Женщины и украшения в картинах от средневековья до наших дней. Картины средневековья


тенденции и веяния, картины, художники :: SYL.ru

Обычно, когда произносят словосочетание «Средние века», перед глазами встают мрачные готические замки, все темное, запущенное, унылое... Это стереотип, который почему-то выработался в сознании людей. Живопись данного периода доказывает обратное – она не только не уныла, но и очень колоритна.

Искусство Средневековья: особенности и тенденции

Средневековье представляет собой период с пятого по семнадцатый век. Сам термин возник в Италии; считалось, что время это являлось культурным упадком, Средние века постоянно сравнивали с Античностью – и сравнение было не в пользу первых.

художники средневековьяОсобенностей искусства Средневековья несколько, и все они тесно связаны с господствовавшими в то время в обществе устоями и традициями. Так, сильны были церковь и религиозные догмы – именно поэтому религия стала чем-то обыденным для тогдашней культуры. Помимо этого, характерными чертами ее являлись аскетизм, отказ от античных традиций и при этом приверженность к старине, внимание к внутреннему миру человека и его духовности.

Эпоху принято подразделять на несколько периодов: раннее Средневековье (до одиннадцатого века), развитое (до пятнадцатого) и позднее (до семнадцатого века). Каждый из этих промежутков, опять же, имеет свои тенденции. Как пример – раннее Средневековье отличалось полным отказом от античных традиций, скульптура канула в небытие, процветало деревянное зодчество и так называемый звериный стиль. Человека, как правило, не изображали, а искусство было «варварским». Особое внимание уделялось цвету.

Развитое Средневековье, напротив, концентрировалось на прикладном искусстве – в моде были ковры, литье, книжные миниатюры.

В эпоху позднего Средневековья стали господствовать романский и готический стили, в частности, преобладали они в архитектуре, которая и являлась основным видом искусства в данный период.

Вообще же, общепринятой считается следующая периодизация искусства Средневековья: кельтское, раннехристианское, искусство периода переселения народов, византийское, дороманское, романское искусство и готическое. Далее более подробно остановимся на жанрах, стилях, приемах и сюжетах средневековой живописи. Вспомним и знаменитых мастеров.

Живопись эпохи Средневековья

В разные периоды Средневековья на первый план выступали разные виды искусства – то скульптура, то архитектура. Нельзя сказать при этом, что живопись оставалась в стороне. С течением времени и под влиянием изменений в обществе менялась и она, вследствие чего картины становились более реалистичными, а у художников появлялись новые приемы, темы и перспективы для творчества. Так, например, несмотря на то что тенденция к написанию полотен религиозной тематики оставалась популярной в средневековой живописи любого периода (впрочем, после тринадцатого века она начала встречаться гораздо реже), с повышением образованности стали более распространенными так называемые светские картины – бытового содержания, отражающие простую жизнь обычных людей (в том числе знати, разумеется). Так возникла реалистичная живопись, нехарактерная для эпохи раннего Средневековья. На картинах стали изображать не духовный, а материальный мир.

живопись средневековьяРаспространились книжные миниатюры – таким образом пытались усовершенствовать и украсить книги, делая их более привлекательными для потенциальных покупателей. Появилась и настенная живопись, а также мозаика, которыми украшали внешние и внутренние стены церквей – это за это следовало благодарить орден францисканцев, для которого строилось большое количество подобных сооружений. Все это произошло уже после тринадцатого века – прежде живописи не уделялось столь пристального внимания, она играла скорее второстепенную роль, не считалась чем-то важным. Картины не писали – их «малевали», а это слово полностью отражает отношение к данному виду искусства в тот временной промежуток.

С расцветом живописи Средневековья пришло понимание того, что написание художественных полотен - это удел тех, кто по-настоящему умеет и любит данное ремесло. Картины перестали «малевать», более к их созданию не относились как к увеселительному времяпрепровождению, доступному каждому. Как правило, каждая картина имела своего заказчика, и заказы эти совершались исключительно с какой-то целью – полотна покупали для знатных домов, для церквей и так далее. Характерно, что многие художники Средневековья не подписывали свои работы – это было для них обычным ремеслом, таким же, как производство булочек для пекаря. Зато живописцы того периода старались придерживаться негласных правил: эмоционально воздействовать на того, кто будет смотреть на полотно; игнорировать реальные размеры – для придания большего эффекта; изображать разные временные промежутки с одним и тем же героем на картине.

Иконопись

Иконопись была главным видом искусства в раннем Средневековье. Эти картины, вернее, иконы, считались своеобразной проповедью, которая поучает без слов. Это была доступная всем и каждому связь с Богом, ведь многие люди в то время были неграмотными, а значит, не могли читать тексты молитв и вообще любые церковные книги. Иконы доносили до простых обывателей, что не могла донести бумага. Характерной особенностью иконописи стала деформация туловища – это делалось для того, чтобы оказать большее эмоциональное впечатление на зрителей.

Византийское искусство

Говоря о культуре Средневековья, нельзя не сказать хотя бы пары слов о живописи в Византии в Средние века. Это было единственное место, где оставались верны старым добрым традициям эллинистического искусства. Византийская культура ухитрялась гармонично соединять зрелищность и спиритуализм ("дух превыше тела"), который пришел к ней с Востока. Под влиянием Византии впоследствии формировались и культуры многих других стран – в частности, России.

Ведущей идеей в живописи в Византии в Средние века была идея о мире как о зеркале. Это «зеркало», по представлениям древних, должно было отражать духовный мир человека с помощью особых символов – данными символами и являлись картины. Очень большое внимание уделялось свету и цвету. На полотнах, как правило, в полный рост изображались человеческие фигуры – в центре Иисус Христос или Богоматерь, различные святые, за ними и рядом – остальное их окружение. Если необходимо было показать отрицательных героев (того же Иуду), то их писали в профиль. Особенностью изображения персонажей на картинах была их схематичность вкупе со значительностью. Они словно «приобрели вес», но при этом стали плоскостными. Перспективы на картинах византийских художников также обнаружиться нельзя.

