18 самых странных картин мировой живописи. Картины необычные


Необычные картины

Искусство не имеет границ. Использовать человеческое тело в качестве холста уже давно стало модным и элитным направлением в современном искусстве — боди-арте. И конечно же, среди творцов этого направления есть настоящий гений, зовут его — Йоханнес Стоттер. Он не только разрисовывает человеческое тело, но и создает множество природных и философских образов. Как ты уже догадался, это одна из его работ.

стоттер йоханнес

На изображении выше Йоханнес замаскировал модель среди груды камней. Он сделал это так умело, что не каждый сможет разглядеть на фотографии женщину. Черпая вдохновение в природных фактурах, пользуясь палитрой животного и растительного мира и отдавая всю душу любимому ремеслу, Стоттер создает реалистичные боди-арт-объекты. Редакция «Так Просто!» просто в восторге от его работ! И мы с огромным удовольствием ознакомим тебя с ними.

стоттер йоханнес

Необычные картины

Йоханнес Стоттер родился в Италии в 1978 году и огромную часть жизни посвятил музыке. Но в начале 2000-х он кардинально меняет направление своей деятельности и уже в 2010 году его талант замечают на Европейском чемпионате по боди-арту.

стоттер йоханнес

стоттер йоханнес

В 2012 году работы именно этого художника были признаны лучшими в мире. Он не просто расписывает тела, используя при этом кисти и губку, но и конструирует из них необходимые формы. Тогда лучшей работой мастера было признано изображение тропической лягушки. Оно состоит из пяти человеческих тел, расписанных с потрясающей достоверностью. Сложно понять, где заканчивается фигура одной модели и начинается тело другой. Невероятно!

искусство боди арта

Как же тонко человек чувствует природу!

искусство боди арта

искусство боди арта

Йоханнес Стоттер с невероятной точностью передает объем и фактуру всех элементов. Модели действительно сливаются с животными.

искусство боди арта

искусство боди арта

Достаточно много у Стоттера и философских по своему содержанию работ, в которых он с помощью рисунка на теле анализирует взаимосвязь человечества со Вселенной и размышляет о месте человека в бесконечности этого мира.

искусство боди арта

бодиарт на женском теле

бодиарт на женском теле

бодиарт на женском теле

Йоханнес Стоттер способен соединить человеческое тело с ландшафтом, слить его в одно целое со стволами деревьев, листьями, плодами, цветами, превращая кожу то в древесную кору, то в часть растрескавшейся от жары почвы.

бодиарт на женском теле

необычный боди арт

необычный боди арт

необычный боди арт

необычный боди арт

необычный боди арт

необычный боди арт

Как же здорово, что в мире есть настолько талантливые люди! Поделись работами этого потрясающего художника со своими друзьям в соцсетях.

takprosto.cc

Самые странные картины

Изобразительное искусство способно подарить целую гамму эмоций. Некоторые картины заставляют вглядываться в них часами, другие же буквально шокируют, изумляют и взрывают мировоззрение. Есть такие шедевры, которые заставляют задуматься и искать тайный смысл. Некоторые картины окутаны мистическими загадками, в других же главное - их непомерно высокая цена.

В истории мировой живописи странных картин немало. В нашем рейтинге умышленно не будет упоминать Сальвадора Дали, который был мастером в таком жанре и чье имя первым приходит на ум. И хотя само понятие странности носит субъективный характер, можно выделить те известные работы, которые явно выбиваются из общего ряда.

Эдвард Мунк "Крик". Работа размером 91х73,5 см была создана в 1893 года. Мунк писал ее маслом, пастелью и темперой, сегодня картина хранится в Национальной галерее Осло. Творение художника стало знаковым для импрессионизма, это вообще одно из самых известных на сегодня картин в мире. Сам Мунк так поведал историю ее создания: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями. В это время солнце садилось. Вдруг небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор. Я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я все стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Есть две версии толкования смысла нарисованная. Можно считать, что изображенный персонаж охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижав руки к ушам. Другая же версия гласит, что человек закрыл свои уши от кричащего вокруг него крика. Всего Мунк создал целых 4 версии "Крика". Некоторые специалисты считают, что эта картина является классическим проявлением того маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. Когда Мунк пролечился в клинике, к этому полотну он уже не возвращался.

