Джеймс Эббот Макнил Уистлер: жизнь и творчество художника. Картины уистлера


Уистлер, Джеймс (1834 - 1903). Картины художников — Журнал по дизайну и культуре

Композиция в сером (автопортрет). Д.Уистлер. 1871-1873 гг. Институт искусств в Детройте.

Композиция в сером (автопортрет). Д.Уистлер. 1871-1873 гг. Институт искусств в Детройте.

В истории живописи был художник, родившийся в США, проведший юность в России, и проработавший большую часть жизни в Париже. Поэтому, вероятно, наиболее полное представление о его творчестве можно получить лишь приехав с туром во Францию. Джеймс Уистлер родился 10 июля 1834 года в Лоуэлле, промышленном городе США. Пребывание в России во многом сказалось на формировании таланта и стилистики картин художника. В Петербург Уистлер приехал подростком осенью 1843 года, когда его отец, инженер-путеец, был, в числе других, приглашен Российским правительством для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы. Годы детства и юности, проведенные будущим художником в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясений жизни. Северная Пальмира предстала перед ним в великолепии дворцов, блеске военных парадов, огнях фейерверков, освещавших вечернее небо столицы мириадами падающих звезд. Дом, где жили Уистлеры, находился близ величественных архитектурных ансамблей города.

Уистлер рано пристрастился к рисованию.

Уроки мальчику начал давать А.Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джимми Уистлер благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Академию тех лет принято называть брюлловской. Корицкий, у которого Уистлер продолжал заниматься, был одним из близких учеников Брюллова. В 14 лет он твердо избирает путь художника. Но, в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку. Систематические занятия искусством приходится прекратить. Отдав дань семейным традициям, Уистлер проучился три года в Уэст-Пойнтской военной академии, затем работал чертежником в Геодезическом управлении, где овладел техникой офорта, необходимой для изготовления карт.

Девушка в белом (Джоан Хифернан). Д.Уистлер. 1864, Галерея Тейт, Лондон.

Девушка в белом (Джоан Хифернан). Д.Уистлер. 1864, Галерея Тейт, Лондон.

Осенью 1855 года Джеймс Уистлер с согласия родных переехал в Париж, чтобы стать профессиональным художником.

Он навсегда покинул Америку, лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять место в музеях. В Париже Уистлер посещал мастерскую Ш.Глейра, сторонника академизма. Он пользовался уважением учеников, среди которых в 60-х годах были такие художники как О.Ренуар, К.Моне, А.Сислей. Соученик Уистлера Д.Дюморье описал в романе Трильби мастерскую Глейра и изобразил Джеймса ленивым учеником, королем бродяг, которому все прощалось за его обаяние. Однако ленивец всегда находил время, чтобы, находясь в Лувре, поучиться благородной сдержанности колорита и пристальному вниманию к живому человеку на произведениях Рембрандта, Веласкеса, Хальса. Он сумел оценить реалистический пафос полотен Г.Курбе, и воздействие их оказалось чрезвычайно благотворным.

Гармония в сером и зеленом (мадемуазель Сесиль Александер). 1872-1874 гг. Д.Уистлер.

Гармония в сером и зеленом (мадемуазель Сесиль Александер). 1872-1874 гг. Д.Уистлер.

Уже в 1858 году Уистлер опубликовал свои первые Двенадцать офортов с натуры, сделанных в Париже, Лондоне и на Рейне, в которых ясно ощущалось влияние Рембрандта. Офорты сразу же завоевали популярность, а их автор предстал сложившимся мастером художественной гравюры, переживавшей в те годы период глубокого упадка. Приемы Уистлера в работе над офортами были своеобразны и требовали повышенной остроты глаза и твердости руки. Обычно, он рисовал непосредственно с натуры на небольших медных досках, работая в технике сухой иглы, позволявшей достигать особой насыщенности и изящества красочных линий.

В Лондоне в 1859 — 1860 годах Уистлер создал серию офортов Темза.

Художник стремился увидеть и отразить поэзию труда. Особенно удачен офорт Пристань Черного Льва. Полотно У рояля 1859 года получило одобрение Курбе. На нем изображены близкие Уистлеру люди сестра Дебора и ее дочь Анни. Тему домашнего музыкального концерта, часто встречающуюся в голландской живописи, художник решил по-своему, совместив ее с темой материнства. Картина художника написана в сдержанной цветовой гамме. Целостность восприятия достигалась тонко прочувствованной градацией света и тени, гармонией чуть приглушенных контрастов, одновременно тональных и цветовых (черного и белого, темно-красного и светло-зеленого). Композиция была выстроена в соответствии с классическими канонами: фигуры матери и дочери, склоненные к роялю, вписаны в треугольник, вершина которого выходит за край полотна. Повторы горизонтальных линий пола, корпуса рояля, рам на стене создают второй, слабее намеченный ритм.

Симфония в белом No 1. Девушка в белом. Д.Уистлер. 1862 г. Вашингтон. Национальная Галерея.

Симфония в белом No 1. Девушка в белом. Д.Уистлер. 1862 г.Вашингтон. Национальная Галерея.

В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом No 1».

Девушка в белом», решенная в необычайной для тех лет осветленной гамме. Сейчас уже трудно поверить, что эта работа, выставленная вместе с «Завтраком на траве» Э.Мане в Салоне отверженных, вызывала смех у зрителей, приученных к поверхностно — литературному восприятию живописи. Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, при сдержанности колорита.

Увлечение экзотическим Востоком Уистлер стремится передать в своих произведениях:

  • Принцесса страны фарфора,
  • Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма,
  • Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок.
  • Симфония в белом № 2.

Девочка в белом, созданная в 1864 году завершила цикл картин художника. На полотне Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей: японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора, ветки цветущей азалии. Работу отличают ясность и декоративность. Общее впечатление от картины сдержанно радостное.

Портрет матери. Д.Уистлер. 1871-1873 гг.

Портрет матери. Д.Уистлер. 1871-1873 гг.

Глубоко психологичным выглядит «Портрет матери», созданный Уистлером в 1871 году.

Ее колорит решен в серых и черных тонах. Композиция картины построена с использованием прямоугольных плоскостей: стен, рамки висящей картины, темной драпировки. Черное платье пожилой женщины вписывается в треугольник, одна из сторон которого совпадает с диагональю картины, ритм восходящих светлых пятен ведет взгляд зрителя к центру картины ясному профилю лица. Художник сознательно повторил выбранные композиционное и колористическое решения в работе над портретом английского историка и философа Томаса Карлейля. В людях, проживших большую трудную жизнь, он ощутил и смог передать сохраненную молодость души вечно женственной на портрете матери, и мятежной на портрете Карлейля.

Композиция в сером и черном No 2. Портрет Томаса Карлейля. Д.Уистлер.

Композиция в сером и черном No 2. Портрет Томаса Карлейля. Д.Уистлер.

Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» Уистлер работал в течение 70 сеансов.

Создавая образ девушки, Уистлер, несомненно, шел от инфант Веласкеса. Поэтичностью проникнут и портрет миссис Лейланд, выдержанный в светлых оттенках розоватых тонов. Художник постепенно вырабатывал тип светского портрета, который развивал в дальнейшем. К этому времени технические приемы мастера уже сложились. Он писал большими кистями на длинных рукоятях и наносил мазки сильными быстрыми ударами. Вместо палитры, художник пользовался маленьким столиком, в центре которого располагал белила, слева от них лимонно-желтую, кадмий, охру светлую, сиену натуральную, умбру натуральную, кобальт, ультрамарин и разновидность берлинской лазури; справа киноварь, венецианскую красную, индийскую красную, краплак и черную жженую слоновую кость. Зеленые краски отсутствовали. Разбеленную слоновую кость, дающую в красивый перламутровый тон, Уистлер, по примеру Ш.Глейра, использовал в качестве всеобщего гармонизатора, вводя ее почти во все красочные смеси. Холсты грунтовались смесью белил и слоновой кости.