Зато византийцы очень трепетно следовали одному из правил средневековой живописи – все фигуры, которые присутствовали на их полотнах, для большей наглядности изображены отнюдь не в реальных размерах и с нарушением пропорций: то с очень крупной головой и огромными глазами, то с удлиненной шеей и вытянутым туловищем, то с отсутствием конечностей и так далее. Характерно, что с натуры художники не писали. Среди преобладающих сюжетов в византийской живописи можно выделить распятую на кресте фигуру – символ страданий, фигуру женщины с раскинутыми руками – символ матери, фигуру с нимбом – символ святости, фигуру ангела с крыльями – символ чистоты и непорочности.

Стили

Основным стилем живописи в начале Средневековья в Западной Европе принято считать романский. Чуть позже появился готический стиль. Однако до появления и того и другого живопись все равно существовала. Как уже упоминалось выше, это было так называемое варварское искусство, имевшее мало общего с культурой античных времен. Люди боялись природы, обожествляли ее, что нашло отражение и в живописи – изображений природы, как и человека, в искусстве раннего Средневековья крайне мало. В основном популярностью пользовался орнамент, где и проявлялся уже упомянутый «звериный» стиль. Так продолжалось вплоть до восьмого века, когда постепенно в орнамент стали вплетаться изображения Христа и человеческой фигуры в принципе.

Романский стиль, появившийся вслед за этим, доминировал в искусстве Средневековья на протяжении трех веков подряд. Главное место в нем отводилось не живописи, но архитектуре. Большая часть памятников искусства этого периода и стиля создавалась во Франции. Основными тенденциями, по которым сразу можно отличить романский стиль, были узкие окна в зданиях, старинная фреска и витражи – яркие пятна на темных стенах. Архитектура романского стиля считалась мрачной, витражи были призваны «оживить» ее. Чаще всего они изображали сюжеты из жития святых, гораздо реже – быт простых людей. То же самое прослеживалось и в живописи.

средневековая живописьТринадцатый век стал периодом расцвета готического стиля. Произошло это благодаря переменам в обществе, роль религии уменьшалась, а «светскости», наоборот, росла. Несмотря на то что первые преобразования начались еще в тринадцатом веке, единый «международный» стиль у художников Средневековья выработался лишь к концу четырнадцатого столетия. Он получил название «готика». Произведения тогдашних мастеров изображали придворный быт - изящный, утонченный и далекий от реальности, с тщательно прописанными мелкими деталями. От этих полотен веяло величием, элегантностью, а такое пристальное внимание к деталям давало ощущение завершенности картины, чего не было раньше.

Очень популярным в то время было создание миниатюр, которое берет начало во Франции. Оно отличается появлением новых реалистичных деталей – например, различных животных, насекомых или птиц. Плавные легкие линии, мягкость в изображении черт лица – все это характерно для искусства того периода.

Приемы

В эпоху раннего Средневековья не знали, что такое перспектива. Если взглянуть на картины того периода, можно увидеть, что персонажи все будто выстроены в одну линию. Для того чтобы подчеркнуть главенство какой-то фигуры над остальными, живописцы просто-напросто делали ее большей по размеру (иногда – значительно большей). Такой прием позволял уловить, «кто в доме хозяин», однако лишал возможности уделить внимание второстепенным вещам. Именно поэтому живопись раннего Средневековья схематична.

живопись в византии в средние векаРоль фресковой живописи и иконописи в Средневековье, как уже говорилось, была достаточно велика. И еще в период процветания романского стиля у мастеров появился новый прием – они попробовали накладывать краски поверх не высохшей еще штукатурки. Требовалось работать очень быстро, однако фрески и иконы, написанные таким образом, долгое время оставались неповрежденными и выглядели очень ярко.

Чуть позже стали разрабатывать и перспективу – под влиянием возникшей необходимости реальной передачи вещей и объемов. В течение долгих лет мастера обучались этой технике, которая более-менее сложилась к эпохе господства готического стиля.

Сюжеты

Как уже не раз упоминалось, основной тематикой живописи Средневековья была религия. Часто изображались Рождество Христово, Мадонна с младенцем Христом, распятие Христа. Помимо этого, пользовались популярностью мрачные сюжеты о грядущей каре человечества, наступающем Апокалипсисе, фантастические мотивы.

Итальянцы

Итальянская культура оказала большое влияние на искусство Средневековья в целом. В романскую эпоху в Италии господствовала архитектура, преимущественно из камня и дерева. Она была простой, тяжелой и очень прочной. С наступлением готического периода живопись в Италии вышла на первый план. Она сильно отличалась от византийской – во многом благодаря стараниям известного мастера Джотто ди Бондоне. Он стал основателем итальянской школы живописи, предложив абсолютно новый способ изображения пространства. Его считали учителем многие выдающиеся художники, в том числе и Леонардо да Винчи. Люди, изображенные Джотто, настолько реалистичны, что кажутся живыми – до него такого никому не удавалось.

искусство средневековьяОчень распространены в Италии были фрески, «реформировал» работу над которыми опять-таки Джотто. Благодаря ему фресками стали украшать стены самых разных зданий – не только церквей, но и дворцов.

После пятнадцатого века итальянская живопись Средневековья переживает настоящий расцвет. Появились такие знаменитые мастера, как Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Рафаэль Санти и многие другие.

Фресковая живопись

Фрески пользовались огромной популярностью в Италии, как уже говорилось, во времена Джотто. Но распространены они были и в других странах, и в другие периоды. Слово «фреска» – итальянское, оно переводится как «свежий». В современном мире принято считать фресками любую настенную живопись, на самом деле это далеко не так. Фреска – картина, написанная исключительно поверх сырой свежей штукатурки. Мастера, работавшие таким образом, были вынуждены трудиться очень быстро, мало того, их работа затягивалась на определенное время, потому что важно было успеть «закрасить» еще не высохший слой. Если же штукатурка уже переставала быть влажной, писать по ней не имело смысла.

Благодаря появлению и развитию фресковой живописи мы имеем возможность любоваться сегодня многими шедеврами – широко известна, например, роспись Сикстинской капеллы.

