Феномен постимпрессионизма. Картины постимпрессионистов


Музей русского импрессионизма в Москве. 7 картин, которые стоит увидеть

Этюд Серова

Считается, что в живописи импрессионизм неизбежен. Он всегда приходит на смену классицизму. Он всегда предшествует авангарду. Импрессионизм – это переход от жёстких догм и строгих нравов к свободомыслию и буйству фантазии.

Ярче всего увлечение импрессионизмом прошло во Франции. Все знают импрессионизм американский, английский.

А вот русский импрессионизм прошёл незаметно. Как эпизод. Работ чисто импрессионистских откровенно мало. Скорее есть картины с элементами этого стиля. И таких работ в музее русского импрессионизма около 80.

Музей однозначно интересный. Хотя неожиданный. Нет в России музея русского авангарда. Хотя весь мир знает Кандинского, Малевича. А музей  русского импрессионизма теперь есть.

Вот лишь 7 картин музея, перед которыми однозначно стоит задержаться.

1. Константин Коровин. В парке. 1880 г.

Картины Константина Коровина

Константин Коровин. В парке. 1880 г. Музей русского импрессионизма

Константин Коровин – импрессионист “до мозга костей”. Он писал картины в этом стиле на протяжении всей своей жизни. Причём пришёл он к этому стилю сам.

Как-то его учитель Василий Поленов воскликнул “А вы, оказывается, импрессионист!” Коровин сильно удивился такому определению. Ведь он никогда до этого работ импрессионистов не видел.

Картина “В парке” создана, когда Коровин ещё был студентом Московского училища живописи. В ней уже прослеживается импрессионистская манера. Написана она широкими мазками. А фигура “не растворяется” в атмосфере лишь за счёт яркой одежды.

Хотя лишь через 3 года он напишет свою знаменитую “Хористку”. Именно эта работа, созданная на открытом воздухе, будет признана первой картиной русского импрессионизма.

О мастере читайте подробнее в статье “Константин Коровин. Наш импрессионист”.

2. Валентин Серов. Окно. 1887 г.

Этюд Серова

Валентин Серов. Окно. 1887 г. Музей русского импрессионизма, Москва.

“Окно” Валентина Серова – это этюд. Так художник готовился к созданию картины “У окна” – портрета своей возлюбленной Ольги Трубниковой.

Картина получилась невероятно воздушной и свежей. Она напомнила мне работы Берты Моризо, одной из самых выдающихся женщин-импрессионистов. Она тоже писала в таком этюдном стиле. Милая небрежность и незаконченность только радует глаз. Как будто мы смотрим на окно, а все остальное размывается, так как мы видим это периферийным зрением.

Картина очень согласуется со словами самого Серова “В нынешнем веке пишут все тяжёлое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного и буду писать отрадное”.

О главном шедевре мастера читайте в статье «Девочка с персиками. Жизнь и талант Серова в одной картине».

3. Константин Юон. Ворота Ростовского Кремля. 1906 г

Картины Константина Юона

Константин Юон. Ворота Ростовского Кремля. 1906 г. Музей русского импрессионизма, Москва

Константин Юон был всегда успешен. Уже на студенческих выставках его работы хвалили. Их охотно покупали. На вырученные деньги он путешествовал по Европе. Там он и познакомился с работами Моне, Сислея и Писсарро.

Его Ростовский кремль заполняет все пространство картины. Стены выложены крупными мазками. И он как будто немного не в фокусе. Всем этим он напоминает Руанский собор Клода Моне.

Удивительно, что в зрелые годы Юон, наоборот, будет недолюбливать импрессионистов. И высмеивать тех, кто стремился писать на французский манер, когда по его словам “на Волге рисуется розовая почва, похожую на ту, что на Гаити рисовал Гоген”.

4. Борис Кустодиев. Венеция. 1913 г.

Венеция Кустодиева

Борис Кустодиев. Венеция. 1913 г. Музей русского импрессионизма

Бориса Кустодиева сложно назвать импрессионистом. Но его роднит с этим направлением присущее ему жизнелюбие. Его картины очень позитивны и красочны.

На картине “Венеция” этот волшебный город изображен ночью. Но даже ночная тьма не затмевает праздника. Салют, огни, толпы людей. Праздник жизни. Радость бытия.

У художника вы не найдёте печальных сюжетов. И сложных вопросов он тоже в своих картинах не задавал.

