА"

33,000

"Обнажённая №5. Соль"

33,000

"Обнажённая №1. До." холст, масло, 46*70.

"Обнажённая №3. Ми"

"Моя жена похожа на Жанну Эбютерн"

Обнажённая №2. РЕ.

"К вопросу об устойчивости человеческих...

"Кофе и Брют"

"Зелёный диван"

"Времена года"

Брют

50,000

"Танец"

90,000

"К вопросу о ценности человеческой жизни"

"Любительница кофе 2016"

180,000

Little miss,sweet dreams,R-O-D

30,000

Август

Единение

Путь к славе в полёте

Счастье всегда рядом

www.gallereo.ru

Экспрессионизм и кубизм. Живопись художников-экспрессионистов

Заметным явлением в сложной борьбе возникавших и сменявших друг друга формалистических направлений начала двадцатого века был экспрессионизм. Это течение, возникшее в 1905-1909 годах, не имевшее четкой определенной программы, провозглашало субъективные ощущения и подсознательные импульсы основой художественного творчества (художественные объединения "Мост", "Синий всадник"). Наибольшее распространение экспрессионизм получил на рубеже 1920-1930 годов в Германии и Австрии.

Экспрессионизм затем возродился во время второй мировой войны, и, собственно, был искусством духовной растерянности, отчаяния, безудержного пессимизма, анархического бунтарства, в основном мелкобуржуазного, индивидуалистического и мистического характера. Основными общими принципами экспрессионизма были сознательное искажение форм реального мира, стремление вызвать у зрителя физиологический страх перед окружающим его хаосом жизни, втянуть его в болезненную экспрессию переживаний художника. Деформация была связана с эстетизацией уродливого и выступала средством выражения протеста художника. Сложились различные ответвления экспрессионизма. Одни художники-экспрессионисты ушли в беспредметничество (В. Кандинский и др.), другие обратились к примитивизму (П. Пикассо, П. Клее, М. Шагал), некоторые воссоздавали действительность в виде кошмара или хаоса деформированных мятущихся образов (О. Кокошка, Ж. Руо). Однако были и такие, которые стремились передать напряженность внутреннего ощущения эпохи, создать духовно содержательное искусство, обнажающее трагизм жизни (Г. Гросс, О. Дике).

Однако изолированность от общественной борьбы, утрата веры в силу разума и прогресса лишили их возможности убедительно решать проблемы, поставленные перед искусством жизнью. Эстетизация уродства приводила к утрате способности создавать положительные образы. Далеко, не все художники-экспрессионисты, чье искусство несло на себе отпечаток кризиса гуманистических принципов, выступали как сознательные апологеты массовой культуры, некоторые из них (Пикассо, Леже, Марк, Кольвиц, Гуттузо) глубоко и искрение ощущали трагическую враждебность для искусства нравственных и этических норм и принципов, утверждаемых в обществе массовой культурой 20-го века. В своей основе течения экспрессионизма были стихийно нигилистическими и воплощали неопределенность субъективно бунтарских порывов художников.

Кубизм. Следующим этапом в формировании формалистической живописи был кубизм, возникший почти одновременно с фовизмом. Он зародился в 1907 году в Париже и был первым открыто формалистическим течением. Основоположники кубизма — художники-экспрессионисты Пикассо Пабло и Брак Жорж. Как уже упоминалось, художники-кубисты исходили из положения Сезанна о том, что в основе натуры лежат простые геометрические объемы — шар, цилиндр, конус, хотя сам Сезанн никогда не обнажал геометрической структуры предметов, лишь подразумевая ее при построении объемов. В картинах кубистов вещи разлагаются на составные части, на простейшие геометрические формы, образующие не предметы реальности, а произвольные схемы, «новую реальность», созданную «свободным воображением художника». Реальный мир с его многообразием форм поглощается геометрическими формами, удручающими тяжелой напряженностью, ритмическими диссонансами, острыми сдвигами плоскостей. Объемы изображаются с различных точек зрения и превращаются в механическую комбинацию отдельных частей. Действительность предстает в картине изломанной, распадающейся.