Фламандцы

Пятнадцатый век принес славу Фландрии – именно в этой области появился новый уникальный прием, оказавший огромное воздействие на все искусство и в один момент ставший популярным. Речь идет об изобретении масляных красок. Благодаря добавлению растительного масла в смесь красящих веществ цвета становились более насыщенными, а сами краски сохли значительно быстрее, чем темпера, которой живописцы пользовались до этого. Попробовав наносить слой за слоем, мастера убедились в открывшихся перед ними возможностях и перспективах – цвета играли совершенно по-новому, а эффекты, которые получались таким образом, абсолютно затмевали все прежние достижения.

Доподлинно неизвестно, кто именно является изобретателем масляных красок. Зачастую их возникновение приписывают, пожалуй, самому знаменитому мастеру фламандской школы – Яну ван Эйку. Хотя еще до него достаточной популярностью пользовался Робер Кампен, который, собственно, и считается основоположником фламандской живописи. Тем не менее именно благодаря ван Эйку масляные краски получили столь глобальное распространение по всей Европе.

Выдающиеся художники

Живопись Средневековья подарила миру множество замечательных имен. Уже упомянут выше Ян ван Эйк - прекрасный портретист, чьи работы отличаются от прочих интересной игрой света и тени. Характерной особенностью его полотен являются тщательно прописанные самые мелкие детали. Еще один фламандец, Рогир ван дер Вейден, не был так внимателен к мелочам, однако он выписывал очень четкие контуры и акцентировал внимание на красочных, ярких оттенках.

роль фресковой живописи и иконописи в средневековьеСреди итальянских мастеров, помимо указанных выше, стоит отметить Дуччо и Чимабуэ, основоположников реализма, и Джованни Беллини. Также большой след в искусстве оставили испанец Эль Греко, нидерландец Иероним Босх, немец Альбрехт Дюрер и другие.

Интересные факты

  1. Слово «миниатюра» происходит от minium – так называется по-латински сурик, которым в Средние века писали заглавные буквы в текстах.
  2. Натурщиком для картины «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи стал обычный пьянчужка.
  3. В каждом новом столетии на натюрмортах количество еды увеличивалось.
  4. Картина Тициана «Любовь земная и Любовь небесная», прежде чем получить такое название, сменила их четыре раза.
  5. Художник Джузеппе Арчимбольдо составлял свои полотна из овощей, фруктов, цветов и так далее. До нас дошли очень немногие из его работ.

живопись средневековья картиныЖивопись Средневековья, как и вся культура этого периода, представляет собой уникальный пласт, который можно исследовать веками. Кроме того, это поистине шедевральное наследие, сберечь которое для потомков – наша прямая обязанность.

www.syl.ru

Средневековая живопись

  В эпоху средневековья живопись стала одним из главнейших видов искусств. Перемены в жизни общества и новые технические приемы дали художникам возможность создавать реалистичные, пронизанные глубоким гуманизмом произведения, которым было суждено совершить подлинную революцию в западноевропейском искусстве.

  На закате романской эпохи живописи отводилась второстепенная роль малярства. Но с приходом XIII столетия началось стремительное развитие европейской цивилизации, открывшее перед художниками новые перспективы. Дворцы и замки высшей знати украшались с невиданным ранее великолепием, бурно разрастались Париж, Прага, Лондон, города Италии и Фландрии. Все новых полотен - поначалу лишь на религиозные сюжеты - жаждали не только аристократы и служители церкви, но и зажиточные горожане. С распространением грамотности возрастал и спрос на литературу светского содержания. Лучшие образцы книжного искусства, богато оформленные миниатюрами, предназначались для королей и князей и создавались не только в монастырях, но и профессиональными художниками, имевшими собственные мастерские. Несмотря на довольно низкое общественное положение при жизни, имена многих художников и их биографии стали достоянием истории.

Новые возможности

  Новому отношению к живописи содействовал и целый ряд религиозных нововведений. В начале XIII века церковные алтари украсил запрестольный образ, на фоне которого велись богослужения. Он нередко состоял из двух (диптих), трех (триптих) и более створок, но описывал единую группу персонажей или сцену. Особой популярностью пользовалось изображение донатора (особы, оплатившей изготовление алтарного образа и пожертвовавшей его церкви), которого его святой покровитель представляет Мадонне. Ставя перед художником сложные творческие задачи, алтарный образ в то же время открывал новые широкие возможности для самовыражения при оформлении алтарного пространства, которому надлежало стать предметом главного внимания и религиозных чувств паствы.

  Наступил и расцвет настенной живописи - отчасти в результате усиления основанного св. Франциском Ассизским ордена францисканцев, для которого строилось все большее количество церквей. Наиболее подходящим способом их украшения оказалась живопись, так как создание мозаики либо требовало много времени, либо считалось непозволительной роскошью для ордена, исповедовавшего бедность и смирение.

  Сильное влияние на дальнейшую судьбу живописи оказала жизнь и деятельность самого св. Франциска Ассизского (1182-1226). Искренняя любовь святого к миру живой природы помогла его современникам   осознать   красоту  земного бытия, и с XIII века в средневековой живописи доминировал новый взгляд на мир. Отныне художники, не отказываясь от религиозной тематики, с явным удовольствием изображали материальный мир и творили в новой реалистичной и гуманистической манере.

Мадонна в беседке из роз.1440 г.Стефан Лохнер., Кельн, музей Вальраф

 

  Поклонение глубоко человечному образу Мадонны также оказало мощное гуманистическое влияние на религию, а через нее и на искусство, где эти сюжеты постоянно использовались.

Итальянские мастера

  Многие из тенденций гораздо раньше зародились в Италии, нежели в других странах Европы. Двое мастеров конца XIII века - Чимабуэ и Дуччо - считаются обще признанными основателями традиции зримого реализма в живописи, которой было суждено доминировать в европейском искусстве вплоть до XX столетия. Оба оставили потомкам знаменитые алтарные образы, где главными персонажами выступают Мадонна с младенцем.

