Тамбовское Рериховское общество "Лига защиты Культуры". Н картина


Картина Н.К.Рериха "Сеча при Керженце"

Картины Н.К.Рериха

Название: Сеча при КерженцеГод: 1911Где находится: Государственный Русский музей. Россия. Санкт-ПетербургХолст, размеры: Картон, темпера. 52 x 70.5 см.Примечание: Эскиз занавеса к опере Н.А.Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» в Париже в театре Шатле

Русская легенда о Керженце относится ко времени монголо-татарского ига. Она рассказывает, что когда приблизились победоносные татаро-монгольские орды, древнерусский город Керженец не смог защитить себя. Тогда весь святой народ этого города пришел в храм и молился о спасении. Перед самыми глазами безжалостных завоевателей город торжественно опустился в озеро, которое впоследствии стало считаться священным. Хотя легенда говорит о времени татарского ига, вы можете понять, что основа легенды намного более древняя и вы можете найти следы типичных переселений.

Эта картина - эскиз панно для Казанского вокзала в Москве.

Однажды наступили для Руси страшные времена - напали на нее татары. Множество городов было ими разрушено, только Китеж, затерявшийся в лесной чаще, они не могли найти. Но предатель указал дорогу к городу. Навстречу "поганым" вышла дружина с князем и была великая сеча при Керженце. Все русские полегли на поле брани, но Китеж не достался татарам - город стал невидимым.

...В яростной битве два войска сшиблись среди зеленых холмов у озера, в которое погрузился град Китеж. Справа — русские всадники в островерхих шлемах с червлеными щитами мчатся ритмичными рядами со знаменем «Спаса» и хоругвями. Слева — плотные ряды коренастых татарских лучников в шапках и круглых шлемах осыпают русскую конницу стрелами.

В приемах живописи сказалось изучение Рерихом древнерусских икон. Силуэты воинов четко читаются на зеленом фоне. Они такие же, как изображения на хоругвях и иконах. Так же горят чистые звонкие краски: киноварь, охра, изумрудная зелень. Пересечение коротких кривых и рубленых линий, очерчивая группы сражающихся воинов, вызывает в воображении стук и звон мечей, а полыхание красных продолговатых полос неба и его отражения в озере невольно ассоциируются с протяжными звуками медной группы оркестра.

Тема героического сражения русского воинства с татарскими ордами передана композитором в форме симфонической картины, полной эпической силы, былинности, национального звучания.

http://gallery.facets.ru/show.php?id=753

tatar-rulit.livejournal.com

Доярки (картина Н. Баскакова) — Циклопедия

«Доярки» (English: Milkmaids, Novella) - картина известного[1][2] ленинградского живописца Николая Николаевича Баскакова (1918—1993), написанная автором в 1962 году.

[править] История написания

Известность и признание ленинградскому художнику Николаю Баскакову (1918-1993) принесли не только картины на военную и историко-революционную тему, но и многочисленные портреты современников.

Художник с удовольствием работал в этом жанре, создав за сорок лет внушительную галерею образов рабочих Кировского завода, ветеранов войны, деятелей литературы и искусства. Так сложилась творческая судьба Баскакова, что портреты сельских жителей в этой галерее были не самыми многочисленными. Но именно групповому портрету «Доярки», написанному в 1962 году, без преувеличения суждено было спустя годы стать настоящей визитной карточкой художника, самым узнаваемым его произведением.

В начале 1960-х Баскаков пишет несколько работ, посвящённых жизни деревни. Среди них «Бабушка с внучкой» (1960), «Свинарки» (1961), «Шефы в колхозе» (1961), «Сын пастуха» (1962). Материал для них художник находил во время поездок на родину в Астрахань, а также под Ленинградом, в Старой Ладоге.

В групповом портрете Доярки счастливо соединились такие качества Баскакова - портретиста, как наблюдательность и умение быстро и убедительно передать на холсте мимолётные состояния натуры, которые при длительном позировании ускользают от большинства портретистов. Художнику удался собирательный образ, жизнеутверждающий, ироничный, привлекательный своим неиссякаемым оптимизмом, в котором яркие индивидуальные характеристики героев органично соединяются в правдивый образ современников.