Поражает то, что Борис Кустодиев был сильно болен. В 1911 году у него обнаружили туберкулёз позвоночника. Болезнь прогрессировала. Но это не лишило его умения радоваться жизни. Наоборот, его картины стали ещё более яркими с момента, когда его парализовало.

5. Пётр Кончаловский. Всякие цветы. 1939 г.

Натюрморты Кончаловского

Пётр Кончаловский. Всякие цветы. 1939 г. Музей русского импрессионизма, Москва

Пётр Кончаловский был жизнерадостным человеком. Он стремился к самым прекрасным проявлениям природы. Поэтому у него так много натюрмортов с цветами.

От его цветов как-будто исходит запах. Настолько естественно он их изображал. Он наслаждался их красотой. И мы вместе с ним. Здесь он очень созвучен Ренуару, который тоже считал, что “боль проходит, а красота остаётся”.

Причем писал натюрморты он очень быстро. Чтобы не упустить впечатление. В этом его тоже можно назвать импрессионистом.

Его жена, дочь великого художника Сурикова, рассказывала, что художник старался писать по одному натюрморту в день. А сам он по этому поводу рассуждал: “Вот пройдёт время и будут мои цветы висеть по разным музеям. И кто-то воскликнет “Кончаловский создавал по натюрморту в день, поэтому так и хорошо!” А кто-то скажет “Поэтому так и плохо!”

6. Игорь Грабарь. Зимний пейзаж. 40-50-ые года 20 века.

Грабарь зимний пейзаж

Игорь Грабарь. Зимний пейзаж. 40-ые года 20 века. Музей русского импрессионизма, Москва

Игорь Грабарь был большим почитателем французского импрессионизма. Он даже целых 4 года колесил по Европе в изучении этого направления. Но по возвращении как будто заново полюбил русскую природу. Писал её с упоением. Как он сам признавался, он был ошеломлён русской зимой. Хотел рисовать сверхъестественное дерево, дерево-сказку, берёзу.

Как и импрессионисты, любил работать на открытом воздухе. Даже зимой. Даже в сильный мороз. Только так он мог передать впечатление от увиденного и изобразить прозрачный зимний воздух.

Сравните его работу с зимними пейзажами Клода Моне.

7. Юрий Пименов. Афиши под дождём. 1973 г.

Картины Юрия Пименова

Юрий Пименов. Афиши под дождём. 1973 г. Музей русского импрессионизма, Москва

Юрия Пименова роднит с импрессионизмом стремление поймать мгновение жизни. И показать всю красоту даже самого обыденного. Как он сам говорил “За любой вещью, увиденной с душой, встанет красота жизни”.

Его картина “Афиша под дождём” чем-то похожа на работы Эдгара Дега. На ней мы видим как бы “вырванный” из происходящего кусок. Углы обрезаны. Прохожие не умещаются полностью в “кадр”. Голова идущей девушки в правом углу картины как бы едва успела появится, чтобы быть запечатленной художником.

Кстати, афиши – не случайный сюжет для Пименова. Он был признанным сценографом. Работал для Малого театра и Ленкома. Поэтому тема театра и кино ему была близка.

***

Коллекция музея – это частная коллекция Бориса Минца. Кто-то фыркнет, что не тот размах. Всего-то 80 работ. Да и то работы не самые краеугольные в творчестве мастеров. Мол, все их главные шедевры давно висят в других музеях.

Время покажет, получится ли размах. А он может получится. Это же не первый музей, который начался с одной частной коллекции. Третьяковская галерея, Национальная галерея Вашингтона или музей Прадо – тоже когда-то были музеями одной частной коллекции. Правда должен пройти не один десяток лет.

Также Вам могут понравится статьи про русских импрессионистов. Чьи работы хранятся в музее русского импрессионизма.

“Константин Горбатов. Русские города в стиле импрессионизма”

“Валентина Диффинэ-Кристи. Миражи импрессионизма”

Автор: Оксана Копенкина

Facebook

Twitter

Мой мир

Вконтакте

Одноклассники

Google+

Pinterest

Похожее

arts-dnevnik.ru

Импрессионизм Клода Моне: истоки, выставки, картины

Картины Клода Моне и импрессионизм давно стали синонимами. Его полотна, наполненные светом и воздухом, будоражат умы тонких ценителей искусства. Импрессионист прожил удивительную жизнь и оставил после себя огромное культурное наследие. В этой статье собраны самые интересные факты о жизни великого художника. Также тут представлена информация о выставках, посвященных импрессионизму в живописи Моне.