  В скором времени обоих живописцев затмил их младший современник Джотто ди Бондоне (ок. 1267-1337). Он первым из великих флорентийских мастеров снискал прижизненную славу, добившись почета и богатства. Однако он настолько опередил свое время, что многие его новации были поняты и приняты собратьями по кисти лишь спустя добрую сотню лет. Его герои из плоти и крови твердо стоят на земле, но при этом как бы способны двигаться и существовать в своем природном или архитектурном окружении и пространстве с некоторым намеком на глубину. Но прежде всего перед нами живые люди, обладающие глубокими чувствами и эмоциями. Удивительное мастерство передачи всех оттенков человеческих переживаний сделало Джотто великим драматическим художником.

Фрески

  Создавая свои панно, Джотто применял изобретенную к тому времени итальянцами технику фресковой живописи. Сегодня мы называем фресками как созданные в этой технике картины, так и вообще любую настенную живопись. Но подлинная фреска - это всегда роспись поверх свежей, еще влажной штукатурки, служащей грунтом для слоя краски. Само итальянское слово "fresco" означает "свежий". За один сеанс расписывался красками лишь тот участок стены, который мастер успевал заполнить по еще не подсохшей штукатурке. Здесь решающую роль играл фактор времени, ибо пигменты, нанесенные на влажный слой штукатурки, вступали с ней в химическую реакцию, образуя стойкие соединения. Высохшая фреска не шелушилась и не осыпалась, сохраняя на долгие века первозданную красоту и яркость красок. Благодаря этому колоссальному техническому прорыву спустя годы были созданы величайшие шедевры фресковой живописи, в том числе росписи Сикстинской капеллы в Ватикане кисти Микеланджело.

  Придание глубины

  Мастерам, впервые столкнувшимся с этой задачей, было непросто создать иллюзию реальности изображаемой сцены. Здесь требовались не только точная передача внешних очертаний, но и придание фигурам объемности реальных тел, а плоской поверхности картины - ощущения глубины, чтобы пейзаж как бы терялся вдали (речь идет об искусстве перспективы). Не одно поколение итальянских художников оттачивало эту технику, нередко отвлекаясь на решение таких задач, как создание декоративных орнаментов. Ту же проблему приходилось решать и мастерам остальной Европы, в разное время испытывавшим мощное влияние итальянского искусства.

К концу XIV века живописцы, работавшие при дворах европейских владык, создали более или менее единый стиль живописи, который часто называют международной готикой. Отражая утонченную, далекую от реальной жизни атмосферу придворного быта, их произведения отличались скорее изысканностью и утонченностью, нежели внутренней силой. Персонажам придавались изящные позы, и хотя перспектива зачастую обозначалась лишь намеком, мельчайшие детали антуража выписывались с ювелирной точностью.

  Все эти черты с особой яркостью проявлялись в украшенных миниатюрами манускриптах, изготовленных по заказу владетельных семейств. Известнейшими мастерами этого жанра были Поль Лимбург и двое его братьев, которые, проработав всего 16 лет (1400-16), внезапно исчезли с исторической сцены. Их покровителем и заказчиком был выдающийся коллекционер и ценитель произведений искусства той эпохи герцог Жан Беррийский, младший брат французского короля Карла V. Его имя прославила книга, вошедшая в историю под названием "Великолепный часослов герцога Беррийского".

Лимбурги, братья (Поль, Эрманн и Жеаннекен). "Роскошный Часослов герцога Жана Беррийского. Месяц январь. Фрагмент"

 

  "Часослов" обязан своей славой превосходным миниатюрам, созданным для него братьями Лимбургами. Данное произведение, ставшее подлинным венцом их творчества, осталось в 1416 г. незавершенным, но до нас дошли 12 знаменитых миниатюр на тему времен года. На них изображены сцены сева, жатвы или охоты, приуроченные к тому или иному сезону.

Появление масляных красок

  В 1430-х гг. в тогдашней Фландрии, принадлежавшей герцогу Бургундскому (нынешние Бельгия и Нидерланды), начал развиваться совершенно новый стиль живописи. Подобно Италии, Фландрия была краем процветающих городов. Именно этому факту многие приписывают реалистичный, лишенный подчеркнутого аристократизма стиль местного искусства. И так же, как в Италии, расцвету фламандской живописи способствовало важнейшее техническое нововведение - масляные краски. Растертые с растительным маслом пигменты значительно превосходили по яркости преобладавшую тогда в живописи темперу, основой которой служил быстро сохнущий яичный желток. И если писать темперой и создавать фрески надо было быстро, не вдаваясь в мелкие детали, то масляные краски можно было накладывать слой за слоем, добиваясь удивительных живописных эффектов. С тех пор любой художник, стремившийся к совершенству, неизменно отдавал предпочтение масляной живописи.

Фламандская школа

  Основателем фламандской живописной школы был Робер Кампен, но самые известные ее представители принадлежат к следующему поколению. Первым из великих мастеров европейской масляной живописи стал непревзойденный портретист Ян ван Эйк (ок. 1390-1441). С помощью масляных красок он добивался великолепной передачи игры света и тени на различных предметах.

 

Портрет четы Арнольфини, Ян Ван Эйк

 

  Необычайно одаренным художником был и его младший современник Рогир ван дер Вейден (ок. 1399-1464). Не столь заботясь о деталях, как ван Эйк, он предпочитал богатые яркие цвета, четкие контуры и тонкое моделирование объемов, создав собственный неповторимый стиль, способный передавать широкий спектр эмоций - от безмятежного спокойствия до безграничной скорби.

 

Изабелла Бургундская, Рогиг ван Дер Вейден

 

  Фламандская школа дала искусству не одно поколение блестящих мастеров живописи, и в течение всего XV века многие присущие ей черты перенимались художниками всей Европы. Только с 1500 года на смену им пришло новое течение, исподволь набиравшее силу за Альпийскими хребтами - итальянское Возрождение.

middleages.umi.ru

Растительный код. Живопись средневековья: agritura

Посвящается всем девочкам,девушкам, женщинам и бабушкам!