Гармония в красном, розовом и фиолетовом. Д.Уистлер. 1883 - 1884 гг. Охайо, Музей искусств.

Гармония в красном, розовом и фиолетовом. Д.Уистлер. 1883 — 1884 гг. Охайо, Музей искусств.

Следуя советам Глейра, и передавая их затем своим ученикам, Уистлер сначала, тщательно подбирал основные тона для лица, волос, одежды, фона в свету, полутени и тени. Полученные смеси он хранил в баночках, заливая сверху водой. Добиваясь единства и свежести исполнения, мастер работал одновременно над всей поверхностью холста, а не заканчивал произведение по частям. При нарушении правильного соотношения тонов в своих симфониях и аранжировках он не довольствовался частичными исправлениями, а уничтожал все написанное, иногда не один раз.

Зелено-розовый ноктюрн. Д.Уистлер. 1861 г. Галерея искусства Фрир, Вашингтон

Зелено-розовый ноктюрн. Д.Уистлер. 1861 г. Галерея искусства Фрир, Вашингтон

Творчество декоратора, Уистлер ценил не меньше своих картин.

Одним из первых он понял значение света и пространства в современном интерьере и отказался от темных обоев, пышных драпировок, перегруженности мебелью. При оформлении выставок художник ввел принцип разреженного развешивания картин. Единственным сохранившимся интерьером стала знаменитая Павлинья комната столовая в доме Лейландов. Там должна была висеть картина художника Принцесса страны фарфора, и он, работая почти без эскизов, с двумя помощниками исполнил роспись, желая создать нечто совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное. Роспись Павлиньей комнаты предвещает возникновение панно стиля модерн конца XIX начала XX века. В мотиве золотых птиц, раскинувших пышные хвосты с сотнями глазков, в насыщенном синем цвете фона можно увидеть переосмысленные в сказочном ключе темы фейерверков в ночном небе над Темзой, которые Уистлер так любил воспроизводить в своих пейзажах-ноктюрнах.

Комната с павлинами. 1867-1877 гг. Д.Уистлер.

Комната с павлинами. 1867-1877 гг. Д.Уистлер.

К поэтическому отображению вечерней и ночной Темзы, ее старых мостов, огней над рекой Уистлер шел от петербургских впечатлений юности, и от гравюр японских мастеров.

Так, в «Ноктюрне в синем и золотом» сказалось знакомство Уистлера с гравюрой Хиросигэ «Склады бамбука у моста Кёбаси». Первоначально, он пытался делать наброски мелом на коричневой бумаге, но впоследствии полагался только на зрительную память. Для работы Уистлер использовал небольшие холсты или дощечки с красным, темно-красным, темно-синим и черным грунтом. Он писал маслом, но очень жидко, как бы в технике акварели, добиваясь нужных эффектов освещения.

Комната с павлинами. 1867-1877 гг. Д.Уистлер.

Комната с павлинами. 1867-1877 гг. Д.Уистлер.

Созданные Уистлером произведения были не только фактами биографии, но во многом определяли саму его жизнь.

Картина художника «Ноктюрн в черном и золотом», «Падающая ракета» 1875 года вызвала нападки известного критика Д.Рескина, обвинившего автора в том, что он бросил в лицо публике горшок с краской. В результате — судебный процесс, хотя и выигранный Уистлером, но приведший к его разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции. В эти месяцы Уистлер жил в Венеции, работая над офортами и пастелями. Хотя выставки венецианских работ, которым была присуща особая воздушность и мягкость, прошла в Лондоне с большим успехом, агрессивное отношение со стороны критики не прекращалось. Постепенно, в художнике произошел душевный надлом. По-прежнему, все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла энергия, стали чаще встречаться композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур, порой, назойливо напоминали о себе.

Но, постепенно, пришли признание и успех, появились почитатели и заказчики. «Портрет матери» приобрело французское правительство, «Портрет Т.Карлейля» занял почетное место в Художественной галерее в Глазго. Как когда-то в юности, на склоне лет в жизнь Уистлера еще раз вошла Россия. В январе 1899 года художница А.Остроумова, ученица Репина по Академии художеств, пришла в живописную мастерскую Уистлера в Париже. Однако, художник, к тому времени уже не брал учеников. Поэтому, на вопрос, у кого ей учиться искусству гравюры, он лишь сказал: «…Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине, или не постигают совсем».

При подготовке публикации были использованы материалы статьи«Я художник и родился в Петербурге» В.Барашкова, М.1983 г.

Читайте также:

www.5arts.info

Джеймс Уистлер

«…Искусство Уистлера трудно отнести к какой-нибудь определенной художественной школе. Он воспринял и синтезировал в своем творчестве самые разные течения, не поддавшись ни одному из них.

Свои пейзажи и портреты художник часто называл "ноктюрнами", или "цветовыми гармониями". Действительно, картины Уистлера отличает виртуозная тонкость и изысканность колорита, построенного, как правило, на сочетании одного-двух основных цветов» (Н. Кирдина).

 

 

Nocturne in Gray and Gold snow in Chelsea

 

"Серое и золотое: Вестминстерский мост"

Джеймс Эббот Макнил Уистлер родился 10 июля 1834 года в одном из промышленных городов США — Лоуэлле.

Осенью 1843 года Джеймс приехал в Санкт-Петербург вместе с отцом, инженером-путейцем, которого пригласило русское правительство для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы.

Годы детства и юности, проведенные Джеймсом в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясениями жизни. Снежная русская зима с катанием на коньках по льду Невы, прогулки по Царскому Селу и Петергофу — ярчайшие детские впечатления художника.

Мальчик рано пристрастился к рисованию. Уроки первоначально давал А. Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джеймс благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Отправленный в Лондон на каникулы, Джеймс пишет отцу о том, что собирается смотреть картоны Рафаэля: «Я бы хотел, чтобы Вы могли пойти со мной! И Корицкий тоже, как бы мы наслаждались». В четырнадцать лет он твердо избирает путь художника.

Но в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку… Приходит конец систематическим занятиям искусством. Отдав дань семейным традициям, Уистлер учится три года в Вест-Пойнтской военной академии, затем работает чертежником в Геодезическом управлении, где овладевает техникой офорта, необходимой для изготовления карт.

Джеймс уволился из Геодезического управления в феврале 1855 года. Уистлер рассказывает: «Я писал портреты: кузины Анни Дени, Тома Уиннанса и других знакомых в Стонингтоне. Я сообщил родным, что уезжаю в Париж. Никто не возражал. Да все это уже намечалось с петербургских времен. Мне оставалось взять билет. Мне положили выплачивать в год триста пятьдесят долларов, которые я и получал очень регулярно».

Он навсегда покидает Америку. Лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять достойное место в музеях.

В Париже Уистлер учился в мастерской Ш. Глейра, однако большее значение имело для него общение с Фантен-Латуром и с Курбе, а также дружеские связи с Мане, Дега и Моне. В 1858 году Уистлер опубликовал «Французскую Сюиту» из двенадцати гравюр, нарисованных в Париже, на Рейне и в Лондоне: «Ливерден», «Лудильщица», «На солнце», «Непрочная постройка», «Матушка Жерар», «Улица в Саверне», «Маленький Артур», «Тряпичница», «Анни», «Торговка горчицей», «Фюметта» и «Кухня». Офорты, в которых ясно ощущается влияние Рембрандта, принесли художнику известность.