Картина "Впечатление. Восходящее солнце"

Великий импрессионист начинал с карикатур

Родился Моне 14 ноября 1840 года в столице Франции. Когда малышу исполнилось 5 лет, семейство переехало в Нормандию (г. Гавр). Родители Клода имели небольшой семейный бизнес — бакалейную лавку. Отец будущего знаменитого художника был на редкость скупым человеком, и ребенок совсем не получал денег на карманные расходы. Талантливый подросток в 14 лет придумал собственный способ заработка — начал рисовать шаржи на своих друзей и знакомых, а также на всех желающих местных жителей.

Парню нравилось создавать карикатуры. За работу он брал 15-20 франков, что было вполне приличной суммой. А вот живопись, как ни странно, юношу совсем на тот момент не привлекала. Все изменилось в тот момент, когда он познакомился со своим учителем Эженом Буденом. Он показал Клоду, что картины можно писать на открытом воздухе, наблюдая за тем, что происходит в природе, и изображая динамику происходящего на полотнах.

Рождение импрессионизма

Новое течение в искусстве не родилось на пустом месте. К тому были предпосылки, которые нарабатывались годами.

В основу импрессионизма в живописи Клода Моне легли работы таких знаменитых мастеров Эпохи Возрождения как:

  • Гойи;
  • Эль Греко;
  • Веласкес;
  • Рубенс.

Клод и его соратники стали изображать окружающий мир, используя промежуточные тона и применяя в одной работе множество разных мазков:

  • ярких;
  • тусклых;
  • крупных;
  • мелких;
  • абстрактных.

Картины Моне и его единомышленников сильно отличались от академической манеры рисования, за что и были раскритикованы на первых порах.

Особенности импрессионизма

Вместе со стилем импрессионизм Клод Моне принес в живопись такие новшества:

  • Отсутствие четкого контура у изображаемых объектов. Вместо него использовались мелкие мазки другого цвета.
  • Импрессионисты практически не смешивали цвета, то есть отказались от использования палитры. Моне подбирал оттенки, которые идеально дополняют друг друга и не требуют слияния с другими. Местами краска попадала на полотно прямо из тюбика.
  • В картинах не использовался черный цвет.
  • Краски, которыми работали импрессионисты, имели высокую кроющую способность.
  • Свежие мазки зачастую наносились на еще влажную поверхность холста.
  • Клод Моне создал цикл полотен, написанных на свежем воздухе с целью изучения поэтапных изменений света и тени. Он называется «Стога сена».

Полотно «Водяные лилии» считается лучшей в мире картиной в стиле импрессионизм. Клод Моне, работая над полотном, уже стремительно слеп.

Автором самого термина "импрессионизм" художника стали называть после выставки парижской группы начинающих живописцев под названием «Салон отверженных». Имя течение искусства получило благодаря картине Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Полотно было раскритиковано экспертами, а журналист Луи Леруа написал фельетон, в котором в грубой форме описал выставку. В его работе впервые и прозвучит название «импрессионисты», то есть «впечатленцы».

Моне "Парламент, закат"

Причиной неудачи было то, что в то время соратников и самого Клода обвиняли в мятежных настроениях. В работах 30 мастеров живописи, которые приняли участие в выставке, правительство увидело аморальность. Спустя время импрессионизм Клода Моне получит широкое признание во всех уголках мира.

На большинстве картин Моне - одна и та же женщина

При детальном изучении портретов дам на полотнах Моне можно заметить, что он везде изображает одну и ту же леди — свою жену Камиль Домкьюз.

Камиль и Моне воспитывали двух мальчиков. Первый ребенок родился на свет еще до того, как они официально оформили отношения. Рождение второго малыша сильно подкосило ее здоровье, и вскоре супруга скончалась. Клод Моне создал посмертный портрет любимой.

Самая дорогая картина Клода Моне

Моне входит в тройку самых дорогих живописцев на планете. Его полотно «Пруд с водяными лилиями» в 2008 году на аукционе в Лондоне было продано за 80 миллионов долларов. Сегодня картина на девятом месте в списке самых дорогих полотен. Хозяин картины захотел остаться неизвестным, как это часто бывает на подобных торгах.

Клод Моне "Водяные лилии"

С молотка по всему миру ушло его работ на 7,799 миллионов долларов.