[править] Экспонирование

Ray E. Johnson

Судьба картины «Доярки», несмотря на полную противоположность в настроении и сюжете, напоминает судьбу другой замечательной картины Баскакова «На русской земле» (1967). Несмотря на очевидный творческий успех автора, картина не была приобретена ни музеями, ни Художественным Фондом. Не удалось отыскать в литературе упоминаний о её экспонировании в 1960-1980 годы на выставках.

Впервые изображение картины «Доярки» встречается в книге В. А. Кириллова «Николай Николаевич Баскаков», вышедшей в издательстве «Художник РСФСР»[3] ещё при жизни Баскакова. Изображение картины «Доярки» помещено в полный разворот в альбомной части книги, а также воспроизведено на её суперобложке. Что говорит о видном месте картины в творческом наследии художника, которое ей отводил сам Николай Баскаков.

Доярки. Авторская версия. 1962

До начала 1990-х годов картина «Доярки» хранилась в мастерской художника. Именно там после трудных и длительных переговоров она и была приобретена у автора известным американским экспертом Верном Г. Свенсоном (Vern G. Swanson)[4], в то время директором художественного музея в городе Спрингвилл, штат Юта, для крупнейшего американского коллекционера советской живописи Рэя Джонсона (Ray E. Johnson).[5]

В огромной коллекции Р. Джонсона картина Н. Баскакова «Доярки» заняла едва ли не самое почётное место. В 1990-2000-е годы она неоднократно воспроизводилась в США в каталогах выставок русского искусства и в монографиях В. Свенсона, посвящённых советской живописи 1950-1980-х годов. В настоящее время картина «Доярки» находится в постоянной экспозиции крупнейшего частного Музея Русского искусства в городе Миннеаполисе, США, принадлежащего Р. Джонсону.[6]

А. В. Филатов

В 2013 году Арт-Фонд известного предпринимателя и коллекционера живописи Андрея Филатова приобрёл из частной коллекции в США авторскую версию картины Баскакова «Доярки», также датируемую 1962 годом и меньших размеров: 69,5 х 120 см. По словам представителей Арт-фонда, проведённая экспертиза подтвердила авторство Николая Баскакова. Сличение работ позволяет предположить, что в коллекцию Арт-фонда попал предварительный вариант картины.

В связи с приобретением картины «Доярки» учредитель Арт-фонда Андрей Филатов заявил: «Николай Баскаков — яркий представитель ленинградской школы советской живописи, однако этот художник был практически неизвестен за пределами СССР до его выставки в Париже в 1989 г. Впоследствии многие из лучших работ живописца были приобретены частными коллекционерами из разных стран и стали недоступны для широкой публики. Я рад, что мы наконец-то можем представить вниманию ценителей искусства по всему миру одну из работ Баскакова».[7]

В настоящее время авторская версия картины Баскакова «Доярки» экспонируется в музее соцреализма в Лондоне, открытом в 2014 году фондом Андрея Филатова ART RUSSE.

  1. ↑ Кириллов В. Николай Николаевич Баскаков. Л., Художник РСФСР, 1991.
  2. ↑ Художники народов СССР. Биографический словарь. Т.1. М., Искусство, 1970. С.298-299.
  3. ↑ Кириллов В. Николай Николаевич Баскаков. Л., Художник РСФСР, 1991.
  4. ↑ Vern G. Swanson. Soviet Impressionism. Woodbridge, England, Antique Collectors' Club, 2001.
  5. ↑ The History of The Museum of Russian Art
  6. ↑ Картина Н. Баскакова «Доярки» (1962) в Музее Русского искусства в Миннеаполисе, США
  7. ↑ Арт-фонд семьи Филатовых приобрёл знаменитую картину «Доярки» кисти Н. Баскакова.
  • Кириллов В. А. Николай Николаевич Баскаков. Л., Художник РСФСР, 1991.
  • Vern G. Swanson. Hidden Treasures: Russian and Soviet Impressionism 1930-1970s. Univercity of Washington Press, 1St Edition, 1994.
  • Vern G. Swanson. Soviet Impressionism. Woodbridge, England, Antique Collectors' Club, 2001. Р.186—188.
  • Vern G. Swanson. Soviet Impressionist Painting. England, Antique Collectors' Club. 2007.
  • Иванов С.В. Баскаков Николай Николаевич //Страницы памяти. Справочно-биографический сборник. 1941—1945. Художники Санкт-Петербургского (Ленинградского) Союза художников — ветераны Великой Отечественной войны. Кн.1. СПб, Петрополис, 2014. С.90-92.