Уистлер занимался своими офортами в самых различных условиях, рисуя прямо на меди, без всякой подготовки или предварительных набросков. Для него медная доска и острие были тем, что бумага, перо или карандаш для других. Поэтому так редки его карандашные рисунки на бумаге, тогда как количество гравюр весьма значительно. Он уверенно владел иглой, каждый штрих попадал точно на свое место.

В 1859 году художник пишет картину «У рояля». На картине, написанной в сдержанной цветовой гамме, изображены близкие ему люди — сестра Дебора и ее дочь Анни.

 

У рояля.

Картина была послана в Салон 1859 года вместе с двумя офортами. Она была отвергнута, а два офорта — приняты. Своеобразие молодого художника, видимо, испугало жюри. Несправедливость этого решения вызвала скандал. Бонвен выставил в своей мастерской отвергнутые полотна, имевшие большой успех. Картина «У рояля» вызвала восторженные отзывы, среди них и Курбе. «Теккерей увидел ее и хвалил выше всякой меры…» В этот единственный раз печать была благосклонна к Уистлеру. С этого времени он стал широко известен…

Начиная с 1859 года, в течение нескольких лет Уистлер кочевал между Лондоном и Парижем. В Лондоне он останавливался у своей сестры, леди Хейден, на улице Слоан. Иногда он приводил туда своих друзей.

Уистлера привлекала своеобразная прелесть Лондона. Никто не понял и не почувствовал ее лучше его, ни Тёрнер, ни Констебль… Он понемногу совсем обосновался в Лондоне и до самой смерти всегда возвращался туда…

С 1859 года он стал изучать Темзу. Он еще датировал свои офорты, и к этому году относятся одиннадцать досок серии Темзы. Он видел реку так, как никто до него не видел: то черной от сажи, то блистающей на солнце со своим лесом мачт, бесконечным рядом шаланд, мрачными пакгаузами, огромными доками с маленькими харчевнями на берегу. Он рисовал ее такой, какой видел, какой она была тогда… Среди этих офортов есть лучшие из того, что он вообще создал: «Набережная Черного Льва»:

 

 

«Тизак».  В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом № 1. Девушка в белом»

 

 

Белая симфония Три девушки

 

 

Девушка в белом. 1862.

 

 

"Симфония в белом 3". 1867 г. Холст, масло

 

Уистлер выбирает композиции с элементами, которым достоверность не обязательна: музыка, к которой отсылает нас название картины, дарит художнику принципы композиции, базирующиеся на эмоциях, внутреннем темпе, чисто формальных аккордах.

Но картина «Салон отверженных» вызвала смех у зрителей, приученных к совсем другой живописи.

 

«Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях "Принцесса страны фарфора", "Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма", "Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок"» (В. Барашкова).

В 1864 году Уистлер послал на выставку в Королевскую Академию два полотна — «Уоппинг» и «Длинные Лизен», или «Шесть марок фарфора». С этого момента наступает новый период в его художественном развитии. На следующий год он выставляет «Девочку в белом» — свое самое своеобразное, законченное и совершенное произведение, которое многие художники считают одним из лучших произведений века.

 

 

Девушка в белом. 1864.

На полотне — Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей — японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора. Мы ощущаем душевную ясность модели. Жемчужно-белые оттенки платья Джо в сочетании с насыщенными цветовыми пятнами — красными, розовыми, золотистыми, черными — создают мажорное, чуть приглушенное звучание этой «симфонии».

В 1871 году Уистлер создает замечательный «Портрет матери». Это — одна из драгоценнейших жемчужин американского искусства.

«Выдержанный в благородном созвучии серебристых, серых и черных оттенков, осязательно конкретный в передаче объемов и фактуры предметов, ясно уравновешенный в своей простой и непосредственно-естественной композиции, этот портрет был самым наглядным воплощением лучших качеств национальной американской реалистической традиции», — пишет А.Д. Чегодаев.

Такие же четкие формы прямоугольников (стена, рамка картины, темная драпировка слева) художник применяет и при создании портрета английского историка и философа Томаса Карлейля (1872).

Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» (1872–1874) Уистлер работал в продолжение 70 сеансов. Это самый очаровательный и самый изящный портрет художника.

 

«Характеру юной грациозной девушки с капризно-печальным выражением лица, легкой, как порхающие над ее головой бабочки, и хрупкой, как стебельки изображенных рядом с ней полевых цветов, точно соответствует изысканное сочетание серых и зеленоватых тонов, в которых решен портрет, хотя художник ввел сюда и золотистые тона, — пишет Н. Кирдина. — Золотой полоской заканчивается черная панель; бантики на туфлях закреплены крошечными золотыми пряжками; волосы заколоты золотой булавкой; золото мы находим и в драпировке, брошенной на стул, и в узоре циновки на полу: картина написана широкими, свободными мазками. Тончайшие сочетания палевых, серых, серовато-зеленых, серовато-розовых оттенков великолепно передают и легкость одежд, и теплоту просвечивающего сквозь материю тела, и мягкость волос. Завершающий штрих этого портрета — подпись самого художника, напоминающая бабочку, окруженную овалом. И хотя портрет писался долго, кропотливая работа художника скрыта за блестящим артистизмом исполнения».

К этому времени технические приемы художника уже сложились. Сиккерт пишет:

«Техника Уистлера очень проста. Некоторые из ранних вещей… были на обыкновенном грунтованном светлом холсте. Позднее он предпочитал специально подготовленный холст, более грубый и тонированный обычно серым…

Начиная портрет он сначала тщательно готовил подбор тонов. Палитрой ему служила поверхность овального стола, на котором ему было удобно смешивать краски. Затем он писал прямо без подмалевка. После сеанса он собирал остатки красок со стола мастихином и опускал в блюдце или блюдо с водой, чтобы пользоваться ими на следующий день… Чтобы "не загружать холста", по его выражению, ему нужно было принимать ряд предосторожностей. Употребление с самого начала полной палитры, включая медленно сохнущие краски, вроде черной жженной слоновой кости и розового краппа, причиняло ему бесконечные трудности. Здесь не трактат по технике живописи, и достаточно сказать, что метод Уистлера не подходил для писания больших картин, требовавших многих сеансов. Это был метод "алла прима", при котором фактически картина прописывалась заново на каждом сеансе…»

Созданная в 1875 году художником картина «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета» стала неожиданно причиной громкого суда. Известный критик Д. Рескин обвинил Уистлера в том, «что он швырнул в лицо публике горшок с краской». Уистлер привлек критика к суду за диффамацию и оскорбление. Сказавшийся больным, Рескин прислал вместо себя на суд двух лордов, которых Уистлер, одаренный блестящим остроумием, смог совершенно уничтожить. Но судебный процесс, хотя и выигранный художником, привел к его полному разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции.

В том же году Уистлер уехал из Лондона в Венецию, заключив договор с Обществом изящных искусств о создании серии из двенадцати офортов этого знаменитого города. Ему приходилось в Италии очень туго, и иногда он попадал в тягостное положение из-за отсутствия денег, но художник хранил все созданное, собираясь сделать хорошую выставку по возвращении в Лондон. И действительно, выставка венецианских работ прошла с большим успехом, что, впрочем, лишь увеличило враждебность со стороны критики.

«…В самом художнике произошел душевный надлом, — считает В. Барашкова. — По-прежнему все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла сила, чаще встречаются композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур порой назойливо напоминают о себе.