Поль Гоген "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?". В бостонском музее изящных искусств можно найти эту работу импрессиониста размером 139,1х374,6 см. Написана она маслом на холсте в 1897-1898 годах. Эта глубокая работа была написана Гогеном на Таити, куда он удалился от суеты парижской жизни. Картина стала настолько важной для художника, что по ее окончании он даже хотел покончить с собой. Гоген считал, что она на голову лучше всего, что он создал до этого. Художник полагал, что не сможет уже создать что-то лучшее или похожее, ему просто не к чему больше стремиться. Гоген прожил еще 5 лет, доказав истинность своих суждений. Сам он говорил, что его главную картину надо рассматривать справа налево. На ней присутствуют три основные группы фигур, которые и олицетворяют те вопросы, которыми озаглавлено полотно. Три женщины с ребенком показывают начало жизни, в середине люди символизируют зрелость, старость же представлена пожилой женщиной, которая ждет своей смерти. Кажется, что она смирилась с этим и думает о чем-то своем. У ее ног расположилась белая птица, символизирующая бессмысленность слов.

Пабло Пикассо "Герника". Творение Пикассо хранится в мадридском музее королевы Софии. Большая картина размером 349 на 776 см написана маслом на холсте. Это полотно-фреска была создана в 1937 году. Картина рассказывает о налете фашистских летчиков-добровольцев на город Герника. В результате тех событий город с населением в 6 тысяч человек был полностью стерт с лица земли. Эту картину художник создал буквально за месяц. В первые дни Пикассо творил по 10-12 часов, в первых же его набросках уже просматривалась главная идея. В итоге картина стала одной из лучших иллюстраций всех ужасов фашизма, жестокости и человеческого горя. В "Гернике" можно рассмотреть сцена зверства, насилия, смерти, страданий и беспомощности. Хотя причины такого явно не указаны, они ясны из истории. Говорят, что в 1940 году Пабло Пикассо в Париже даже вызывали в Гестапо. Его сразу же спросили: "Вы это сделали?". На что художник ответил: "Нет, это сделали Вы".

Ян ван Эйк "Портрет четы Арнольфини". Эта картина была написана в 1434 году маслом по дереву. Размеры шедевра составляют 81.8х59.7 см, а хранится он в Лондонской национальной галерее. Предположительно на картине изображен Джованни ди Николао Арнольфини вместе со своей супругой. Работа является одной из самых сложных в западной школе живописи времен Северного Возрождения. В этой знаменитой картине огромное количество символов, аллегорий и различных зацепок. Чего стоит только подпись художника "Ян ван Эйк был тут". В итоге картина является не просто произведением искусства, а настоящим историческим документом. Ведь на ней изображено реальное событие, которое запечатлел ван Эйк. Эта картина в последнее время стала очень популярна в России, ведь невооруженным взглядом заметно сходство Арнольфини с Владимиром Путиным.

Михаил Врубель "Демон сидящий". В Третьяковской галерее хранится этот шедевр Михаила Врубеля, написанный им маслом в 1890 году. Размеры холст - 114х211 см. Изображенный тут демон удивляет. Он предстает грустным юношей с длинными волосами. Обычно люди не так представляют злых духов. Сам же Врубель о своем самом знаменитом полотке говорил, что в его понимании демон не столько злобный дух, сколько страдающий. При этом нельзя отказать ему во властности и величавости. Демон Врубеля является образом, прежде всего духа человека, царящей внутри нас постоянной борьбы с самим собой и сомнений. Это существо в окружении цветов трагически сцепило руки, его огромные глаза с грустью смотрят вдаль. Вся композиция выражает стеснение фигуры демона. Он будто бы зажат в этом образе между верхом и низом рамы картины.