1 Unicorn-TapestryХудожники 15 века стали покрывать свои полотна плотным ковром растений, имитируя гобелены. Перед собой вы видите бургундский гобелен с изображением плененного единорога.

1 Акантус - смерть античностьТрадиция изображать различные растения, наделяя их символическим значением, появилась еще в античности. Так, листья аканта считались символом смерти.

2 DP118981На гобеленах растения изображены с удивительно "ботанической" точностью, но, похоже, пока служат только украшением.

3 DP118983В сцене охоты на единорога в нижнем правом углу изображено апельсиновое дерево. Это было экзотическое растение, оно считалось символом райских кущ.

4. Ясень и сосна

Путешествия в дальние страны позволили европейцам знакомиться с новыми растениями - финиковыми пальмами, например.

4Нередко разные виды растений украшали маргиналии манускриптов.

5 mandragora_tacuinum_sanitatis1Очень популярной была легенда о магических свойствах корня мандрагоры.

5 Финиковая пальмаПальмы представлялись как-то так.

6 pinea03 соснаШишка пинии (сосны) была символом древа жизни.

7 BH-Annunc-1Сразу несколько цветов считались символами Богородицы.

7 olive-trees-flanking-menorah_450 Испания 13 векСимволическое значение некоторые растения имели для разных религий. На картинке - лист из старинной иудейской книги с изображением меноры и оливковых деревьев, символа мира. (Испания, 12 век)

7 фиалкиВ буквице средневекового манускрипта мы видим Смерть, любующуюся собой в зеркале, а вокруг - барвинки, символ молодости и красоты. Ирония, видимо, такая.

7 хМуза Каллиопа 1465 Козимо ТураАнтичные мифы были популярны в эпоху Возрождения. На картине Козимо Тура (1465) - муза Каллиопа, покровительница поэзии. В ее руке ветвь черешни - символ плодовитости, здесь - творческой, видимо.

originalРафаэль Санти "Сон рыцаря" (1504).Ясное дело, что скрытый символизм буквально просился на полотна-аллегории. На этой картине "зашифрован" сложный выбор между мудростью и телесными удовольствиями. Слева - богиня Минерва, протягивающая спящему рыцарю книгу, символ знаний, справа - Венера, предлагающая цветы яблони - символ чувственных наслеждений.

7 юСусанна и Старцы Артдольфер7 юСусанна и Старцы Артдольфер2Много символизма и в ветхозаветных сюжетах. На картине Альбрехта Альтдорфера (1526) "Сусанна и Старцы" героиня идет на суд (справа), неся в руках лилию - символ невинности. Если помните, похотливые старцы домогались ее, подглядев, как она купается, а когда благочестивая женщина отказала им, ложно обвинили ее в прелюбодеянии. Мудрый царь Давид совершил праведный суд, выведя развратников на чистую воду. Видите, Сусанна идет мимо высокого стебля коровяка, называемого еще "царский скипетр" - символ власти и правосудия.

Еще один прерасный южнофламандский гобелен "Убийство единорога". Теперь уже с символами.

7 яяубийство единорога лещина кон 15 юж нидерланды 2В левом нижнем углу виден куст лещины - это символ богатства и изобилия. Белка - символ трудолюбия.

И, конечно, очень много тайных символов в религиозной живописи 15-16 веков. Травянистый покров у ног святых, особено на картинах Сверного возрождения, - настоящий ботанический справочник. Похоже, знание бтаники было обязательным навыком художников того времени. Интересно, что практически каждое растение имело свой смысл.

7Я когда-то вам очень подробно рассказывала про Гентский алтарь Яна ван Эйка. Напомню, здесь очень много символов, растительных в том числе.

7аНапример,  Ева держит в руке плод Древа познания, но здесь это не яблоко, а "адамово яблоко" или не съедобный иберийский цитрон.

7бЯблоко, как и лимон - символ первородного греха.

8. Matthias_Gruenewald_Maria_mit_Kind_1519На этом чудесном полотне Маттиаса Грюневальда "Штуппахская Мадонна" (1517) мы видим в вазе символы Марии - белая лилия - невинность и чистота, роза - материнская скорбь и раны Христовы, ноготки (или бархотцы) - "золото Марии", дар утешения Богородицы неимущим и убогим. Мария подает малышу грецкий орех - символ Христа (невзрачная скорлупа - человеческое тело, вкусное ядро - божественная сущность).

8На все том же Гентском алтаре тоже можно видеть цветы Богородицы: роза - скорби, лилия - чистота, аквилегия и ландыш  - слезы.

CampinVeronicaCampinVeronica2Ландыш можно видеть и у ног святой Вероники с картины Робера Камрпена. И еще одуванчик: милый цветочек - младенец Христос, пикообразные листья - копье Лонгина, страсти Христовы.

8аЖак Даре, "Мадонна с младенцем и святыми в Запретном саду" (1425). У ног Марии - морозник, символ Христа и вечной жизни. Слева в углу - ирис, символ материнского горя и мук.

9 madonna-and-child-with-angels-rossini-ЖасминАнгелы преподносят Мадонне с младенцем жасмин. Козимо Россини (1440-1507)Жасмин - символ чистоты.

10 gugo-van-der-gus-altar-portinari-obschiy-vid"Рождество" Хуго ван дер Гуса - прародитель натюрмортов. Фрагмент:

11 img111На переднем плане картины мы видим уже знакомые нам лилии, ирисы (белый символизирует чистоту, синий - материнскую скорбь), аквилегии. А еще гвоздику - кровь Христа и материнскую любовь, и фиалки - символ смирения. Колоски пшеницы - хлеб, плоть Господня.

Leda_Melzi_Uffizi

жжжВенецианская копия картины Леонардо да Винчи "Леда и лебедь". В античном мифологическом сюжете цветы имеют совсем другое значение: анемона - ветреность, аквилегия - символ плодородия, барвинок в руках Леды - природная сила, страсть, молодость, лютик едкий ("куриная слепота") - беспечность. Дуб над головой Леды - символ Зевса.Такую тщательную детализацию, обычно ительянцам не свойственную, художники нередко "заимствовали" у северных живописцев.