Это картины с головокружительной стоимостью:

  1. «Водяные лилии», написанная в 1905 году - цена 43 миллиона долларов.
  2. «Железнодорожный мост в Аржентее», созданная в 1873 году - цена 41 миллион долларов.
  3. «Мост Ватерлоо. Облачно», написанная в 1904 году – цена 35 миллионов долларов.
  4. «Тропинка к пруду», написанная в 1900 году - 32 миллиона долларов.
  5. «Пруд с водяными лилиями», появившаяся на свет в 1917 году – цена 24 миллиона долларов.
  6. «Тополя», созданная в 1891 году - 22 миллиона долларов.
  7. «Здание парламента. Солнечный свет в тумане», написанная в 1904 году – цена 20 миллионов долларов.
  8. «Парламент, закат», которую художник написал в 1904 году - цена 14 миллионов долларов.

Где сегодня хранятся картины великого Моне

Полотна Моне много путешествовали. Сегодня большинство его работ находится в таких странах:

  • Российская Федерация;
  • Соединенные Штаты Америки;
  • Великобритания.

Полотна живописца можно найти и в других музеях, которые находятся в Европе и за ее границами. Несколькими работами Моне может похвастаться даже Новая Зеландия. Картины, приобретенные коллекционерами, зачастую скрыты от широких масс. Очень редко, когда полотна переходят в музеи или участвуют в торгах.

Где сегодня можно насладиться импрессионизмом? В ГМИИ им. А. С. Пушкина находятся:

  • «Сирень на солнце»;
  • «Завтрак на траве».
Моне "Завтрак на траве"

Полотна знаменитого живописца также расположены:

  • В Эрмитаже.
  • В Музее д'Орсэ во Франции.
  • В Метрополитен-Музее Нью–Йорка.
  • В Филадельфийском Музее искусств.
  • В Лондонской Национальной галере.

Похищения картин Моне

Неудивительно, что самые дорогие в мире полотна не раз похищали, причем некоторые кражи происходили под самым носом охраны. Так, например, картина «Пляж в Пурвилле» в польском музее была вырезана преступником прямо из рамы. Ее подменили дешевой и некачественной копией. Подделку заметили не сразу. Позже полиция нашла злодея, а полотно, висевшее в его доме, изъяли.

Моне «Мост Ватерлоо. Облачно»

Самый вопиющий случай кражи произошел не так давно. В 2012 году в ротердамском музее Кунстель. Похитители унесли из него 7 полотен. К сожалению, их так и не нашли. Предполагают, что картины могли быть сожжены преступниками. Среди полотен было одно из самых известных в мире - «Мост Ватерлоо».

Выставка "Клод Моне. Век импрессионизма" в Ростове

С 16 февраля 2018 года в Ростове-на-Дону открылась долгожданная выставка репродукций импрессионистов, выполненных в технике жикле. Это создание цифровых современных копий картин, на которых, в отличие от полотен, нарисованных вручную, сохраняется даже кракелюр, который оставило время. Событие проходит в областном краеведческом музее и носит образовательный характер. Здесь можно прикоснуться к прекрасному, и послушать истории жизни самых знаменитых импрессионистов в мире. В экспозиции представлены картины:

  • Винсента Ван Гога;
  • Клода Моне;
  • Камиля Писсаро;
  • Ренуара.

Также вы можете сделать снимки на фоне легендарных полотен. Купить памятные сувениры и репродукции картин.

Выставка импрессионистов в Иваново

С 12 марта по 6 мая 2018 года в городе Иваново по адресу Батурина, 6/40 открыта выставка цифровых репродукций, которые изготовлены в технике жикле. В экспозиции выставки под названием «Клод Моне. Век импрессионизма» в Иваново представлено 70 работ. Здесь вы можете увидеть репродукции не только родоначальника импрессионистов, но и других мастеров:

  • Камиля Писсарро;
  • Пьера-Огюста Ренуара;
  • Поля Гогена;
  • постимпрессиониста Ван Гога.

В работах Клода Моне вы не увидите социальных или религиозных проблем того времени, что было присуще работам его современников. Поклонники любят знаменитого импрессиониста за то, что его работы несут позитивные эмоции. Здесь запечатлена искренность чувств. Радость каждого прожитого мгновения, легкость и красота. Знаменитому живописцу удалось изменить взгляд на искусство. Манера письма импрессионистов нашла множество восторженных зрителей и породила несколько поколений подражателей среди художников.