Василий Верещагин "Апофеоз войны". Картина была написана в 1871 году, но в ней автор словно бы предвидел ужасы будущих Мировых войн. Холст размером 127х197 см хранится в Третьяковской галерее. Верещагин считается одним из самых лучших баталистов в российской живописи. Однако войны и сражения он писал отнюдь не потому, что любил их. Художник средствами изобразительного искусства пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин даже пообещал больше не писать батальных картин. Ведь горе каждого раненного и убитого солдата художник воспринимал слишком близко к сердцу. Результатом такого проникновенного отношения к этой тематике и стал "Апофеоз войны". Страшная и завораживающая картина изображает гору человеческих черепов на поле с воронами вокруг. Верещагин создал эмоциональное полотно, за каждым черепом в огромной груде прослеживается история и судьба личностей и близких им людей. Сам художник саркастически называл эту картину натюрмортом, ведь на нем изображена мертвая природа. Все детали "Апофеоза войны" кричат о смерти и пустоте, это видно даже в желтом фоне земли. А синева неба только подчеркивает смерть. Идея ужасов войны подчеркивает дырками от пуль и следами сабель на черепах.

Грант Вуд "Американская готика". Эта небольшая картина имеет размера 74 на 62 см. Она была создана в 1930 году, а сейчас хранится в Чикагском институте искусств. Картина является одним из самых известных примеров американского искусства прошлого века. Уже в наше время имя "Американской готики" часто упоминается в СМИ. Картина изображает довольно мрачного отца и его дочь. Многочисленные детали рассказывают о суровости, пуританстве и закостенелости этих людей. У них недовольные лица, посередине картины оказались агрессивные вилы, а одежда пары является старомодной даже по меркам того времени. Даже шов на одежде фермера повторяет форму вил, удваивая угрозу тем, кто посягнет на его образ жизни. Детали картины можно изучать бесконечно, физически ощущая дискомфорт. Интересно, что в свое время на конкурсе в Чикагском институте искусств картина была принята судьями, как юмористическая. А вот жители Айовы обидели на художника за то, что он выставил их в таком неприглядном ракурсе. Моделью для женщины выступила сестра Вуда, а вот прототипом сердитого мужчины стал зубной врач живописца.

Рене Магритт "Влюбленные". Картина была написана в 1928 году маслом на холсте. При этом существует два ее варианта. На одном из них мужчина и женщина целуются, вот только их головы закутаны белой тканью. На другой версии картины влюбленные смотрят на зрителя. Нарисованное и удивляет, и завораживает. Фигуры без лиц символизируют слепоту любви. Известно, что влюбленные не видят никого вокруг, мы же не можем разглядеть их истинных чувств. Даже друг для друга эти люди, ослепленные чувством, на самом деле загадка. И хотя основной посыл картины и кажется понятным, "Влюбленные" все равно заставляют смотреть на них и думать о любви. У Магритта вообще почти все картины являются ребусами, разгадать которые полностью невозможно. Ведь эти полотна ставят главные вопросы о смысле нашей жизни. В них художник говорит об иллюзорности того, что мы видим, о том, что вокруг нас много таинственных вещей, которых мы стараемся не замечать.

Марк Шагал "Прогулка". Картина была написана маслом на холсте в 1917 году, сейчас она хранится в Государственной Третьяковской Галерее. В своих работах Марк Шагал обычно серьезен, но тут он позволил себе проявить чувства. Картина выражает личное счастье художника, в ней полно любви и аллегорий. Его "Прогулка" является автопортретом, где Шагал изобразил рядом с собой свою супругу Беллу. Его избранница парит в небе, она вот-вот утащит туда и художника, который и так почти уже оторвался от земли, касаясь ее только кончиками обуви. В другой руке мужчины - синица. Можно сказать, что так Шагал изобразил свое счастье. У него и журавль в небе в виде любимой женщины, и синица в руках, под которой он подразумевал свое творчество.