С годами пришло признание, успех, появились почитатели, богатые заказчики. "Портрет матери" приобрело французское правительство, портрет Т. Карлейля занял почетное место в Художественной галерее в Глазго».

Не меньше своих картин Уистлер ценил свои работы декоратора. К сожалению, сохранился лишь интерьер знаменитой «Павлиньей комнаты» — столовой в доме Лейландов. Работая почти без эскизов, Уистлер создал нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века.

«…Уистлер не переносил одиночества — до самой смерти… Его дом всегда был открыт для всех… Говорят, один чудак, бедняк-музыкант, которого Уистлер называл "первым эстетом", зашел однажды поужинать, попросился переночевать и кончил тем, что остался на три года… Дом Уистлера был открыт и для поэтов и писателей молодого поколения. А потом и светское общество стало в нем появляться… Хотя его картины еще не были приняты, сам Уистлер вошел в моду — его словечки, жесты были предметом разговоров на обедах и приемах. Начиная с этого времени публика была всегда в курсе малейших деталей частной жизни Уистлера…

Уистлер прекрасно знал цену этой популярности. Среди людей, толпившихся вокруг него, пока он был в моде, он не мог найти друзей, которых он хотел бы иметь. Позднее он посвятил "Изящное искусство создавать себе врагов" "тем редким людям, которые уже смолоду отказались от дружбы многих"… Некоторые считали, что он не мог жить без ссор, что это составляло для него всю прелесть жизни. Но он сражался, только будучи вынужден к этому. А сначала жизнь его текла спокойно и без всяких тайн. Он верил на слово своим друзьям, пока они не доказывали на деле, что были его врагами…» (Пеннель).

Умер Уистлер в Лондоне 17 июля 1903 года.

 

 

art.mirtesen.ru

Джеймс Уистлер. Биография и картины. Художники импрессионисты

Джеймс Уистлер. Биография и картиныДжеймс Уистлер (James Abbot McNeill Whistler). 1834-1903 г. Биография и картины.

Родился в США в городе Лоуэлле 10 июля 1834 года. Вместе с отцом долгое время Джеймс жил в России. Его отец строил Николаевскую железную дорогу. Именно здесь Джеймс стал изучать французский язык и бывать в Академии художеств.

Вернувшись в США, Уистлер поступил в военное училище, из которого вскоре был отчислен. Уже в это время Джеймс начинает работать над гравюрами на металле, которые известны как офорты. Дебютная серия таких работ была представлена публике в 1858 году.

В 1855 году Уистлер оказывается в Париже. Во Франции его наставником в искусстве живописи становится Шарль Глейр. Значительное влияние на художника в это время оказывают прерафаэлиты, а также Курбе и Коро.

Отношение к творчеству Уистлера было неоднозначным. Бодлер высоко оценивал его работы, а Джон Рёскин, обладающий в то время большим авторитетом, высмеивал их, используя для этого местные газеты. Уистлер предпочел разобраться с такой клеветой с помощью суда. Процесс был выигран, но средств к существованию у художника почти не осталось.

Он отправляется в Венецию, где работает в основном над акварельными зарисовками, а также создает новые офорты.

Первый период творчества отличается значительным влиянием японского искусства. Ранние работы Уистлера отличались орнаментальностью. Многое объединяло художника с импрессионистами. Так, главной задачей художника было отражение впечатления, которое оставляет тот или иной предмет. Уистлер, поддерживая теорию синестезии, давал своим работам музыкальные названия: симфония, импровизация, ноктюрн.

Но некоторые черты отделяли Уистлера от импрессионизма. Так, он предпочитал писать дома, заранее продумывая цветовую гамму своих работ. Цвет, по Уистлеру, становится основой картины, он должен сочетаться с ритмом линий.

Оригинальным цветовым решением отличаются его последние работы. Художник использует сильно разведенные, прозрачные тона, свойственные акварельным краскам. Это, по мнению Уистлера, помогает точно передать изменчивость атмосферы.

Уистлер умер в июле 1903 году. Похоронен он был на кладбище Лондона.

www.hudojnik-impressionist.ru

Американские художники. 7 мастеров, удививших мир

Американские художники очень разношерстные. Кто-то был явным космополитом, как Сарджент. По происхождению американец, но почти всю сознательную жизнь проживший в Лондоне и Париже.

Есть среди них и аутентичные американцы, которые изображали жизнь только своих соотечественников, как Роквелл.

А есть и вовсе художники не от мира сего, как Поллок. Или те, чьё искусство стало продуктом общества потребления. Это, конечно, об Уорхоле.

Тем не менее, все они американцы. Свободолюбивые, дерзкие, яркие. О семи из них читайте ниже.

1. Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)

Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.

Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.

Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).

Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.

Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».

Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г. Музей д’Орсе, Париж

Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.

Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.

Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.

Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.

На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.

Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.

Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.

Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.

Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон

Тонализм, как и близкий ему импрессионизм, в середине 19 века публику тоже не впечатлял. Слишком далеко от популярного на тот момент реализма.

Но Уистлер успеет дождаться признания. Под конец жизни его работы начнут охотно покупать.

2. Мэри Кассат (1844-1926 гг.)

Мэри Стивенсон Кассат. Автопортрет. 1878 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Мэри Кассат родилась в богатой семье. Она могла беззаботно прожить всю жизнь. Выйти замуж и родить детей. Но она выбрала другой путь. Дав себе обет безбрачия ради занятий живописью.

Она дружила с Эдгаром Дега. Попав в среду импрессионистов, навсегда увлеклась этим направлением. И ее «Девочка в синем кресле» – первая импрессионистская работа, которую увидела публика.

Мэри Кассат. Маленькая девочка на синем кресле. 1878 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Но картина особо никому не понравилась. В 19 веке детей изображали в виде послушно сидящих ангелочков, с накрученными локонами и розовыми щечками. А тут ребёнок, которому явно скучно, сидит в слишком непринуждённой позе.

Но именно Мэри Кассат, никогда не имевшая своих детей, чуть ли не первой начала их изображать естественными, какие они есть.

Для того времени у Кассат был серьёзный недостаток. Она была женщиной. Она не могла позволить себе пойти одной в парк писать с натуры. Тем более пойти в кафе, где собирались другие художники. Сплошь мужчины! Что ей оставалось?

Мэри Кассат. Чаепитие. 1880 г. Музей изящных искусств в Бостоне, США

Писать монотонные женские чаепития в гостиных с мраморными каминами и дорогими чайными сервизами. Жизнь размеренная и бесконечно скучная.

Мэри Кассат так и не дождалась признания. Сначала ее отвергали за ее импрессионизм и якобы незаконченность картин. Потом, уже в 20 веке, она резко «устарела», так как в моде был ар-нуво (Климт) и фовизм (Матисс).

Мэри Кассат. Спящий ребенок. Пастель, бумага. 1910 г. Музей искусств в Далласе, США

Но она осталась верна своему стилю до конца. Импрессионизм. Мягкая пастель. Матери с детьми.

Ради живописи Кассат отказалась от материнства. Но ее женское начало все чаще проявлялось именно в таких нежных работах, как «Спящий ребёнок». Жаль, что консервативное общество поставило ее когда-то перед таким выбором.

3. Джон Сарджент (1856-1925 гг.)

Джон Сарджент. Автопортрет. 1892 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.

Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».

Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.

Джон Сарджент. Мадам Х. 1878 г. Метрополитен музей, Нью-Йорк

Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.

Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.

К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.

Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».

Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.

Джон Сарджент. Гвоздика, лилия, лилия, роза. 1885-1886 гг. Галерея Тейт, Лондон

В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.

Джон Сарджент. Белые корабли. 1908 г. Бруклинский музей, США

Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.

Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.