cyclowiki.org

Персональный сайт - Описание картины Н.К.Рериха "Оттуда"

Описание картины Н.К. Рериха «Оттуда»

Картина Н.К.Рериха «Оттуда», написанная в 1936-1937 годах, относится к Алтайскому циклу картин художника. За время пребывания на алтайской земле Рерихом было создано немало работ, однако, многие из них были в стадии эскизов, этюдов и лишь гораздо позже художник заканчивал их. Так было и с вышеназванной картиной. Н.К.Рерих с экспедицией прибыл в с.Верхний Уймон в августе 1926 г. и пробыл там около месяца. Уймонские старожилы рассказывали, что Рерих ежедневно выезжал на лошади в горы, на этюды; он никогда не расставался с мольбертом, рисовал и на выездах, и дома; в его комнате в доме Атамановых все стены были увешаны картинами и этюдами окрестных гор.

Картина «Оттуда» не сразу понятна неискушённому зрителю : на переднем плане изображён быстрый, бурный горный поток воды, через который перекинут даже не мостик, а просто узкая доска. По ней , из глубины гор, идёт высокая женщина в светлых одеждах. На ближнем берегу её ожидает молодая алтайская девушка. Сюжетом для картины послужила легенда о Беловодье, очень известная на Алтае. На картине изображена «беловодская женщина». Жители Верхнего Уймона рассказывали Н.К.Рериху: «Дед Атаманова и отец Огнёва ходили искать Беловодье. «Через Кокуши горы, через Богогорше, через Ергор –по особой тропе. А кто пути не знает, тот пропадёт в озёрах или в голодной степи. Бывает, что и беловодские люди выходят верхом на конях по особым ходам по Ергору. Также было, что женщина беловодская вышла давно уже. Ростом высокая, станом тонкая, лицо темнее, чем наши. Одета в долгую рубаху, как бы в сарафан». «Ликом строгая и темнее наших. Ходила по народу – помощь творила, а затем ушла назад в подземелье. Тоже приходила из Святой Страны». Подобные легенды Н.К.Рерих слышал не один раз. Ещё до посещения им Алтая караванщики Хотана рассказывали ему: «Вы слышите, какие пустые подземные переходы мы пересекаем? Через эти проходы люди, которые их знают, могут добраться до дальних стран.Давным-давно здесь жили люди, сейчас они ушли под землю…Только очень редко некоторые из них появляются снова на земле». Далее Николай Константинович пишет: «Я спросил их, можем ли мы тоже увидеть таких людей. И они ответили: «Да, если ваши мысли высоки и общаются с этими святыми людьми, потому что на земле только грешники, а чистые и мужественные уходят к чему-то более прекрасному». Так, в данной картине художник , знакомя нас с философской легендой, отобразил надежды на обновление мира, отобразил душу алтайского народа, живущего в суровых условиях выживания. Сам Н.К.Рерих писал: «Все мои картины прошли через мое воображение, прежде чем были запечатлены на полотне. Содержание их показывает характер полётов мысли. Мысль кристаллизуется в видимые плотные формы.»

Обратим теперь внимание на цвет и оттенки гор. Почти половину по высоте картины занимают горы коричнево-красноватого оттенка, символизирующие земные, материальные мысли и действия; а вот на дальнем, более высоком плане горы имеют чистые синевато-голубоватые тона. Там чистота, возвышенность, божественность, благодать. Туда устремляются мыслями такие же встревоженные, озирающиеся люди, как эта молодая ждущая алтайская девушка. Неисповедимыми путями распространяется Учение…

Многие знают, что картины Н.К.Рериха имеют целебное свойство. Некоторые доктора вешают их в комнаты своих пациентов. И как же может быть иначе, когда концепция их поднимает дух зрителя, а гармония красок действует успокаивающе на нервную систему, что уже является залогом исцеления, не говоря уже о тех эманациях чистого духовного устремления творца, которые наполняют их. Художник Н.К.Рерих в своих картинах использует новую ступень – ступень синтеза, сочетая чисто художественные задачи с творческой мыслью и прекрасною формою. Эстетическое наслаждение людей, созерцающих картины, соответственно расширяется, вмещая искусство во всей его полноте. Н.К.Рерих стремится овладеть шкалой света , комбинируя цвета спектра в видимых формах. Чтобы их воспроизвести и изобразить, надо удержать вибрации света в третьем глазу, усмотреть и удержать, чтобы потом воспроизвести.