Иероним Босх "Сад земных наслаждений". Этот холст размером 389х220 см хранится в испанском музее Право. Босх написал картину маслом на дереве в 1500-1510 годы. Это самый знаменитый триптих Босха, хотя картина и имеет три части, названа она по имени центральной, посвященной сладострастию. Вокруг смысла странной картины постоянно ведутся споры, нет такого ее толкования, которое бы признали единственно верным. Интерес к триптиху появляется из-за множества мелких деталей, которыми и выражена главная идея. Есть тут полупрозрачные фигуры, необычные сооружения, чудовища, воплотившиеся ночные кошмары и видения и адские вариации реальности. На все это художник смог взглянуть острым и испытующим взглядом, сумев соединить непохожие элементы в единое полотно. Некоторые исследователи пытались увидеть в картине отображение человеческой жизни, которую автор показал тщетной. Другие нашли образы любви, кто-то обнаружил торжество сладострастия. Однако сомнительно, что автор пытался прославить плотские наслаждения. Ведь фигурки людей изображены с холодной отстраненностью и простодушием. Да и церковные власти довольно благосклонно отнеслись к этой картине Босха.

Густав Климт "Три возраста женщины". В Римской Национальной галерее современного искусства располагается эта картина. Квадратное полотно шириной 180 см было написано маслом на холсте в 1905 году. Эта картина выражает одновременно и радость, и печаль. Художник в трех фигурах смог показать всю жизнь женщины. Первая, еще ребенок, крайне беззаботная. Зрелая женщина выражает умиротворение, а последний возраст символизирует отчаяние. При этом средний возраст органично вплетен в жизненный орнамент, а старый заметно выделяется на его фоне. Явный контраст между молодой женщиной и пожилой является символом. Если расцвет жизни сопровождается многочисленными возможностями и изменениями, то последняя фаза - это закоренелое постоянство и конфликт с действительностью. Такая картина привлекает внимание и заставляет задуматься о замысле художника, его глубине. В ней вся жизнь с ее неизбежностью и метаморфозами.

Эгон Шиле "Семья". Этот холст размером 152.5х162.5 см написан маслом в 1918 году. Ныне он хранится в венском "Бельведере". Учителем Шиле являлся сам Климт, однако ученик вовсе не старался его старательно копировать, ища свои методы выражения. Можно смело утверждать, что работы Шиле еще куда более трагичные, пугающие и странные, чем у Климта. Некоторые элементы сегодня назвали бы порнографическими, есть тут множество разных перверсий, во всей красоте присутствует натурализм. При этом картины буквально пронизаны каким-то щемящим отчаянием. Вершиной творчества Шиле и его самой последней картиной является "Семья". В этом полотне отчаяние доведено к максимуму, при этом само произведение для автора оказалось наименее странным. После того, как от испанского гриппа скончалась беременная жена Шиле, и незадолго до его смерти был создан этот шедевр. Между двумя смертями прошло всего 3 дня, их хватило художнику, чтобы изобразить себя с супругой и своего, так и не рожденного ребенка. На тот момент Шиле было всего 28 лет.

Фрида Кало "Две Фриды". Картина появилась на свет в 1939 году. Мексиканская художница Фрида Кало стала известна после выхода в свет кинокартины о ней с Сальмой Хайек в главной роли. В основе творчества художницы лежали ее автопортреты. Сама она объясняла этот факт так: "Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего". Интересно, что ни на одном из своих полотен Фрида не улыбается. Ее лицо серьезно, даже в чем-то скорбно. Сросшиеся густые брови и едва заметные усики над сжатыми губами выражают максимальную серьезность. Идеи же картин кроются в фигурах, фоне и деталях того, что окружают Фриду. Символика картин опирается на национальные традиции Мексики, тесно переплетаясь со старой индейской мифологией. "Две Фриды" является одной из самых лучших картин мексиканки. В ней оригинальным образом отображены мужское и женское начало, имеющих единую кровеносную систему. Таким образом, художница показала единство и целостность этих двух противоположностей.