4. Норман Роквелл (1894-1978 гг.)

Норман Роквелл. Автопортрет. Иллюстрация к выпуску журнала «The Saturday Evening Post” от 13 февраля 1960 г.

Сложно представить более популярного художника при жизни, чем Норман Роквелл. Несколько поколений американцев выросло на его иллюстрациях. Любя их всей душой.

Ведь Роквелл изображал обычных американцев. Но при этом показывая их жизни с самой позитивной стороны. Роквелл не хотел показывать ни злых отцов, ни равнодушных матерей. Да и несчастных детей вы у него не встретите.

Норман Роквелл. Всей семьей на отдых и с отдыха. Иллюстрация в журнале Evening Saturday Post от 30 августа 1947 года. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США

Его работы полны юмора, сочных цветов и очень умело схваченных из жизни выражений лиц.

Но это иллюзия, что работы давались Роквеллу легко. Чтобы создать одну картину, он мог сначала сделать до сотни фотографий со своими моделями, чтобы уловить верные жесты.

Работы Роквелла оказывали колоссальное влияние на умы миллионов американцев. Ведь он часто высказывался с помощью своих картин.

Во время Второй Мировой войны он решил показать, за что борются солдаты его страны. Создав в том числе картину «Свобода от нужды». В виде дня благодарения, на которой все члены семьи, сытые и довольные, радуются семейному празднику.

Норман Роквелл. Свобода от нужды. 1943 г. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США

Через 50 лет работы в Saturday Evening Post Роквелл ушёл в более демократичный журнал «Look», где смог выражать свои позиции о социальных проблемах.

Самая яркая работа тех лет – «Проблема, с которой мы живём».

Норман Роквелл. Проблема, с которой мы живем. 1964 г. Музей Нормана Роквелла, Стокбридж, США

Это реальная история чернокожей девочки, которая пошла в школу для белых. Так как был принят закон о том, что люди (а значит и учебные заведения) больше не должны разделяться по расовому признаку.

Но гневу обывателей не была предела. По дороге в школу девочку охраняла полиция. Вот такой «рутинный» момент и показал Роквелл.

Если хотите узнать жизнь американцев немного в приукрашенном свете (какой они сами хотели ее видеть), обязательно смотрите картины Роквелла.

Пожалуй, из всех представленных в этой статье живописцев, Роквелл – самый что ни на есть американский художник.

5. Эндрю Уайет (1917-

arts-dnevnik.ru

Джеймс Уистлер. Долгая дорога к признанию.

Композиция в чёрном.

У Джеймса Уистлера, как и у многих других предшественников импрессионизма, были натянутые отношения с критикой. Например, «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» стала последней картиной Уистлера, которую согласились разместить на выставке Королевской Академии. Одним из его непримиримых критиков стал искусствовед Джон Рёскин (Раскин). Рёскин был борцом с академизмом и ниспровергателем «незыблемых» ценностей классической живописи.

 В 1859 г., после неудачной попытки выставиться в Салоне, Уистлер уезжает в Лондон, где живет до 1894 г., впрочем, довольно часто выезжая за границу. Поначалу лондонская публика отнеслась к Уистлеру довольно благосклонно. На выставке Королевской академии искусств было показано его полотно «За роялем», отвергнутое в Париже. Однако в последующие годы реакция публики резко меняется.

В Париже он учился в художнических классах, копировал картины в Лувре, подружился со своими французскими собратьями (наиболее близким ему стал Гюстав Курбе, рисовавший крестьян, "как крестьян", а не как розовощеких пастушков). У него постепенно стал вырабатываться свой стиль: без выписывания деталей - "каждый листик на дереве, каждый волосок в прическе", без морализаторства. Ему важно было передать "впечатление", "музыку", изображаемого, недаром позже он давал своим картинам "звучащие" названия: "Симфония в белом", "Ноктюрн, холод и серое: снег в Челси". Иногда ему удавалось выставляться в парижском Салоне, но вот его "Девушка в белом" подверглась такой же ожесточенной критике, как и висевший неподалеку "Завтрак на траве" Эдуарда Мане.

Harmony in Grey and Green: Miss Cicely Alexander

Во Франции (и еще в большей степени в Англии) царил тогда академизм, "гладкопись", а только нарождавшийся - в картинах Сезанна, Писарро, Мане и Уистлера - импрессионизм понимания не встречал. Уистлер пережил период увлечения японским искусством, что отразилось в ряде его картин, и особенно в росписи "Комнаты павлинов"; от японцев он взял туманные, расплывчатые контуры и "немногословность" рисунка.

Некоторое время он жил в Лондоне, где подружился с художниками Данте Габриелем Росетти и Бери-Джонсом. Картины Уистлера не раз отвергались не только парижским Салоном, но и Лондонской Королевской академией, но он участвовал зато в выставках "отвергнутых", их общая слава была еще впереди. Жил он небогато, непризнание официальных кругов сужало круг покупателей; за эти годы были написаны многие его лучшие картины - и уже упоминавшийся "Портрет матери", и портрет историка Карлейля, и "Принцесса фарфорового царства", и множество "городских" альбомов, а также гравюр.

Джеймс Уистлер. Симфония в белом №2: девушка в белом. 1864 г.

Но вот в 1877 году на лондонскую Гросвенорскую выставку, где были представлены картины Милле, прерафаэлиты Росетти, Бери-Джонса и других, приняли десять работ Уистлера, среди которых был "Ноктюрн: Падающие огни". Этот ноктюрн представлял вечер, берег и рассыпающиеся в темноте золотые и разноцветные огни ракеты фейерверка. Известный английский теоретик искусства (в дальнейшем прославившийся своими работами по истории и философии) Джон Рескин выступил со статьей - анализом выставки. Он высоко оценил картины Милле и Бери-Джонса, но "Падающие огни" в его глазах были "мазками краски, непонятно разбросанными по полотну".

Он гремел: "М-р Уистлер должен знать, что пишу я это, чтобы предупредить возможных покупателей. Сэр Линдсей не должен был принимать для выставки эту картину, которой самодовольный и малообразованный художник решил ввести в заблуждение уважаемых посетителей", - и далее - "Мне приходилось встречаться с бесстыдством "кокни" (лондонский простолюдин), но я никогда не предполагал увидеть, как некий тщеславец осмелится запросить двести гиней за то, что он брызнул краской из горшка в лицо публике".

Рескин был тогда крупной фигурой (скажем, как Стасов в России), и его слово имело большое значение. Прочтя это, Уистлер сначала оскорбился, а затем обратил внимание на обвинение, что он "не работает", ленится и "ведет праздную жизнь" - это он-то, который столько раз переделывал работы, чтобы достичь искомой гармонии ("Портрет матери", например, потребовал почти 70-ти сеансов).

Уистлер обратился в суд. В качестве моральной компенсации он требовал от ответчика тысячу фунтов стерлингов. (В английском законодательстве имелась статья, наказывавшая за клевету - "опубликованное утверждение чего-то, не соответствующее действительности и вызывающее публичное осуждение".) Суд состоялся в ноябре 1878 года. Рескин был тогда болен и не мог явиться, но представил авторитетных свидетелей, утверждавших, что работы Уистлера - "только претензия на искусство".

На стороне Уистлера выступили три его единомышленника, другие художники были согласны с Рескиным (или просто опасались за свое материальное положение - после выступления против такого значительного лица как смогут они продать свои картины?). На суде адвокат Рескина задал вопрос: сколько времени художник рисовал "Падающие огни", и получил ответ - два дня.

- И за двухдневную работу вы хотите получить двести гиней?

- Нет, - отвечал Уистлер, - я прошу эту плату за знания и умение, которому я учился всю жизнь.