Каждая картина, созданная художником, и в том числе картина «Оттуда» представляет собою комбинацию известных красок, или их гармоническое сочетание, т.е. синтез. Чем краски гармоничнее, тем совершеннее их синтез. И, когда эта гармония достигает высокой степени совершенства, краски начинают светиться, или сиять. Художник, творя свои картины, вкладывает в них силу своих излучений, степень и характер которых зависят от силы его творческого огня. Эти наслоения сопровождают полотна и остаются с ними на всё время их существования, если огни, вложенные в них, достаточно стойкие. Воздействие таких аккумуляторов вибраций очень сильно. Можно представить себе, какова мощь великих произведений искусства, если созданы они при тесном объединении с Иерархией Света и если их творец сам является Иерархом высокой ступени. В настоящее время оригинал картины хранится в Музее Николая Рериха , в Нью-Йорке. Использованная литература: «Рерих Н.К. Описание картин» , составитель Карбовская Т.Ф.

tambovrerich.narod.ru

Описание картины Дубовского Н.Н. «Море. Парусники»

Перед нами картина Дубровского Н.Н. «Море. Парусники». Глядя на это произведение, сразу же возникает особое состояние спокойствия и умиротворения. На данной картине художник изображает морской пейзаж. Можно предположить, что сейчас середина августа, о чём свидетельствуют зелёные волны на переднем плане. Обычно морская вода окрашивается в такой цвет, когда начинается активное цветение морских водорослей.

Небольшие гребешки волн, легко подгоняемые ветром, спешат навстречу берегу. Белые чайки кружатся над водой в поисках пищи. Отчётливо видно светлый парусник, плавно скользящий по воде. Сразу вспоминается известное произведение Пушкина «Белеет парус одинокий в тумане моря голубом…». Но в данном случае, он вовсе не одинокий, на заднем плане, вдалеке хорошо выделяются силуэты других парусников, также отправившихся в путешествие по морским просторам.

Если внимательно присмотреться, кажется, что небо соприкасается с морем и постепенно сходится в одной единой точке. Густые облака плотной периной укутали небо, не осталось почти никакого просвета, кроме тоненькой голубой полосочки на линии горизонта. Природа, словно, заставила гадать людей: будет ли дождь, или всё же скоро появится солнце.

Автором очень чётко подобрана цветовая гамма. Изумрудно-салатные волны мягко переходят в синевато-сиреневые оттенки. Голубизна с бело-серым оттенком неба выгодно контрастирует с морем.

Дубовской Н.Н. «Море. Парусники»

Посмотреть еще картины Дубовского Н.Н. с описаниями

www.hudojnik-peredvijnik.ru

Картина «Море» Дубовского. Описание картины

Н. Дубовской – один из тех художников, которые сделали себе имя пейзажами. Правда, романтический подход, прослеживающийся у него поначалу, со временем эволюционировал в прозрачные границы между реальным миром и сном-миражом наяву. Основными характеристиками творчества Н. Дубовского исследователи называют умиротворенное состояние окружающей природы, с легким налетом национально-романтического оттенка и верность традициям творчества передвижников.

Этот человек был по-настоящему влюблен в искусство, причем настолько, что рисуя этюд с натуры, когда-то опоздал на собственное венчание. Расстроенная невеста все же дождалась своего будущего мужа, и, всегда принимая его талант, сделала невозможное. Именно благодаря ей полотно «Притихло» оказалось на выставке передвижников, где его тут же купил сам император.

Картина «Море», или, как ее еще называют, «Парусники» представляет собой образец планерной живописи в творчестве Дубовского. Причем, той, где переданы самые гармоничные и самые яркие световые и световые эффекты. Простота и лаконичность морского пейзажа, его оптимизм и передача классического «дыхания природы», которое взаимодействует с миром людей – вот что такое полотно под названием «Море».

Оно не может не вызывать восхищение у зрителя, ведь только здесь потрясающее единство света, воздуха и пространства. Атмосфера тишины и спокойствия присутствует в полотне и становиться его самым главным элементом. Неподвижности водной глади и одновременно легкий ветерок, надувающий паруса не являются контрастными, а наоборот, создают общую гармонию.