Клод Моне "Мост Ватерлоо. Эффект тумана". В Санкт-Петербургском Эрмитаже можно найти эту картину Моне. Она была написана маслом на холсте в 1899 году. При близком рассмотрении картины она предстает фиолетовым пятном с нанесенными на него густыми мазками. Однако отдаляясь от полотна, зритель понимает всю его магию. Сперва становятся видны неясные полуокружности, проходящие по центру картины, проявляются очертания лодок. А с расстояния в пару метров можно увидеть уже все элементы картины, которые связываются в логическую цепочку.

Джексон Поллок "Номер 5, 1948". Поллок является классиком жанра абстрактного экспрессионизма. Его самая известная картина является на сегодня самой дорогой в мире. А нарисовал ее художник в 1948 году, просто разливая масляную краску по фибролиту размером 240х120 см полу. В 2006 году эта картина была продана на аукционе "Сотбис" на 140 миллионов долларов. Предыдущий хозяин, коллекционер и кинопродюсер Дэвид Гиффен, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. Поллок говорил, что решил отойти от таких привычных инструментов художника, как мольберт, краски и кисти. Его инструментами стали палочки, ножи, совки и льющаяся краска. Он использовал также смесь ее с песком или даже битое стекло. Начиная творить. Поллок отдается вдохновению, не осознавая даже, что делает. Только потом приходит осознание совершенного. При этом у художника нет страха разрушить образ или изменить его ненароком - картина начинает жить собственной жизнью. Задача Поллока - помочь ей родиться, выйти наружу. А вот если мастер потеряет контакт со своим творением, то на выходе получится хаос и грязь. В случае успеха картина воплотит в себе чистую гармонию, легкость получения и воплощения вдохновения.

Жоан Миро "Мужчина и женщина перед кучей экскрементов". Эта картина ныне хранится в фонде художника в Испании. Она написана маслом на листе меди в 1935 году всего за неделю с 15 по 22 октября. Размер творения всего 23х32 см. Несмотря на такое провокационное название, картина говорит об ужасах гражданских войн. Сам автор, таким образом, изобразил события тех лет, происходящие в Испании. Миро попытался показать период беспокойства. На картине можно рассмотреть неподвижных мужчину и женщину, которые, тем не менее, тянутся друг к другу. Полотно насыщено зловещими ядовитыми цветами, вместе с увеличенными половыми органами это выглядит нарочито отвратительно и гадливо сексуально.

Яцек Йерка "Эрозия". В работах этого польского неосюрреалиста картины действительности, переплетаясь, порождают новую реальность. В чем-то даже умилительные картины являются крайне детальными. В них чувствуются отголоски сюрреалистов прошлого, от Босха до Дали. Йерка рос в атмосфере средневековой архитектуры, чудом уцелевшей после бомбежек Второй мировой войны. Рисовать он начал еще до поступления в университет. Там попытались было изменить его стиль на более современный и менее детализированный, но сам Йерка сохранил свою индивидуальность. Сегодня его необычные картины выставляются не только в Польше, но и в Германии, Франции, Монако, США. Есть они в ряде коллекций по всему миру.

Билл Стоунхэм "Руки противятся ему". Картина, написанная в 1972 году классикой живописи назвать тяжело. Однако нет никаких сомнений, что она входит в число самых странных творений художников. На картине изображен мальчик, рядом с ним стоит кукла, а сзади к стеклу прижаты многочисленные ладошки. Это полотно странное, загадочное и в чем-то мистическое. Оно уже обросло легендами. Говорят, что из-за этой картины кто-то умер, а дети на ней - живые. Выглядит она и вправду жутковато. Неудивительно, что людям с больной психикой картина навевает страхи и жуткие фантазии. Сам же Стоунхэм заверял, что нарисовал самого себя в возрасте 5 лет. Дверь же за мальчиком является барьером между реальностью и миром сновидений. Кукла же является проводником, которая может проводить ребенка из одного мира в другой. Руки же являются альтернативными жизнями или возможностями человека. Картина стала знаменитой в феврале 2000 года. Ее выставили на продажу на eBay, поведав, что на ней есть привидения. В итоге "Руки противятся ему" была куплена за 1025 долларов Кимом Смит. Вскоре покупатель был буквально завален письмами со страшными историями, связанными с картиной, и требованиями уничтожить это полотно.