Джон Рёскин (Раскин).

При этих словах в зале раздались аплодисменты. Нo на суде Уистлера ожидал удар: свидетель противоположной стороны, человек, которого он считал своим другом, художник Бери-Джонс, сказал, что считает поведение Уистлера саморекламой, и что эта его картина - "просто набросок"; а другой свидетель, художник Фриш, вообще сравнил ее с рисунком на обоях... Суд все же постановил, что Рескин в клевете виновен. Но постановление это было странно половинчатым, если не хуже: в качестве моральной компенсации Уистлеру присудили четверть пенса, самую мелкую английскую монету...

Джеймс Уистлер. Rotherhithe, 1860 г.

Это был не выигрыш, а полный разгром. Уистлер остался должен и суду, и своему домовладельцу, и доходов не предвиделось; его любимая коллекция предметов восточного искусства пошла с молотка, собственные картины были конфискованы, а тут еще родилась дочь... Хорошо, что от одной коммерческой фирмы пришло предложение сделать несколько картин в Венеции, это позволяло как-то выжить. К счастью, работа его увлекла, и венецианский альбом получился хорошим. Отрицательное же отношение к нему со стороны английских академических кругов не проходило. Когда в 1882 году Уистлер предложил Национальной портретной галерее Лондона свой портрет Карлейля, он получил глумливый ответ: "И это называется искусством?"

Портрет Карлейля

Но обстановка постепенно менялась. Во Франции стали понемногу понимать и ценить новое направление - импрессионизм. Уистлер, уже живя во Франции, успешно участвовал в выставках во Франции, Германии, Бельгии и США. В 1891 году портрет Карлейля приобрел музей Глазго, а "Портрет матери" - Лувр, что считалось высшим признанием художника. Коллекционеры бросились к Уистлеру с предложениями, а "Падающие огни", предмет судебного разбирательства, были проданы в Америку за сумму в четыре раза большую, чем за них было прошено на злополучной Гросвенорской выставке (Уистлер очень хотел, чтобы об этом сообщили Рескину).

Следуя заветам Глейра и передавая их затем своим ученикам, Уистлер сначала тщательно подбирал основные тона для лица, волос, одежды, фона – в свету, полутени и тени. Полученные смеси он хранил в баночках, заливая сверху водой. Добиваясь единства и свежести исполнения, мастер работал одновременно над всей поверхностью холста, а не заканчивал произведение по частям. При нарушении правильного соотношения тонов в своих «симфониях» и «аранжировках» он не довольствовался частичными исправлениями, а уничтожал все написанное, иногда не один раз.

Д. Уистлер. «Принцесса страныфарфора». Масло. 1863.

Творчество декоратора Д. Уистлер ценил не меньше своих картин. Он одним из первых понял значение света и пространства в современном интерьере и отказался от темных обоев, пышных драпировок, перегруженности мебелью. При оформлении выставок Уистлер вводит принцип разреженного развешивания картин. Единственным сохранившимся интерьером стала знаменитая «Павлинья комната» – столовая в доме Лейландов. Там должна была висеть картина Уистлера «Принцесса страны фарфора», и он, работая почти без эскизов, с двумя помощниками исполнил роспись, желая создать нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века. В мотиве золотых птиц, раскинувших пышные хвосты с сотнями «глазков», в насыщенном синем цвете фона можно увидеть переосмысленные в сказочном ключе темы фейерверков в ночном небе над Темзой, которые Уистлер так любил воспроизводить в своих пейзажах-ноктюрнах».

Harmony in Green and Rose: The Music Room. 1860-61. Oil on canvas. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.

At The Piano,1858-59. Oil on canvas 67 x 91.6 cm .The Taft Museum, Cincinnati, Ohio

Полотно «У рояля» 1859 года получило одобрение Курбе. На нем изображены близкие Уистлеру люди – сестра Дебора и ее дочь Анни.

Wapping. 1860-4. Oil on canvas.71.1 x 101.6 cm. National Gallery of Art, Washington.

В 1899 году работы Уистлера, вместе с работами Сезанна, Мане, Тулуз-Лотрека выставлялись в картинных галереях Лондона, который 25 лет тому назад отказывал им всем в признании. Казалось бы, пришел успех, но Уистлер так и не мог забыть о суде, он даже написал и издал книгу, очень остроумную и иллюстрированную им самим, под названием "Тонкое искусство создавать врагов", где, среди прочего, рассказывал и о своей тяжбе с Рескиным.

Свою известную серию картин, решённых, в необычных для тех лет, осветлённой гамме--  "Симфония в белом", художник создаёт, будучи влюблённым в модель Джоанну Хифферхан. Сейчас нам трудно поверить, что холст,"Симфония в белом №1", выставленный вместе с «Завтраком на траве» Э. Мане в «Салоне отверженных», вызывал смех у зрителей, приученных к поверхностной литературности в живописи.

Симфония в белом

Уистлер умер в 1903 году и был похоронен на Чизвикском кладбище, расположенном недалеко от любимой им Темзы. Его могила находится вблизи от могилы Уильяма Хогарта, мастера гравюры, которого он так полюбил еще в далеком детстве в Санкт-Петербурге.

В мае 1879 года Уистлер был объявлен банкротом, и все его имущество ушло с молотка. От полного разорения Уистлера спасла поездка в Венецию (1879—80 гг.), где он написал несколько работ маслом («Ноктюрн в синем и золотом. Собор Св. Марка в Венеции»), серию офортов — так называемый «Венецианский цикл» («Нищие», «Площадь Св. Марка в Венеции») и около ста пастелей («Нищие. Зима», «Ступеньки»). Эти работы вызвали благосклонную реакцию критики и отчасти восстановили репутацию художника.

 Между тем обстановка постепенно меняется. Критики и публика начинают понемногу понимать и ценить новое направление - импрессионизм. Уистлер успешно участвует в выставках во Франции, Германии, Бельгии и США. В 1884 г. художника приглашают стать членом «Общества английских художников», а через два года избирают его президентом. В 1891 году портрет Карлейля приобрел музей Глазго, а "Портрет матери" - Лувр, что считалось высшим признанием художника. Коллекционеры бросились к Уистлеру с предложениями, а картина "Ноктюрн: Падающие огни", предмет судебного разбирательства, была продана в Америку за сумму в четыре раза большую, чем за нее было прошено на злополучной Гросвенорской выставке (Уистлер очень хотел, чтобы об этом сообщили Рескину).

Первым среди европейских художников Д. Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок». Завершает эти картины «Симфония в белом № 2. Девочка в белом», созданная в 1864 году.

Purple and Rose: The Lange Lijzen of the Six Marks. 1864. Oil on canvas. Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.

Rose and Silver: The Princess from the Land of Porcelain. 1864. Oil on canvas. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA

Variations in Flesh Color and Green: The Balcony. 1864-70. Oil on wood. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.

Caprice in Purple and Gold No 2 - The Golden Screen. 1864. Oil on wood. Freer Gallery of Art, Washington, DC, USA.

Художник без устали интерпретировал ночные сюжеты, показывая публике все новые и новые импрессионистические работы, в которых растворяющиеся в густых тенях предметы обзаводились новым смыслом.Мастер утверждал, что подобные сцены нужно писать очень жидкой краской. Такую, смешанную по собственному рецепту, краску он называл «соусом». Уистлеровский «соус» был столь текучим, что художнику приходилось работать, расстилая холст на полу (иначе краска просто стекала с него). Обозначенные этим «со усом» детали расплывались, превращаясь в плоские, с неровными краями, цветовые пятна, медленно плывущие и исчезающие в непроглядной

Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета.