Полотно "Тополя"

Импрессионисты изменили мир живописи кардинально. Основной идеей течения было запечатлеть сиюминутное настроение и атмосферу момента. Реальность в импрессионизме словно оживает. Художники передают ее вечное изменение, игру света. Изображения на полотнах имеют динамику. На картинах мы видим бегущих лошадей, летящие по небу облака, набегающие волны, движение танцовщиц на сцене. Появились новые сюжеты, которые ранее считались недостойными кисти художника:

  • пикники знати;
  • веселье народных гуляний;
  • жизнь театра и балета за кулисами;
  • скачки.

Инсталляция «Маковое поле»

Прошло уже 173 года с дня рождения Моне, а его полотнами еще больше восхищаются ценители искусства во всем мире. Некоторые поклонники знаменитого импрессиониста стали его последователями и посвятили Клоду свои работы. Самый выдающийся среди них Клод Кормье — художник и архитектор, который создал несколько инсталляций в честь работ живописца.

"Маковое поле"

Картина Клода Моне «Маковое поле» вдохновила его на создание шедевра современного искусства. Для подготовки инсталляции понадобилось 5060 маркеров белого, красного и зеленого цветов. Их расположили на асфальте перед Музеем изобразительных искусств.

fb.ru

Феномен постимпрессионизма | Artifex.ru

Значение такого художественного направления как постимпрессионизм сложно переоценить в контексте становления художественной традиции современного искусства. Однако, для большинства людей роль этого феномена не ясна, да и в художниках-постимпрессионистах запутаться несложно, ведь их искусство, на первый взгляд, не объединяют никакие привычные нам художественные критерии стиля. Что ж, попробуем разобраться.

В 1910 году, работая над выставкой нескольких французских авангардистов, Роджер Фрай столкнулся с весьма непростой задачей: придумать определение для группы очень разных художников. В их творчестве отсутствовал явный общий знаменатель, поэтому название должно было быть емким и четким, чтобы точно отразить все разнообразие современной французской живописи. Так появился термин «постимпрессионизм».

К середине 1880-х годов начался кризис импрессионизма. Многие художники, примыкавшие к этому течению, стали сомневаться в правильности его аксиом. Их не удовлетворял чрезмерно рациональный взгляд импрессионистов на жизнь и желание слепо подражать природе. Тогда же стали формироваться многочисленные разрозненные направления и художественные школы, что вообще характерно для искусства начала XX века. По сути, все они могут быть квалифицированы как постимпрессионизм. Тем не менее, сейчас основоположниками постимпрессионизма принято считать четырех художников, которые подвели своеобразный итог искусству XIX века и задали вектор развития последующим поколениям художников. Речь идет о Поле Сезанне, Винсенте Ван Гоге, Поле Гогене и Жорже Сёра.

 ПОЛЬ СЕЗАННКакое место в искусстве рубежа веков следует отвести Сезанну? С одной стороны, он был ровесником импрессионистов, выставлялся вместе с ними и, безусловно, был вдохновлен современными ему художественными идеями. Но вместе с тем он никогда не принимал импрессионизм безоговорочно, а все его творчество пронизывает приверженность наследию старых мастеров. Таким образом, взяв за основу как классическую школу, так и новаторские идеи современников, Сезанн пошел собственным путем, решая поставленные им интеллектуальные и технические задачи.

Основную проблему как старой, так и современной живописи, Сезанн видел в стремлении художников создать изображение, «словно увиденное через статичный объектив». Полагая, что скрупулёзное копирование не способно передать реальность, художник изучал объекты с разных точек зрения. Он стремился не фиксировать, как импрессионисты, ускользающее мгновение или, как старые мастера, вид в одной проекции, но изображать предметы максимально правдиво. Изображать не то, что он видит, но то, как именно он это видит.

Именно эта идея и привела Сезанна к радикально новой художественной концепции - искажению традиционной прямой линейной перспективы. Он стремился связать трехмерный мир с двухмерной плоскостью картины. Показательным примером нового решения может служить почти любой из многочисленных натюрмортов художника, например, «Натюрморт с драпировкой» из коллекции Государственного Эрмитажа.