Художник изображает небо, практически сливающееся с морем и повторяющим все его оттенки и настроения. Как и во всех маринах Дубовского, небесный свод – один из главных компонентов пейзажа и порой, он задает весь тон картины. Хотя дело даже не в этом, а скорее всего, в пространстве, полном свежего воздуха, где есть неуловимые переходы цветов и стирание граней между предметами и внешним миром.

Полотно, как и любой маринистичный пейзаж, умиротворяет. Слышен крик чаек, пролетающих над стеклянно гладкой водой, слышен легкий шум прибоя о камни, а где-то вдалеке виднеются несколько белых парусников. Легкий ветерок навеивает прохладу, которая так нужна в жаркий летний день. Это сказочный парадайз, так близкий каждому человеку.

Наверное, поэтому в картине Дубовского присутствует особое видение стихии моря, доступное только ему. Поражает воображение автора, который сумел передать пространство, одновременное движение и неподвижность. Изображение моря, благодаря этому, с фотографической точностью остановилось на этом холсте, ведь писать его – одна из самых нелегких задач, поставленных перед маринистами: нужно уметь написать дуновение ветра, волны и движение.

Небо на полотне соприкасается с морской гладью, а потом постепенно сливается воедино. Поражает и то, как обнимают небо белые пушистые облака, просвет голубой полосы на линии горизонта. Все цвета и предметы на картине кажутся ирреальными, ведь небо и парусники отражаются в морских водах, словно в зеркале.

Облака и само море словно подсвечены изнутри и, кажется, что их нельзя разделять – они живут вне времени и пространства, а парусники являются ничем иным как обычным обманом зрения. Природа на картине заставляет зрителей угадывать, натянет ветер паруса яхт или, наоборот, он стихнет и парусники останутся неподвижными.

Колористика картины «Море» удивительна. Тут нефритово-изумрудные волны, которые постепенно переходят в лиловый и пурпурный на горизонте, играя при этом ярко-розовыми, красными и лазурными цветами. Слияние моря и горизонта напоминает край земли, который хотели найти мореплаватели всех времен и народов. Расплывчатые облака, окрашенные нежными тонами кремового, голубого и розовато-сиреневого так похожи на сказочные воздушные замки.

Парусники – не что иное как покорители волн, а их окраска имеет по-лермонтовски хрестоматийный белый цвет. Изображение такого вида суден – это одновременные принципы символизма и романтизма. Если в первом случает парусник и море традиционно означает свободу, то романтики трактуют яхты как побег от обыденного и унылого существования к яркому и светлому идеалу.

Исторические предпосылки для написания полотна Дубовского нельзя не упомянуть как исследователям-биографам, так и любопытным искусствоведам. Дело в том, что в то время Россией правил император Александр III – не было военных действий, арестов и казней. Казалось бы, что это идеал каждого человека. Но люди искусства, в частности, Н. Дубовской, всегда требовали накалов страстей, конфликтов между душевными переживаниями и общественными явлениями, так что маринистическая тематика была вполне закономерной.

«Море» - это необычная марина хотя бы потому, что в ней нет радостных бликов и солнечных переливов, тут, несмотря на водную гладь, снова вспоминаются строки Лермонтова «…а он, мятежный просит бури…». Действительно, личные переживания художника проявляются в темной полосе воды в районе горизонта, но сам пейзаж не перегружен деталями.

Изображение различных состояний природы одновременно, умение организовать различные состояния и предметы, скрытие в них собственных переживаний и впечатлений роднит творчество Дубовского с импрессионистами Франции. Такое же особое видение композиции, такая же световоздушность окружающего мира и такое же стремление изобразить судна можно увидеть только на картине Клода Моне «Впечатление. Восход солнца».

Гармоничное равновесие объективных и субъективных вещей придает картине «Море» Н. Дубовского особый вид. Он создал «пейзаж настроения», где природа изображена такой, какой ее видит человек, тонко воспринимающий мир или озабоченный своими проблемами. Неудивительно, что это эхо, отражение, отпечаток – да как угодно! – настроения сделали своим излюбленным приемом французские импрессионисты, ведь человек искусства всегда по-особому видит мир.

Н. Дубовский «Море»

Н. Дубовской – один из тех художников, которые сделали себе имя пейзажами. Правда, романтический подход, прослеживающийся у него поначалу, со временем эволюционировал в прозрачные границы между реальным миром и сном-миражом наяву. Основными характеристиками творчества Н. Дубовского исследователи называют умиротворенное состояние окружающей природы, с легким налетом национально-романтического оттенка и верность традициям творчества передвижников.