В 1877 г. десять работ Уистлера были приняты на Гросвенорскую выставку в Лондоне. Среди них была «Падающая ракета».

Cremorne Gardens, No. 2.1872-77.Oil on canvas,68.5 x 134.9 cm.The Metropolitan Museum of Art, New York

 В 1899 году работы Уистлера, вместе с работами Сезанна, Мане, Тулуз-Лотрека выставлялись в картинных галереях Лондона, который 25 лет тому назад отказывал им всем в признании. Казалось бы, пришел успех, но Уистлер так и не мог забыть об обиде, нанесенной Рескиным. Он даже написал и издал в 1890 году книгу, очень остроумную и иллюстрированную им самим, под названием 'Изящное искусство создавать себе врагов', где собраны материалы судебного разбирательства 1878 года, рецензии и отзывы на произведения Уистлера, а также его ответы на критику и размышления об искусстве.

Как когда-то в юности, на склоне лет в жизнь Уистлера еще раз вошла Россия. В январе 1899 года художница А. Остроумова, ученица Репина по Академии художеств, пришла в живописную мастерскую Уистлера в Париже. На ее вопрос, у кого ей учиться искусству гравюры, престарелый художник сказал: «...Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине или совсем не постигают».

 Уистлер умер 17 июля 1903 года и был похоронен на Чизвикском кладбище, расположенном недалеко от любимой им Темзы.

alindomik.livejournal.com

Уистлер Джеймс Эббот Мак-Нейл. Творчество, картины и биография

Девушка в белом Джоан Хифернан1864, Галерея Тейт, Лондон

Зелено-розовый ноктюрн, 1861Галерея искусства Фрир, Вашингтон

Леди Мокс. Аранжировка в черном1881, Академия искусства, Гонолулу

Джордж Вандербильт, 1897-1903Национальная галерея, Вашингтон

Уистлер Джеймс Эббот Мак-Нейл (Whistler James Abbot McNeill) (1834—1903), американский художник, выдающийся мастер живописного портрета в полный рост, литографии и офорта. Если художники Хомер и Икинс вели борьбу за идейное реалистическое искусство на родине, то их соотечественник, третий выдающийся художник США — Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер, в отличие от Хомера и Икинса, недолго жил в Америке. Он родился в штате Массачусетс, но детство и отрочество его прошли в России, в Петербурге, куда его отец, инженер, был приглашен на строительство железной дороги. Есть данные, что юный Уистлер посещал классы Петербургской Академии художеств. После смерти отца Уистлер некоторое время жил на родине. В 1855 году Уистлер навсегда уехал из Америки, сначала в Париж, затем в Лондон. Его расхождение с господствующим салонным искусством проявилось и во Франции, где он, сблизившись сначала с Гюставом Курбе, а затем с Эдуаром Мане, выставил в «Салоне отверженных» поэтическую, изысканную по колориту «Девушку в белом» (1862, Вашингтон, Национальная галерея). В Лондоне его искусство подвергалось долгое время еще более резким нападкам официальной критики.

Картина Уистлера «Симфония в белом № 2. Девушка в белом». Исполненный тайной и сдержанной страсти портрет прекрасной возлюбленной Уистлера Джоанны Хифернан представляет собой этюд в сгармонированных оттенках белого цвета. Асимметричная композиция, в которой фигура сдвинута в сторону от центра и срезана рамой, прямой свет, превращающий тональный колорит в узор плоских цветовых пятен - все это говорит об интересе художника к японской живописи. Ее влияние заметно даже в деталях: веер в руках модели, фарфоровая ваза на камине и веточка цветущей вишни - прямые цитаты из искусства Японии, открытого европейскими художниками в 1860-е годы. В портретной живописи Уистлер часто использовал прием помещения силуэта фигуры на почти пустом фоне. В стремлении противопоставить свое творчество живописи викторианской Англии с ее литературными сюжетами он подчеркивал чисто эстетическое начало своих произведений, называя их ноктюрнами и симфониями. Однако художественное дарование Уистлера ослабевало по мере того, как росла его слава острослова и эксцентричного светского льва. Проникнутые глубоким уважением к человеку, его нравственной и интеллектуальной жизни, произведения Уистлера отличаются продуманной простотой, ясностью художественной формы, чудесными колористическими гармониями. В традициях прогрессивного американского искусства исполнен «Портрет матери» (1871, Париж, Лувр), выдержанный в благородной гамме серебристо-серых и черных оттенков. Необычайно композиционное построение портрета на холсте удлиненного но горизонтали формата. Строгость композиции, отбора деталей и, главное, острота характеристики модели сообщают особую демократичность и достоверность правдивому образу немолодой американской женщины. Изысканность цветовых решений, строгая построенность композиций сочетаются с глубиной психологических характеристик в «Портрете мисс Сайсли Александер. Гармония серого с зеленым» (1872—1874, Лондон, Национальная галерея). Поразительно тонко чувствовал Уистлер и передавал природу, пространство и воздушную среду в пейзажах «Старый мост в Бэттерси» (около 1865, Лондон, галерея Тейт), «Темза у Бэттерси» (1863, Чикаго, Институт искусств).

Реакционная обстановка художественной жизни Англии 1870-х годов была глубоко чужда Уистлеру, вызывая в нем противодействие, которое со временем приобрело характер демонстративного эстетства и выразилось в усилении самодовлеющих исканий в области формы. В поздний период творчества художника сказались его разрыв с родиной, а также отсутствие крепких связей с английской действительностью. И все же отдельные произведения Уистлера, и прежде всего его пейзажи и графические работы, полны поэтического чувства.

Развитие американского искусства, в первую очередь живописи, совершилось стремительно и концентрированно на небольшом отрезке времени. Этому способствовал тот факт, что Америка переплавляла в нечто единое — американскую нацию — различные нации и народности. Одновременно она ассимилировала их художественную культуру, их искусство, обогащая национальную школу. За короткий срок в Америку проникает из Англии барочный портрет, из Франции импрессионистический пейзаж, из Германии стиль модерн.

Уильям Голд William Gold

Все самое лучшее из того, что дало американское искусство, возникло на пересечении двух линий — профессионального творчества и непрофессионального, создаваемого множеством любителей — «художниками воскресного дня», т. е. фермерами, торговцами, лодочниками, домашними хозяйками и т.д. Их деятельность определила особенности американского искусства. Она проявляется в ограниченности тем, простоте и незамысловатости приемов и вместе с тем мужественной силе, спокойной серьезности, волевом отношении к миру, умении трезво оценивать его.

История зарубежного искусства →

Жан-Батист Пьер Jean-Baptiste Pierre

smallbay.ru

Джеймс Эббот Макнил Уистлер: жизнь и творчество художника

Джеймс Эббот Макнил Уистлер (англ. James Abbot McNeill Whistler, 1834—1903) — англо-американский художник, мастер живописного портрета в полный рост, а также офорта и литографии. Один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма.

СОДЕРЖАНИЕ

Биография художника

Творчество

Интересные факты из жизни художника

Картины Джеймса Уистлера

Цитаты художника

Библиография

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Родился 10 июля 1834 в Лоуэлле (шт. Массачусетс).

В 1850-е годы Уистлер начал делать офорты, первая серия которых была опубликована в 1858.

В 1855 он уехал в Париж, где учился живописи у Шарля Глейра. Среди живописных произведений раннего периода творчества Уистлера – У фортепиано; Побережье Бретани; Голубая волна. В 1860 он закончил вторую серию офортов – Темза, за которую получил премию Бодлера.