  

Композиция рациональна и сбалансирована: блюда с фруктами почти симметрично расположены вокруг кувшина, который образует вершину композиционного треугольника. Художественная революция Сезанна, как мы видим, затронула отнюдь не композиционное решение, отвечающее классическим принципам. Он располагает объекты так, чтобы подчеркнуть иллюзию трехмерности, изображает предметы одновременно с двух точек зрения (в так называемой двойной перспективе). Например, кувшин изображен Сезанном сразу в двух ракурсах: фронтально, на уровне глаз, и сверху, таким образом, что видно его горлышко. Тот же прием использован и в изображении деревянного стола. Сезанн жертвует традиционным изобразительным языком ради наиболее достоверного изображения предметов. Это, с одной стороны, делает композицию более плоской, а с другой, доказывает, что общая правдоподобность куда важнее правдоподобности отдельных элементов.

Достаточно посмотреть на картину «Гора Сент-Виктуар», чтобы понять, что та же тенденция искажения точной перспективы прослеживается и в его пейзажах.

  

Говоря об этой композиции, необходимо отметить и другие новые решения, введенные Сезанном и ставшие важнейшими для последующих поколений художников. Во-первых, в каждом предмете Сезанн пробовал выявить его геометрическую основу. Если говорить о натюрмортах, то яблоки на его полотнах становились шарами, груши – конусами, а кувшины или бутылки – цилиндрами. То же касается и пейзажей: Сезанн стремился свести изображения разных объектов к последовательности геометрических фигур. В отличие от импрессионистов, которые словно растворяли предмет в градации света и цвета, Сезанн определенно стремился вернуть ему массу, форму и твердость. Это был революционный подход к изображению предмета, приведший в итоге к редукции детали ради геометрической формы, а в творчестве следующих поколений художников – уже полному отрыву от объекта.

 ВИНСЕНТ ВАН ГОГИным путем пошел другой представитель постимпрессионизма Винсент ван Гог. Его собственная художественная манера начала формироваться еще до знакомства с живописью импрессионистов, а ее черты заметны уже в первой значимой картине художника «Едоки картофеля» (1885 год). Здесь Ван Гог идет по пути утрирования нищенского существования крестьянской семьи. По его замыслу, крестьяне должны были выглядеть не сентиментально, но реалистично.

  

Отсюда некоторая карикатурность лиц и гипертрофированность деталей. Сам Ван Гог, отвечая на критику в свой адрес, говорил, что «настоящие художники рисуют вещи не такими, как они выглядели бы при изображении сухим аналитическим способом, но так, как они чувствуют их». Уже в этих ранних словах заложена основная концепция творчества Ван Гога: непосредственное изображение эмоций самого художника.

На следующий год Ван Гог познакомился в Париже с импрессионистами, в результате чего перешел к яркой, чистой палитре. Только в отличие от французских художников он использовал цвет куда более произвольно, чтобы как можно полнее выразить себя. Также у импрессионистов Ван Гог обучился технике спонтанного мазка. Однако и тут он выработал собственную манеру накладывать краски на холст густыми и ритмичными мазками.

Одновременно с этим на творчество художника сильнейшее влияние оказали японские гравюры с их ярко выраженными диагоналями, плоскими планами, резкими контурами и сильными контрастами.

Эти технические приемы, освоенные Ван Гогом, служили его основной цели – наполнению содержания картины эмоциональным смыслом. Можно сравнить две картины, написанные в Арле, чтобы увидеть, как он использует символику цвета, стиль письма и композиционные решения для передачи субъективного восприятия реальности.

  

В своей работе «Ночное кафе» художник обращается к контрастирующему колориту, чтобы выразить неистовые человеческие страсти. Доминирующими цветами являются ядовито желтый и далекие друг от друга красный и зеленый. Они выглядят неестественно и не являются локально верными с иллюзорно-реалистической точки зрения, но наилучшим образом помогают передать эмоции и состояния страстного темперамента.

Совсем иное настроение чувствуется в картине «Спальня художника в Арле». Если «Ночное кафе» исполнено тревоги и агрессивности, то это полотно пронизано чувством спокойствия и умиротворенности. Каждый ее аспект олицетворяет покой: мягкая цветовая гамма, четкие контуры мебели, смягченные, словно на японских эстампах, тени. При сравнении этих двух работ явно видны эмоции и ассоциации, которые Ван Гог хотел передать посредством композиции, визуального упрощения предметов и в особенности колористического решения.

  

Другим важным достижением Ван Гога является выработанная им манера письма, которая отличается стремлением разнообразить фактуру. Техника импасто не была нова, но мазок Ван Гога был гораздо выразительнее и энергичнее, что способствовало большей экспрессии его полотен.