www.molomo.ru

18 самых странных картин мировой живописи

Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то - затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые - удивляют непомерной ценой.

AdMe.ru тщательно просмотрел все главные достижения в мировой живописи и выбрал из них два десятка самых странных картин. В подборку не вошли картины Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум.

"Крик"

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастельНациональная галерея, Осло

"Крик" считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире. Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре версии "Крика", и есть версия, что картина эта - плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

"Я шел по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу", - говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

"Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?"

Поль Гоген. 1897-1898, холст, маслоМузей изящных искусств, Бостон

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево - три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, "старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям", у ее ног "странная белая птица... представляет бесполезность слов".

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что: "Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее". Он прожил еще 5 лет, так и получилось.

"Герника"

Пабло Пикассо. 1937, холст, маслоМузей королевы Софии, Мадрид

"Герника" представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. "Это сделали вы?" - "Нет, это сделали вы".

Огромное полотно-фреска "Герника", написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц - первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя."Портрет четы Арнольфини"

Ян ван Эйк. 1434, дерево, маслоЛондонская национальная галерея, Лондон

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками - вплоть до подписи "Ян ван Эйк был здесь", что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.

Портрет, предположительно, Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения. В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

"Демон сидящий"

Михаил Врубель. 1890, холст, маслоТретьяковская галерея, Москва

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчеркивает стесненность фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: "Демон - дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый".

"Апофеоз войны"

Василий Верещагин. 1871, холст, маслоГосударственная Третьяковская галерея, Москва

Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно "натюрмортом" - на нем изображена "мертвая природа". Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею "Апофеоза войны" выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин - один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: "Больше батальных картин писать не буду - баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого". Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина "Апофеоз войны", на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.

"Американская готика"

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 смЧикагский институт искусств, Чикаго

Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта. "Американская готика" - один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий. Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли "Готику" как "юмористическую валентинку", а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

"Влюбленные"

Рене Магритт. 1928, холст, масло

Картина "Влюбленные" ("Любовники") существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом - "смотрят" на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные - загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта - это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

"Прогулка"

Марк Шагал. 1917, холст, маслоГосударственная Третьяковская галерея

"Прогулка" - это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица - он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе. Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

"Сад земных наслаждений"

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, маслоПрадо, Испания

"Сад земных наслаждений" - самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму ее тщеты и образы земной любви, другие - торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

"Три возраста женщины"

Густав Климт. 1905, холст, маслоНациональная галерея современного искусства, Рим

"Три возраста женщины" одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая - выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя - неизменное постоянство и конфликт с реальностью. Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

"Семья"

Эгон Шиле. 1918, холст, маслоГалерея "Бельведер", Вена

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния. "Семья" - его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это - наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от "испанки" умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет, спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и не рожденного ребенка.

"Две Фриды"

Фрида Кало. 1939

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма "Фрида" с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: "Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего". Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи ее картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. В одной из лучших картин - "Две Фриды" - она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

"Мост Ватерлоо. Эффект тумана"

Клод Моне. 1899, холст, маслоГосударственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большое расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

"Номер 5, 1948"

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита - самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. "Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получаются грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь".

"Мужчина и женщина перед кучей экскрементов"

Жоан Миро. 1935, медь, маслоФонд Жоана Миро, Испания

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн. Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятия, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как "полные отвращения и гадливой сексуальности".