С конца 1850-х годов Уистлер жил главным образом в Англии; принимал участие в революционных событиях в Чили (в период Тихоокеанской войны 1864–1866 против Испании) и в 1866 в Вальпараисо написал свое первое произведение Ноктюрн. После этого в жизни художника наступило самое продуктивное время (1862–1878), он исполнил несколько прекрасных портретов, включая знаменитый Портрет матери (1872, Париж, Музей Д’Орсе), а также портреты Томаса Карлейля (1872–1873, Глазго, Городской музей и картинная галерея) и Розы Кордер (1872–1877).

Лишившись средств после судебного процесса против критика Джона Рёскина, Уистлер отправился в Венецию, где сделал серию изысканных и тонких офортов.

Отчасти поправив материальное положение и утвердив свою репутацию, он стал в 1886 президентом Общества английских художников, но постоянное стремление к полемике и новациям привело к тому, что он был вынужден уйти с этого поста.

Картины, выполненные маслом, которые Уистлер начал писать с конца 1870-х годов, не принесли ему признания. Он разводил краску до очень жидкой консистенции, пытаясь следовать рецептам японских живописцев, и его полотна темнели.

В офортах Голландской серии, выполненной в 1890-х годах, Уистлер вновь продемонстрировал свое поэтическое видение мира. Он совершил несколько путешествий за границу, а также преподавал в академии Кармен в Париже.

Был другом французского художника Альфонса Легро и склонил его к переезду в Англию. В конце жизни Уистлер — один из «светских львов» лондонского общества, вращался в одном кругу с Оскаром Уайльдом и Обри Бердслеем. В оправдание своего искусства написал трактат «Изящное искусство создавать себе врагов» (1890). Художник скончался 17 июля 1903 г. в Лондоне. Похоронен на лондонском кладбище при церкви св. Николая в Чизуике.

ТВОРЧЕСТВО

В начале своей карьеры Уистлер удивлял современников плоскостностью и орнаментальностью изображений — в этом отразилось его раннее увлечение японским искусством. С импрессионизмом его сближало стремление запечатлеть первое поэтическое, музыкальное впечатление от предмета, будь то пейзаж или человеческая фигура. Разделяя бодлеровское учение о синестезии, Уистлер по аналогии с музыкой называл свои портреты «симфониями» и «импровизациями». В то же время Уистлер по многим вопросам расходился с импрессионистами.

At the Piano 1859 At the Piano 1859 Harmony in Green and Rose: The Music Room 1861 Harmony in Green and Rose: The Music Room 1861 Symphony in White no 1 (The White Girl) 1862

Он не одобрял культ пленэра и говаривал, что «писать с натуры лучше всего дома».

Ключом к живописному эффекту полотна Уистлер считал его цветовую тональность, которую подолгу обдумывал заранее, старательно смешивая краски для достижения желаемого эффекта. Созвучия тонов, по его мнению, должны соответствовать ритмам линий. В поздних произведениях, особенно «ноктюрнах» с видами Лондона, Уистлер использует крайне разведённые, по-акварельному прозрачные краски, которые передают ощущение зыбкой подвижности атмосферной среды.

Nocturne in Grey and Gold: Chelsea Snow 1876 Nocturne Grey and Gold - Canal 1884 Nocturne Grey and Gold — Canal 1884 Nocturne Trafalgar Square Chelsea Snow 1877 Nocturne Trafalgar Square Chelsea Snow 1877

МАТЬ УИСТЛЕРА

«Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника» (англ. Arrangement in Grey and Black: The Artist’s Mother) — наиболее известная из работ Джеймса Уистлера. Картина в настоящее время находится в музее Орсе в Париже, иногда «делая туры» по всему миру.

Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника, 1871

Для картины позировала мать художника Анна Макнейл Уистлер (Anna McNeill Whistler), жившая в Лондоне с сыном. Есть несколько версий создания картины, по одной из них Анна Уистлер послужила в качестве замены для другой модели, в последний момент. По другой версии предполагалось, что первоначально модель Уистлера должна была позировать стоя, но, для пожилой матери долгое позирование стоя было очень обременительно. Впервые картина была представлена на 104-й выставке Королевской академии искусств в Лондоне (1872), но была отклонена Академией.

Этот эпизод усугубил разрыв между Уистлером и британским миром искусства, это была последняя картина представленная художником на утверждение академии.

То, что эта картина стала известна, как символ «культа матери», получившего распространение уже в наше время, расстроило бы Уистлера — художник всегда хотел, чтобы его картины ценили только за их формальные достоинства. «Аранжировку в сером и чёрном» можно увидеть в фильмах, сериалах и даже мультфильмах, недаром Уистлер считал свои картины аналогами музыкальных пьес и называл их «симфониями» или «ноктюрнами».

ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИ

Его произведения вызывали одобрение Курбе и Бодлера, но самый крупный художественный авторитет викторианской Англии, Джон Рёскин, продолжал вышучивать их в печати. В 1878 Уистлер предъявил иск в 1000 фунтов стерлингов знаменитому критику, допустившему оскорбительное высказывание о его творчестве. Судебный процесс разорил художника, в качестве компенсации он получил всего лишь один фартинг. Этот случай Уистлер описал в своей книге «Изящное искусство создавать себе врагов (The Gentle Art of Making Enemies, 1890)».

Картина «Аранжировка в сером и чёрном. Мать художника, 1871» широко используется в современной поп-культуре. Картина появляется в нескольких эпизодах Симпсонов: «Rosebud», «Проблемы с Триллионами», «Бёрнс и пчёлы». Вокруг этой картины был построен сюжет фильма «Мистер Бин». В фильме мистер Бин, куратор «Лондонской Национальной галереи», был послан в Америку, чтобы проконтролировать передачу картины «Мать художника» в художественную галерею Лос-Анджелеса за $ 50 млн (USD). В этой истории, мистер Бин портит картину растворителем и незаметно заменяет её репродукцией. Песня «Mother» Джона Леннона посвящена матери Уистлера. В мюзикле Anything Goes Кола Портера. В фильме «Голый пистолет 2½» у одного из героев родимое пятно в форме Матери Уистлера.

ЦИТАТЫ ХУДОЖНИКА

  • Вы спрашиваете, милостивый государь, в каком учреждении было бы наиболее уместно поместить написанные вами картины. Могу ли я предложить вам приют для слепых?
  • Если о картине говорят: «Видно, что над ней хорошо поработали», — значит, она не закончена.
  • Когда другие включаются в мой разговор, разговор становится невозможным.
  • Природа содержит — в цвете и формах — элементы всех картин, подобно тому, как клавиатура содержит звуки всякой музыки. Но художник рождён для того, чтобы выбрать, отобрать и сгруппировать со знанием дела эти элементы так, чтобы достичь прекрасного результата, так же как музыкант выбирает свои звуки и образует аккорды, пока не добудет из хаоса великолепную гармонию. Сказать художнику, что природу следует брать такой, как она есть — всё равно что предложить пианисту сесть на рояль. (из книги художника «Изящное искусство создавать себе врагов» (The Gentle Art of Making Enemies, 1890))

БИБЛИОГРАФИЯ

  • Вуд М. Уистлер. М., 1910
  • Уистлер Д. Изящное искусство создавать себе врагов. М., 1970
  • Whistler’s Mother: An American Icon edited by Margaret F. MacDonald.

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: ru.wikipedia.org, krugosvet.ru, youfrase.ru, livelib.ru

Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected], мы и наши читатели будем вам очень благодарны.

Джеймс Эббот Макнил Уистлер: картины художника

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Джеймс Эббот Макнил Уистлер: жизнь и творчество художника

2 (40%) 1 голос(ов)

allpainters.ru