Например, на картине «Звездная ночь» Ван Гог сочетает разные мазки, что дополняет впечатление от цветовых контрастов. Спиральные завитки света создают стилизованный образ ночного неба. Им вторят нарочито увеличенные звезды, которые художник изображает волнообразными линиями, подчеркивающими их форму. А изображенные вертикальными экспрессивными мазками темной краски кипарисы создают своего рода противопоставление звездному небу.

  

Искажая изображение, гипертрофируя детали, обращаясь к неестественно яркому колориту с целью передать свое ощущение увиденного, Ван Гог предвосхищает одно из самых значительных направлений живописи XX века – экспрессионизм.

 ПОЛЬ ГОГЕНЕще один представитель постимпрессионизма – Поль Гоген – начал свой творческий путь с увлечения импрессионистами. Впрочем, он никогда не был тесно связан с этой группой, называя их приверженность натурализму «чудовищной ошибкой». Его картина «Видение после проповеди» (1888) знаменует разрыв художника с этим направлением и начало постимпрессионистского периода его творчества.

  

Сюжет картины корнями уходит в реальность: это история о том, как бретонцев после проповеди посетило божественное видение борьбы Иакова с ангелом. Но работа Гогена относится к реальному миру лишь отчасти из-за включения в композицию библейской истории и мифологических аллюзий. Уже сама композиция картины явственно говорит об этом: мощная ветвь дерева, расположенная по диагонали, разрезает полотно пополам. Очевидно, что Гоген использует ее как границу между действительностью и фантазией. Слева внизу - группа бретонок, они написаны в сдержанных цветах и в целом выглядят реалистично, за исключением некоторого несоблюдения пропорций и декоративности изогнутых линий. А в правой части картины – игра их воображения: сцена сражения Иакова с ангелом. Для вымышленного пространства Гоген выбирает неестественный оранжево-красный цвет, который подчеркивает фантазийность события и несет символическую и декоративную нагрузку: ведь Гоген решил отказаться от правдоподобия ради общего замысла и драматизма аллегории. Что символизирует борьба? Духовную брань на земле? Или самого Гогена, борющегося с внутренними демонами?

В этой ранней картине уже наметились основные тенденции творчества Гогена, которые полностью раскроются в таитянский период. Это и большие плоскости чистого цвета при отсутствии теней (опять же влияние японских гравюр), и двухмерность композиции, и искажение естественного цвета, и простоватые бретонки, предвосхитившие таитянок, и наполненность картины символическими образами.

На Таити Гоген быстро обрел свой смелый и новаторский художественный стиль. Он стремился к изображению жизни, далекой от меркантилизма современности, и с этой целью обратился к соответствующим изобразительным приемам. Так появилась серия стилизованных декоративных полотен, одним из которых является «День божества» (1894).

  

Эта композиция отличается причудливым сочетанием французской и полинезийской традиций. Художественные образы, равно как и весь контекст, воспроизводят полинезийские декорации, тогда как композиция основана на классических принципах: основание треугольника образуют три женские фигуры у водоема, вершиной является идол. Задний план составляет идиллический пейзаж, который контрастирует с водой, написанной абстрактными цветовыми пятнами чистого цвета, создающими мистическое впечатление. Подобные цветовые блоки помогают создать двухмерное изображение – простое искусство, к которому стремился Гоген. К тому же он исказил естественный цвет для достижения наибольшей художественной выразительности.

Символика Гогена становится еще более очевидной, если присмотреться к лежащим женским фигурам, изображенным в позе эмбриона, египетским мотивам в фигурах двух женщин в левой части композиции и вымышленному идолу. Картина является своего рода аллегорией и олицетворяет страх художника за непорочность и простоту жизненного уклада острова. Интересно, что у Гогена исчезают конкретные символы, характерные для прежней живописи, и картина сама становится символом, призванным будить в зрителе субъективное переживание.

Уже в свое время Гоген был причислен к символистам, в первую очередь благодаря писателям, за то, что отказался от натурализма импрессионистов и вернул искусство в область воображения.