12 Leonardo_da_Vinci_Madonna_of_the_CarnationМария подает младенцу гвоздику - символ родительской любви. (Леонардо да Винчи "Мадонна с гвоздикой").

12 Герард Давид 1510-15 Рождество с донатрами и святым Иеронимом и ЛеонардомГерард Давид "Рождество с донаторами, святыми Иеронимом и Леонардом" (1510-15).

Здесь символичен одуванчик, его значение вы уже знаете:

13 Безымянный

14 Джероламо да Либри 1520 лавр победа и бессмертиеДжероламо ди Лабри "Мадонна с младенцем и святыми" (1520). Лавровое дерево - слава, бессмертие. Павлин - символ вечной жизни (его плоть почему-то считалась нетленной)

15 Мартин шонгацэр madonna-of-the-rose-bushМартин Шонгауер "Мадонна в розовых зарослях".Вообще-то, роза - символ страданий и жертвы Христа и Марии, "божьи раны". Интересно, что здесь изображены не розы, а древовидные пеоны. Считалось, что розы в раю не имеют шипов, так что пеон вполне подходил на эту роль.

16 Мартин Шонгауэр 1495А это наброски Шонгауэра (1495). Пеон же!16 Стефан Lochner_Rosenlaube_wrm_0067_2_04Стефан Лохнер. Еще одни розовые заросли. У ног Богоматери фиалки, символ смирения.

17 Йос ван Клеве Нидерланды 1513-15Йос ван Клеве (1513-15). Нередко мадонну с младенцем изображали с фруктами. В руках Христос держит апельсин (плод райского дерева) или персик - противопоставление яблоку, плоду-символу первородного греха; персик - символ Троицы. Гранат на подносе - символ Вселенской церкви, виноград - вино - кровь Христова, орех - вы уже знаете, вишня - кровь Иисуса, груша - сладость добродетели.

27 филиппо липпи кон 15Филиппо Липпи (кон 15 века). Тоже гранат.

18 джованни беллини 1480Джованни Беллини (1480), здесь у нас груша.

18 Йос ван Клеве Нидерланды 1525Йос ван Клеве (1525). В руке явно персик. Лимон лежит демонстративно в стороне - это символ земных страстей: красивый снаружи, невозможно кислый внутри. Он явно противопоставляется грецкому ореху, символу Христа.

19 карло кривелли 1480Карло Кривелли (1480). Младенец держит в руке щегла, символ страстей Христовых. Слева сидит муха - недремлющий дьявол, символ смерти, распада. Иногда яблоко трактовалось как символ искупления, а огурец - чистота и воскрешение.

20 Лукас Кранах старЛукас Кранах. Виноград - евхаристический символ Христа, кровь Христова.

21 Мартин Шонгауэр Schongauer-Holy-FamilyМартин Шонгауэр "Святое семейство". Виноград, а в корзине - ежевика, символ чистоты Девы Марии.

22 Изенгеймский алтарь Маттиас Грюнневальд 1510-15Изенгеймский алтарь Маттиаса Грюневальда, 1510-15

23 Изенгеймский алтарь Маттиас Грюнневальд 1510-15 2Святые в створках стоят на постаментах, увитых плющом - символом воскрешения, вечной жизни, преданности.Теперь у нас святые пошли.

24 Adriaen_Ysenbrandt_-_The_Magdalen_in_a_Landscape_-пероцвет - надеждаАдриан Изенбрандт "Мария Магдалина с пейзажем". Позади святой - подснежник, символ надежды и очищения.

25 st-dorothea кранахЛукас Кранах. "Святая Доротея". Когда святую вели на казнь, охранник, издеваясь, предложил ей совершить чудо - раздобыть розы среди зимы. Тут же к святой подошел мальчик с корзиной роз. Теперь это символ святой Доротеи.

Антонио Корреджо "Святая Катерина". Ветвь пальмы - символ мученичества.

28 durer_painting24Альбрехт Дюрер "Максимильян Первый". Гранат - вы уже знаете.Всякие светские люди пошли.

29 Незабудки Ханс Зюсс ван КульбахХанс Зюсс ван Кульбах. Девушка плетет венок из незабудок - символ преданности любимому. Это подтверждает и надпись на ленте.

30 молодой рыцарь на фоне пейзажа витторе карпаччо 1510"Молодой Рыцарь на фоне пейзажа" (герцог Урбино?). Витторе Карпаччо. По всей видимости портрет посмертный. На цаплю в небе нападае ястреб возле воды он ее уже доедает. Собака - верность, лилия - чистота, ирис - скорбь, горностай - символ ордена, к которому принадлежал рыцарь.

31 1490 портрет ледиПортрет леди. В корзиночке цветы, которые говорят о том, что это - скорей всего невеста: фиалка - смирение, жасмин - чистота, гвоздика - любовь.

32 andrea-solario-a-man-with-a-pinkАндреа Соларио "Портрет мужчины с гвоздикой". Такие парадные "жениховские" портреты были очень популярны. Они показывали, что герой влюблен и собирается жениться. Либо молодой муж преподносил такой портрет супруге в знак любви.

Еще много:32 UKM.PortraitWoman.Swabia1480s(EGPcat20)Неизв. 1480.

32 UKM.WomanOrderOfSwan.1490(EGPcat3)1490

32 анна куспиниан лукас кранахЛукас Кранах. Портрет доктора Иоганна Куспиниана и его невесты (уже жены?) Анны Куспиниан.

32 Ганс Гольбейн портрет Георга ГиссеГанс Гольбейн. Портрет Георга Гиссе.

32 Ганс МемлингГанс Мемлинг

32 Дирк Jacobsz-Помпеус Окко 1534-portrait-smallДирк Яакобс. Портрет Помпеуса Окко (1534)

32 Портрет Урсула_tucher Михаэль Вольгемут 1478Михаэль Вольгемут "Портрет Урсулы Тюхер" (1478)

32 последователь ван ЭйкаМастерская Яна ван Эйка

33 пизанелло графиня гиневра эсте 1436 38Пизанелло, Портрет графини Гиневеры дЭсте (1447)А это портрет девушки, которая к моменту его создания была уже мертва. Она умерла в 21 год, в его смерти обвинили мужа (вторая его жена тоже странно умерла). На картине - цветы-символы: аквилегия - слезы, гвоздика - любовь (возможно, родительская, мы не знаем кто заказал картину), бабочки и веточка хвои - бессмертие в памяти близких.