"Эрозия"

Яцек Йерка

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну - для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней.

"Руки противятся ему"

Билл Стоунхэм. 1972

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная - это факт. Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От "из-за этой картины умирают" до "дети на ней живые". Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов. Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь - представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла - проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности. Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина - "с привидениями". "Руки противятся ему" купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

mix.tn.kz

Очень необычные картины | Творчество

23.06.2012 · 01:40

Время от времени натыкаюсь на различные статьи о необычных картинах, необычные они тем что создаются из различных материалов. Это повод написать статью, но не о каждом художнике в отдельности, а собрать всех их вместе в некую таблицу оригинальности и уникальности.

При просмотре этих работ возник вопрос: “А какие причины возникновения таких работ?”, что заставляет художников прибегать к необычным способам создания картин. Может мир искусства 21 века перенасыщен классическими произведениями. Говорят что когда возникает потребность и спрос, то появляется и предложение. Значит людей сегодняшнего времени трудно чем либо удивить и художникам приходится поражать и удивлять креативным подходом к творчеству и искусству, ангелы и мифы на потолках в облаках, скульптура Венеры и творение Микеланджело «Давид»  это в прошлом?!

Или это такое проявление современных художников, чтоб на фоне других выделиться, прославиться и получить известность. А может действительно все уже нарисовано и все в поиске новых идей. И современным художникам остается только включить свою фантазию и бегом воплощать в жизнь, используя все что под рукой, любые ненужные вещи. Так или иначе, а время от времени появляются все новые и новые необычные картины из необычных материалов.

Итак, из чего же создают художники свои картины?!

  1. На первом месте я бы поставила картины из мусора художника Зака Фримена. Он собирает  мусор в корзинах офисов и клеит их на деревянную основу.
  2. На втором месте  Американский художник из Японии Куми Ямашита (Kumi Yamashita), который создает свои необычные картины используя только светлую деревянную поверхность, гвозди и темную нить. Художник  использует одну нить для всего изображения, нить не содержать узелков в работах.
  3. На третьем месте художница Эрика Ирис Симонс (Erika Iris Simmons), которая  создает портреты известных людей из материалов имеющих непосредственное отношение к их деятельности. Если это актер, то портрет из кинопленки, если музыкант, то из пленки из аудиокассеты, портрет классика из нот, или бейсболиста из волокон бейсбольного мяча.
  4. На четвертом месте художник Эндрю Майерс, который пишет свои необычные картины при помощи шурупов. Вкручивает он их в фанерную доску на разную длину, создавая при этом 3D эфект.
  5. На пятом месте Дэвид С. Палмер (David S. Palmer) который  рисует портреты застреленных знаменитостей на обратной стороне патронов, сочетая тем самым в своем творчестве скульптуру и живопись.
  6. И на шестом месте художник Маркус Левин (Marcus Levine)и его необычные работы созданные при помощи гвоздей и молотка.

Возникает вопрос: какая же польза именно от таких работ, чем созерцание таких необычных картин отличается от классического искусства? Ответ, скорее всего, у каждого смотрящего, свой. Кто-то вдохновляется на свершение необычного в своей жизни, или восхищается креативностью и смелостью творящего. Может многие воспримут эти работы лишь как очередную  вспышку фантазии и воображения творческих натур и повод высказать критику в адрес художников или повод обсудить на виртуальных просторах интернет страниц.

Несмотря на всю красоту этих необычных картин, я остаюсь приверженцем классической живописи и искусства. Хотя представленные работы мне по своему нравятся, особенно их идейность. И еще раз убеждаюсь что сотворить можно все что угодно и это будет принято народом, если ты тотально увлечен своим творчеством и веришь в себя!

 

© 2012 – 2013, https:. Все права защищены. Копирование материалов сайта допускается только с указанием активной ссылки на сайт.

Вам будет интересно:

Опубликовать в Facebook

tworismelo.com


Смотрите также