Главными критериями оценки произведения провозглашались конструктивность, геометрическое совершенство, а не его идейное эстетическое содержание. Отказ от передачи качественного своеобразия предметов реальной жизни привел художников к уходу в мир «чистых форм», где действует закон равновесия хаотических объемов, цветовых пятен и линейного ритма. Реальный мир обесцвечивается. Колористическое решение в ранний период кубизма ограничивалось условными, почти монохромными тонами — тяжело-коричневыми, серо-стальными, желто-зелеными, охристыми и белыми. В поисках так называемых «первоэлементов» вещей кубисты по существу отказывались от образа человека как объекта искусства вообще, от изучения его зримого облика, красоты его тела, как и от передачи чувств, идей и постижения общественного содержания жизни. Идеал «прекрасного человека», как и весь окружающий мир, разрушается из-за деформаций и дроблений форм. В кубизме нашло отражение антигуманистическое направление буржуазной культуры 20 века. Влияние кубизма на дальнейшее развитие формалистической живописи было велико.

Примитивизм (от лат. primitivus – первый, самый ранний), в изобразительном искусстве рубежа 19 – 20 веков сознательное, программное "опрощение" художественных средств, обращение с этой целью к формам так называемых примитивов – произведениям первобытного, средневекового, народного искусства, детскому творчеству и т.п. Обращение к примитивизму, стремление обрести в первозданных пластах жизни эмоциональную ясность, чистоту мировосприятия свойственны в искусстве конца 19 века творчеству П. Гогена и мастеров группы "Наби". К примитивизму также относят творчество "наивных художников", не получивших профессионального образования, но вовлеченных в общий художественный процесс (творчество А. Руссо во Франции).

Справочные и биографические данные "Галереи живописи Планеты Small Bay" подготовлены на основе материалов "Истории зарубежного искусства" (ред. М.Т.Кузьминой, Н.Л.Мальцевой), "Художественной энциклопедии зарубежного классического искусства", "Большой Российской энциклопедии".

smallbay.ru

Современный экспрессионизм. Marcos Terol

Современный экспрессионизм. Marcos Terol

Работу Терола можно описать как “современный экспрессионизм”. Его произведения представляют из себя смесь движений, ярких цветов и форм

Маркос Терол (Marcos Terol) - испанский, но предпочитающий называть себя "новым международным художником". Работу Терола можно описать как “современный экспрессионизм”. Его произведения маслом на холсте представляют из себя смесь энергичных движений, ярких цветов и форм, повторяющих фигуры и сцены из природы. Сосредотачиваясь  на естественной среде, Маркос находит гармонию и красоту в природе, фигуре человека и городских пейзажах.

Его студия находится в его доме на Коста дель Соль, между древним городом Малага и Гибралтаром, с видом на побережье, омываемое водами Средиземного моря. Его дом расположен между белыми рядами, типичных для Андалузии, домов и зелеными средиземноморскими соснами. Эта часть мира была заселена Финикийцами, римлянами, мусульманами и стала своеобразным плавильным котлом для культур со всего мира, которые пользовались её солнечными пейзажами. Он рисует как минимум 3 часа в день в своей студии с ярко освещенными окнами в сад и море.

Маркос окончил университет со степенью бакалавра наук по экономике, а затем изучал живопись в Мадриде. Более 10 лет он работал в качестве дизайнера интерьера, и эта работа стала отправной точкой для его карьеры в живописи. Ему нравится творчество современных художников, таких как Дэвид Хокни или Алекс Кац, но, вдохновение он черпает, всё же, в классике, в произведениях таких известных художников, как Джон Сингер Сарджент и Хоакин Сорола. Живопись Терола спонтанна, в ней он инстинктивно выражает свои сильные эмоции свои сильные чувства посредством нанесения краски, либо в виде тяжелого наложения красок густым слоем (импасто), либо в виде тонкой пленки.

Собственный стиль живописи Маркоса Терола сформировался из элементов из предыдущих стилей, особенно импрессионизма. Он использует цвет и структуры, чтобы создать сильные контрасты между светом и тенью.  Художник специализируется на средиземноморской и тропической растительности, которая окружает его в изобилии, городских пейзажах и фигурах людей, особенно, с изображением мотивов традиционного Андалузского фольклора.

Современный экспрессионизм. Marcos Terol - www.marcosterol.com Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol Современный экспрессионизм. Marcos Terol

www.risunoc.com


Смотрите также