Этот человек был по-настоящему влюблен в искусство, причем настолько, что рисуя этюд с натуры, когда-то опоздал на собственное венчание. Расстроенная невеста все же дождалась своего будущего мужа, и, всегда принимая его талант, сделала невозможное. Именно благодаря ей полотно «Притихло» оказалось на выставке передвижников, где его тут же купил сам император.

Картина «Море», или, как ее еще называют, «Парусники» представляет собой образец планерной живописи в творчестве Дубовского. Причем, той, где переданы самые гармоничные и самые яркие световые и световые эффекты. Простота и лаконичность морского пейзажа, его оптимизм и передача классического «дыхания природы», которое взаимодействует с миром людей – вот что такое полотно под названием «Море».

Оно не может не вызывать восхищение у зрителя, ведь только здесь потрясающее единство света, воздуха и пространства. Атмосфера тишины и спокойствия присутствует в полотне и становиться его самым главным элементом. Неподвижности водной глади и одновременно легкий ветерок, надувающий паруса не являются контрастными, а наоборот, создают общую гармонию.

Художник изображает небо, практически сливающееся с морем и повторяющим все его оттенки и настроения. Как и во всех маринах Дубовского, небесный свод – один из главных компонентов пейзажа и порой, он задает весь тон картины. Хотя дело даже не в этом, а скорее всего, в пространстве, полном свежего воздуха, где есть неуловимые переходы цветов и стирание граней между предметами и внешним миром.

Полотно, как и любой маринистичный пейзаж, умиротворяет. Слышен крик чаек, пролетающих над стеклянно гладкой водой, слышен легкий шум прибоя о камни, а где-то вдалеке виднеются несколько белых парусников. Легкий ветерок навеивает прохладу, которая так нужна в жаркий летний день. Это сказочный парадайз, так близкий каждому человеку.

Наверное, поэтому в картине Дубовского присутствует особое видение стихии моря, доступное только ему. Поражает воображение автора, который сумел передать пространство, одновременное движение и неподвижность. Изображение моря, благодаря этому, с фотографической точностью остановилось на этом холсте, ведь писать его – одна из самых нелегких задач, поставленных перед маринистами: нужно уметь написать дуновение ветра, волны и движение.

Небо на полотне соприкасается с морской гладью, а потом постепенно сливается воедино. Поражает и то, как обнимают небо белые пушистые облака, просвет голубой полосы на линии горизонта. Все цвета и предметы на картине кажутся ирреальными, ведь небо и парусники отражаются в морских водах, словно в зеркале.

Облака и само море словно подсвечены изнутри и, кажется, что их нельзя разделять – они живут вне времени и пространства, а парусники являются ничем иным как обычным обманом зрения. Природа на картине заставляет зрителей угадывать, натянет ветер паруса яхт или, наоборот, он стихнет и парусники останутся неподвижными.

Колористика картины «Море» удивительна. Тут нефритово-изумрудные волны, которые постепенно переходят в лиловый и пурпурный на горизонте, играя при этом ярко-розовыми, красными и лазурными цветами. Слияние моря и горизонта напоминает край земли, который хотели найти мореплаватели всех времен и народов. Расплывчатые облака, окрашенные нежными тонами кремового, голубого и розовато-сиреневого так похожи на сказочные воздушные замки.

Парусники – не что иное как покорители волн, а их окраска имеет по-лермонтовски хрестоматийный белый цвет. Изображение такого вида суден – это одновременные принципы символизма и романтизма. Если в первом случает парусник и море традиционно означает свободу, то романтики трактуют яхты как побег от обыденного и унылого существования к яркому и светлому идеалу.

Исторические предпосылки для написания полотна Дубовского нельзя не упомянуть как исследователям-биографам, так и любопытным искусствоведам. Дело в том, что в то время Россией правил император Александр III – не было военных действий, арестов и казней. Казалось бы, что это идеал каждого человека. Но люди искусства, в частности, Н. Дубовской, всегда требовали накалов страстей, конфликтов между душевными переживаниями и общественными явлениями, так что маринистическая тематика была вполне закономерной.

«Море» - это необычная марина хотя бы потому, что в ней нет радостных бликов и солнечных переливов, тут, несмотря на водную гладь, снова вспоминаются строки Лермонтова «…а он, мятежный просит бури…». Действительно, личные переживания художника проявляются в темной полосе воды в районе горизонта, но сам пейзаж не перегружен деталями.