34 1485 доменико джерландайо портрет дамы апельсинДоменико Герландайо "Портрет дамы". Видимо, она невеста, еще один символ чистоты - цветок апельсина

35 Дюрер Автопртрет остролистАльбрехт Дюрер, автопортрет в 22 года.Портрет предназначался юной жене, остролист в руках - символ супружеской верности. Картина вдохновила меня на создание этого поста.

it-of-a-woman-of-the-hofer-family-unknown-swabian-artist-2Нейзв. Дама из семьи Хофер. Незабудка - верность, преданность. Возможно, супруг дамы умер - об этом может говорит муха на головном уборе, здесь - символ смерти, бренности бытия.

Леди Филиппа Кинсби вишня - быстротечностьЛеди Филиппа Кингсби. Вишня - плодородие, изобилие

Портрет леди 1576 лютик богатство первоцвет замужествоПортрет леди (1576). Здесь лютик в руках - богатство, первоцвет - замужество.Свезло, видать, тетке!

МИрабелло Кавалори Мальчик с гиацинтом и персиком мудрость ловкость игривостьМирабелло Кавалори "Мальчик с гиацинтом и персиком". Гиацинт символизировал смелость, ловкость, игривость. Иногда - мудрость, но здесь - вряд ли. А еще гиацинты хорошо пахнут - мне сегодня подарили.

32 slide_1532 Tobias-Stimmer.-Nicolas-Copernic-712x1024И напоследок портрет Николая Коперника работы Тобиаса Стимера. Ландыш - символ горечи и слез. Этого добра у ученого, как известно, было навалом!

А вам желаю не испытывать горечи, а слезы лить только от радости!

agritura.livejournal.com

Средневековая живопись

В эпоху средневековья живопись стала одним из главнейших видов искусств. Перемены в жизни общества и новые технические приемы дали художникам возможность создавать реалистичные, пронизанные глубоким гуманизмом произведения, которым было суждено совершить подлинную революцию в западноевропейском искусстве.

На закате романской эпохи живописи отводилась второстепенная роль малярства. Но с приходом XIII столетия началось стремительное развитие европейской цивилизации, открывшее перед художниками новые перспективы. Дворцы и замки высшей знати украшались с невиданным ранее великолепием, бурно разрастались Париж, Прага, Лондон, города Италии и Фландрии. Все новых полотен – поначалу лишь на религиозные сюжеты – жаждали не только аристократы и служители церкви, но и зажиточные горожане. С распространением грамотности возрастал и спрос на литературу светского содержания. Лучшие образцы книжного искусства, богато оформленные миниатюрами, предназначались для королей и князей и создавались не только в монастырях, но и профессиональными художниками, имевшими собственные мастерские. Несмотря на довольно низкое общественное положение при жизни, имена многих художников и их биографии стали достоянием истории.

Новые возможности

Новому отношению к живописи содействовал и целый ряд религиозных нововведений. В начале XIII века церковные алтари украсил запрестольный образ, на фоне которого велись богослужения. Он нередко состоял из двух (диптих), трех (триптих) и более створок, но описывал единую группу персонажей или сцену. Особой популярностью пользовалось изображение донатора (особы, оплатившей изготовление алтарного образа и пожертвовавшей его церкви), которого его святой покровитель представляет Мадонне. Ставя перед художником сложные творческие задачи, алтарный образ в то же время открывал новые широкие возможности для самовыражения при оформлении алтарного пространства, которому надлежало стать предметом главного внимания и религиозных чувств паствы.

Наступил и расцвет настенной живописи – отчасти в результате усиления основанного св. Франциском Ассизским ордена францисканцев, для которого строилось все большее количество церквей. Наиболее подходящим способом их украшения оказалась живопись, так как создание мозаики либо требовало много времени, либо считалось непозволительной роскошью для ордена, исповедовавшего бедность и смирение.

Сильное влияние на дальнейшую судьбу живописи оказала жизнь и деятельность самого св. Франциска Ассизского (1182-1226). Искренняя любовь святого к миру живой природы помогла его современникам осознать красоту земного бытия, и с XIII века в средневековой живописи доминировал новый взгляд на мир. Отныне художники, не отказываясь от религиозной тематики, с явным удовольствием изображали материальный мир и творили в новой реалистичной и гуманистической манере.

Поклонение глубоко человечному образу Мадонны также оказало мощное гуманистическое влияние на религию, а через нее и на искусство, где эти сюжеты постоянно использовались.

Итальянские мастера

Многие из тенденций гораздо раньше зародились в Италии, нежели в других странах Европы. Двое мастеров конца XIII века – Чимабуэ и Дуччо – считаются обще признанными основателями традиции зримого реализма в живописи, которой было суждено доминировать в европейском искусстве вплоть до XX столетия. Оба оставили потомкам знаменитые алтарные образы, где главными персонажами выступают Мадонна с младенцем.

В скором времени обоих живописцев затмил их младший современник Джотто ди Бондоне (ок. 1267-1337). Он первым из великих флорентийских мастеров снискал прижизненную славу, добившись почета и богатства. Однако он настолько опередил свое время, что многие его новации были поняты и приняты собратьями по кисти лишь спустя добрую сотню лет. Его герои из плоти и крови твердо стоят на земле, но при этом как бы способны двигаться и существовать в своем природном или архитектурном окружении и пространстве с некоторым намеком на глубину. Но прежде всего перед нами живые люди, обладающие глубокими чувствами и эмоциями. Удивительное мастерство передачи всех оттенков человеческих переживаний сделало Джотто великим драматическим художником.