 ЖОРЖ СЁРАИсточники стиля четвертого постимпрессионизма – Жоржа Сёра – достаточно очевидны. Он долго изучал академическую живопись, а затем и открытия современных мастеров. К тому же художник много читал и вскоре, как и другие постимпрессионисты, стал сомневаться в принципах импрессионизма: ведь живопись, цель которой - мгновение, не может говорить о вечном. Таким образом, с одной стороны, Сёра хотел сохранить яркую палитру и повседневные сюжеты импрессионистов, а с другой, - привнести структуру и прочность: систематизировать новаторские цветовые решения, сделать формы более конкретными и разбавить их натурализм научной методологией.

  

Картина «Купальщики в Аньере» (1884) стала отправной точкой творческого пути Сёра, который в результате привел его к картинам в стиле пуантилизма. А точнее сказать - дивизионизма, поскольку Сёра, в отличие от пуантилистов, не писал смешанными цветами. Живая сценка написана в ясном фигуративном стиле, без спонтанности и естественности импрессионистов. Композиция тщательно продумана, фигуры обретают четкую геометрию, краски, хоть и насыщены, но нанесены с механистической точностью.

Наиболее ярким выражением идей Сёра можно назвать картину «Воскресный день на острове Гранд-Жатт». В отличие от «Купальщиков в Аньере» эта сцена гораздо оживленнее, композиция гармонична, а люди изображены в разнообразных позах, но почти все - в профиль. Они выглядят неподвижными и безжизненными, схематичными и лишенными индивидуальности, словно на древних фризах. Сёра использовал импрессионистскую палитру несмешанных цветов, но его трактовка совершенно нова. Он отказался от произвольных мазков и заменил их тщательно выверенными точками. Причем цвета художник выбирал с противоположных сторон цветового круга, чтобы они, из-за контраста, раскрылись в максимальной полноте. Этой картиной Сёра удалось создать атмосферу остановившегося времени. Здесь нет ничего от «ускользающего мгновения» импрессионистов, это типичный постимпрессионизм.

  

Итак, рассмотрев творчество четырех лидеров постимпрессионизма, можно сделать вывод, что объединенные стремлением уйти от ограничений, которые накладывал импрессионизм, они смогли вернуть искусству его важнейшую составляющую – воображение. Эти художники отказались от слепого подражания природе, считая, что такой подход не способен передать всю глубину реальной жизни, и стремились своим творчеством сделать своего рода художественную интерпретацию увиденного. Яркие индивидуальности, они не объединились при жизни в какую-либо художественную группу, но, хоть и с разных сторон, двигались в одном направлении – к познанию истинной сущности вещей.

Объединенные общей художественной целью, они выработали индивидуальные живописные стили и, безусловно, оказали значительное влияние на формирование искусства последующих поколений.

Без изобретений Сезанна в области перспективы и его интереса к простым геометрическим формам был бы совершенно немыслим кубизм. Его изобразительные приемы – упрощение деталей - нашли свое отражение в архитектуре Ле Корбузье, конструкциях Баухауса, творчестве Пита Мондриана. Не даром Пикассо сказал о Сезанне: «Он был всем нам как отец».

Винсент Ван Гог, изображавший правду внутреннего состояния, предвосхитил своим творчеством другое значительное художественное направление XX века. Его экспрессионистский подход – контрастные цвета, импасто, метод «перекручивания» - стал визуальной находкой, помогшей сформироваться экспрессионизму. «Крик» Мунка, который, бесспорно, заимствовал вангоговские приемы, стал квинтэссенцией нового направления. А Бэкон в 50-е годы даже написал картину «Посвящение Ван Гогу».

Если Ван Гог обращался к насыщенным цветам, чтобы выразить эмоцию, то Гоген наращивал интенсивность палитры и искажал цвета ради сюжета. Ведь большинство из них у него окрашены мистическими или религиозными настроениями. В этом весь символизм художника.

Сёра же сыграл огромную роль в формировании неоимпрессионизма, течения, стремившегося объединить творчество с научными достижениями. В самом деле, художник считал возможным объяснить искусство с научной точки зрения. Отсюда, во-первых, увлеченность теорией цвета, которая привела его к дивизионизму, а во-вторых, точность и продуманность композиционных построений.

Таким образом, все четыре художника стремились к ясности своего художественного языка. Стиль каждого из них стал результатом многочасовых работ, тщательных размышлений и опыта всей жизни. Они стремились к упрощению сложного, чтобы придать своему творчеству осмысленность первоначального замысла, в котором композиция, форма и цвет гармонично объединены. Все вместе и каждый по отдельности, они определили вектор развития всего искусства XX века.

artifex.ru


Смотрите также