Изображение различных состояний природы одновременно, умение организовать различные состояния и предметы, скрытие в них собственных переживаний и впечатлений роднит творчество Дубовского с импрессионистами Франции. Такое же особое видение композиции, такая же световоздушность окружающего мира и такое же стремление изобразить судна можно увидеть только на картине Клода Моне «Впечатление. Восход солнца».

Гармоничное равновесие объективных и субъективных вещей придает картине «Море» Н. Дубовского особый вид. Он создал «пейзаж настроения», где природа изображена такой, какой ее видит человек, тонко воспринимающий мир или озабоченный своими проблемами. Неудивительно, что это эхо, отражение, отпечаток – да как угодно! – настроения сделали своим излюбленным приемом французские импрессионисты, ведь человек искусства всегда по-особому видит мир.

5sec.info

Картина Н. Н. Ге «Выход Христа с учениками с Тайной вечери в Гефсиманский сад» (описание) | Искусство. Реферат, доклад, сообщение, краткое содержание, лекция, шпаргалка, конспект, тест

Тема:

Путь в Гефсиманский сад

За слово истины высокой

Голгофский крест предвидел Он.

И, чувством скорби возмущён,

Отцу молился одиноко...

И. С. Никитин

Все сидели в глубокой скорби и молчании. В ночь, с четверга на пятницу, Иисус с одиннадцатью учениками вышел в Гефсиманский сад, находившийся у подножия Елеонской горы. А в это время Иуда уже торопился к дому первосвященника Каиафы...

Спустя 25 лет после создания «Тайной вечери» ху­дожник Николай Николаевич Ге напишет ещё одну картину, явившуюся её прямым продолжением, — «Выход Христа с учениками с Тайной вечери в Гефси­манский сад».

«Вот, наступает час, и настал уже, что вы рассеетесь каждый в свою сторону и Меня оставите одного», — написано в Евангелии от Иоанна (16: 32). Но как во­плотить в живописи этот драматический момент оди­ночества и предчувствия гибели? Воображение ху­дожника рисовало Христа с заломленными руками, с выражением отчаяния на лице... Но всё было не то. Ощущение гнетущей неопределённости он выразит в холодных, «скорбных» красках полотна, в мерной по­ступи исчезающих в темноте фигур. Мастерски пере­данный медленный ритм погребального шествия крас­норечиво напоминает о том, что из замкнутого круга нет и не может быть выхода. Сумрачные тона картины точно и эмоционально передают одиночество Христа, пока ещё окружённого людьми. Материал с сайта http://worldofschool.ru

Н. Н. Ге. Выход Христа с учениками с Тайной вечери в Гефсиманский сад. 1888 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Участники прощального ужина медленно расходят­ся, спускаясь с залитой серебристым лунным светом площадки. Повинуясь неизбежности, они совершают свой путь в иссиня-чёрный сгущающийся мрак ночи. Их лиц не видно, фигуры закутаны в длинные плащи. Бесшумная медлительность походки, поникшие голо­вы выдают тяжесть переживаний и глубину печали. Христос остаётся один... Его фигура освещена холод­ным лунным светом, лицо обращено к небу, руки судо­рожно сцеплены и выдают чувство одиночества и то­ски. Природа спит «мёртвым сном кануна жизни» (И. Ф. Анненский).

Лунный свет, ранее облегчавший герою страдания, теперь несёт одиночество и смерть. В одном из писем Л. Н. Толстой дал такую оценку этому произведению: «Настоящая картина. Она даёт то, что должно давать искусство».

На этой странице материал по темам:
  • Как художнику нн ге удалось передать одиночество и предчувствие

  • Описание картины н.н.ге выход христа с учениками

  • Н.н.ге несение креста

  • Картина н. н. ге «выход христа с учениками с тайной вечери в гефсиманский сад».

  • Описание картины ге выход христа с учениками с тайной вечери в герафийский сад

Вопросы по этому материалу:
  • Как художнику Н. Н. Ге удалось передать одиночество и предчув­ствие гибели Христа в картине «Выход Христа с учениками с Тайной вечери в Гефсиманский сад»?

  • Какими средствами Н. Н. Ге показал нарастание тревоги?

worldofschool.ru