Фрески

Создавая свои панно, Джотто применял изобретенную к тому времени итальянцами технику фресковой живописи. Сегодня мы называем фресками как созданные в этой технике картины, так и вообще любую настенную живопись. Но подлинная фреска – это всегда роспись поверх свежей, еще влажной штукатурки, служащей грунтом для слоя краски. Само итальянское слово “fresco” означает “свежий”. За один сеанс расписывался красками лишь тот участок стены, который мастер успевал заполнить по еще не подсохшей штукатурке. Здесь решающую роль играл фактор времени, ибо пигменты, нанесенные на влажный слой штукатурки, вступали с ней в химическую реакцию, образуя стойкие соединения. Высохшая фреска не шелушилась и не осыпалась, сохраняя на долгие века первозданную красоту и яркость красок. Благодаря этому колоссальному техническому прорыву спустя годы были созданы величайшие шедевры фресковой живописи, в том числе росписи Сикстинской капеллы в Ватикане кисти Микеланджело.

Придание глубины

Мастерам, впервые столкнувшимся с этой задачей, было непросто создать иллюзию реальности изображаемой сцены. Здесь требовались не только точная передача внешних очертаний, но и придание фигурам объемности реальных тел, а плоской поверхности картины – ощущения глубины, чтобы пейзаж как бы терялся вдали (речь идет об искусстве перспективы). Не одно поколение итальянских художников оттачивало эту технику, нередко отвлекаясь на решение таких задач, как создание декоративных орнаментов. Ту же проблему приходилось решать и мастерам остальной Европы, в разное время испытывавшим мощное влияние итальянского искусства.

К концу XIV века живописцы, работавшие при дворах европейских владык, создали более или менее единый стиль живописи, который часто называют международной готикой. Отражая утонченную, далекую от реальной жизни атмосферу придворного быта, их произведения отличались скорее изысканностью и утонченностью, нежели внутренней силой. Персонажам придавались изящные позы, и хотя перспектива зачастую обозначалась лишь намеком, мельчайшие детали антуража выписывались с ювелирной точностью.

Все эти черты с особой яркостью проявлялись в украшенных миниатюрами манускриптах, изготовленных по заказу владетельных семейств. Известнейшими мастерами этого жанра были Поль Лимбург и двое его братьев, которые, проработав всего 16 лет (1400-16), внезапно исчезли с исторической сцены. Их покровителем и заказчиком был выдающийся коллекционер и ценитель произведений искусства той эпохи герцог Жан Беррийский, младший брат французского короля Карла V. Его имя прославила книга, вошедшая в историю под названием “Великолепный часослов герцога Беррийского”. “Часослов” обязан своей славой превосходным миниатюрам, созданным для него братьями Лимбургами. Данное произведение, ставшее подлинным венцом их творчества, осталось в 1416 г. незавершенным, но до нас дошли 12 знаменитых миниатюр на тему времен года. На них изображены сцены сева, жатвы или охоты, приуроченные к тому или иному сезону.

Появление масляных красок

В 1430-х гг. в тогдашней Фландрии, принадлежавшей герцогу Бургундскому (нынешние Бельгия и Нидерланды), начал развиваться совершенно новый стиль живописи. Подобно Италии, Фландрия была краем процветающих городов. Именно этому факту многие приписывают реалистичный, лишенный подчеркнутого аристократизма стиль местного искусства. И так же, как в Италии, расцвету фламандской живописи способствовало важнейшее техническое нововведение – масляные краски. Растертые с растительным маслом пигменты значительно превосходили по яркости преобладавшую тогда в живописи темперу, основой которой служил быстро сохнущий яичный желток. И если писать темперой и создавать фрески надо было быстро, не вдаваясь в мелкие детали, то масляные краски можно было накладывать слой за слоем, добиваясь удивительных живописных эффектов. С тех пор любой художник, стремившийся к совершенству, неизменно отдавал предпочтение масляной живописи.

Фламандская школа

Основателем фламандской живописной школы был Робер Кампен, но самые известные ее представители принадлежат к следующему поколению. Первым из великих мастеров европейской масляной живописи стал непревзойденный портретист Ян ван Эйк (ок. 1390-1441). С помощью масляных красок он добивался великолепной передачи игры света и тени на различных предметах.

Необычайно одаренным художником был и его младший современник Рогир ван дер Вейден (ок. 1399-1464). Не столь заботясь о деталях, как ван Эйк, он предпочитал богатые яркие цвета, четкие контуры и тонкое моделирование объемов, создав собственный неповторимый стиль, способный передавать широкий спектр эмоций – от безмятежного спокойствия до безграничной скорби.

Фламандская школа дала искусству не одно поколение блестящих мастеров живописи, и в течение всего XV века многие присущие ей черты перенимались художниками всей Европы. Только с 1500 года на смену им пришло новое течение, исподволь набиравшее силу за Альпийскими хребтами – итальянское Возрождение.

Тема Борьба с курением самая популярная в мире

Tags: Средневековая живопись

This entry was posted on Wednesday, January 14th, 2009 at 13:32 and is filed under Арт история. You can follow any responses to this entry through the RSS 2.0 feed. Both comments and pings are currently closed.

artdosug.ru

Женщины и украшения в картинах от средневековья до наших дней – Ярмарка Мастеров

В мире нет ничего более прекрасного, чем красота женщин.

Женщина — это всегда тайна. Томная чувствительность, загадочная привлекательность, нежное очарование, манящая недосказанность — всё это неотъемлемые черты настоящей женщины. И как следствие, настоящая женщина окружает себя вещами, способными сохранить её тайны и поддержать обаяние прекрасного образа в глазах поклонников.

Женщины просто созданы, чтобы носить украшения.

Украшения — это всегда неотделимая черта облика женщины, независимо от её статуса и положения в обществе.

Художники всех времен и народов видели на женщинах изысканные, дорогие и даже простые украшения, которые подчеркивали их красоту, характер, своеобразность.

В этой публикации я собрала коллекцию картин классиков и современных художников, где вы сможете увидеть женщин разных эпох, народов, национальности, возрастов, социального и семейного положения, украшенных всевозможными ювелирными изделиями.

женщины и украшения

украшения

картины

красота

художники

публикация

Спасибо!

www.livemaster.ru


Смотрите также