Журнал ЖЖ. Интересные факты о рисовании акварелью


8 фактов из биографии акварели

Сегодня, выйдя на улицу, я обратила внимание на небо. Оно, уже такое осеннее, тяжёлыми тучами нависало над городом. Через час тучи немного рассеялись и появились голубые прозрачные облака, через которые пробивались лучи солнца. Небо приобрело сложный цвет: где-то воздушный голубой, где-то тяжелый серый, где-то ярко золотой от света солнца. В голове мелькнула мысль: "бросить бы все дела, взять акварельные краски и запечатлеть эту красоту!" И вот тогда я и решила поговорить с вами об акварели....

Чтобы все понимали, о чём идёт речь, обратимся к Википедии :) Она гласит, что Акварель - это живописная техника, использующая специальные акварельные краски, которые при растворении в воде образуют прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. 

А теперь хватит умных определений, давайте обратимся к голосу нашего сердца:) Какие впечатления у Вас вызывают картины, написанные акварелью? Я вижу в них чистоту...Они настолько невесомые и лёгкие, будто наполненные воздухом изнутри! За это чувство я и люблю акварель:)

Хочу поделиться с Вами интересными фактами об этой технике:

1. Созданию акварели мы обязаны....Китаю! Она появилась в этой стране вслед за изобретением бумаги. Вскоре акварель стала популярна и в Японии. Она никогда не теряла своей популярности в этих странах. Акварелью рисовали на шелке, дереве и других материалах.

2. В Европе акварель появилась позже других видов живописи: только в XIII веке. Однако она чрезвычайно быстро развивалась и к 16 веке стала такой же популярной, как живопись маслом. Считается, что предшественниками акварельной живописи в Европе являются фрески, расписанные по сырой штукатурке. 

3. Одной из самых знаменитых акварельных работ в мире является "Заяц" (1502 год) известного художника эпохи Ренессанса Альбрехта Дюрера. Этот мастер живописи внёс значительный вклад в развитие акварели на Западе.

А. Дюрер

4. Не всегда мастера акварели стремились к лёгкости и некоторой "размытости" при работе с акварелью. Вплоть до 18 века прорисовка деталей, в особенности переднего плана - была каноном, от которого не принято было отходить. В конце 19 века два замечательных английских художника Томас Гёртин и Джозеф Тёрнер решили нарушить это представление о живописи. Они отходят от активной прорисовки переднего плана при работе с акварелью. В их картинах присутствует та акварельная легкость и прозрачность, к которой мы стремимся сейчас. 

Дж. ТёрнерТ. Гёртин

5. В России акварель становится популярной только в 19 веке. Эта новая техника особенно привлекает аристократов и членов царской семьи, которые заказывают себе портреты у мастеров акварели. Такие портреты можно было взять с собой в дорогу, легко перевезти из одного дома в другой, так как они были гораздо легче картин, написанных маслом на холсте, и достаточно неприхотливы. Иметь свою коллекцию акварелей считалось признаком хорошего тона и благосостояния. 

6. Если бы в составе акварельных красок не было бычьей желчи, то они бы скатывались в капли при рисовании, то есть не получился бы эффект красивого перехода одного цвета в другой.

7. В состав акварели входит мёд! Именно он делает акварель мягкой и позволяет ей оставаться в полужидком состоянии в течение достаточно длительного времени.

8. А вы замечали, что в профессиональных акварельных палитрах нет белого цвета? Да, белая краска бывает в детских наборах, но не в наборах для профессиональных художников. Для получения белых частей картины, мастера просто не закрашивают их. Этот приём только кажется простым на первый взгляд, на самом деле, он требует большого опыта и аккуратности!

moretvor.blogspot.ru

Акварель | Статьи об искусстве

акварельСлово «акварель» произошло от латинского «aqua»— вода. Акварель — это водяные краски. Акварелью называют и технику живописи, и отдельное произведение, выполненное акварельными красками. Основное качество акварели — прозрачность и мягкость тончайшего красочного слоя. Этим она отличается от масла, темперы, гуаши.

Акварель прекрасно передает ясность небесной лазури, серебро облаков, игру водяных струй, нежность цветочных лепестков. Она вырабатывает зоркость глаза, уверенность и смелость руки, тонкое ощущение прекрасного.

Однако кажущаяся простота и легкость, с какой большие художники создают работы в этой технике, обманчива. Акварельная живопись требует мастерства владения кистью, умения безошибочно положить на бумагу краску — от широкой смелой заливки до точного завершающего мазка.

Акварелист должен обладать развитым чувством цвета, знать особенности красок и возможности различных сортов бумаги, которая играет роль света и должна быть максимально белой.

Французский художник Э. Делакруа писал: «То, что дает тонкость и блеск живописи на белой бумаге, без сомнения, есть прозрачность, заключающаяся в существе белой бумаги».

Свет, пронизывающий нанесенную на белую поверхность краску — даже в самых густых тенях, — создает блеск и особую светимость акварели. Прелесть этой живописи еще и в мягкости, естественности переходов одного цвета в другой, безграничном разнообразии тончайших оттенков.

Широки возможности акварели — ее краски то сочны и звонки, то воздушны, едва уловимы, то плотны и напряженны.

Акварель занимает в изобразительном искусстве особое место, потому что ею можно создавать и живописные и графические произведения — в зависимости от задач, которые ставит перед собой художник. Она широко используется для иллюстрирования и украшения книги.

Вид ТриентаАкварель — очень древняя техника. Замечательные акварели создавал крупнейший художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер. Это были главным образом пейзажи, в которых он предвосхитил достижения акварелистов, живших несколькими столетиями позже. Акварели Дюрера поражают свежестью, чистотой, ясностью красок. Они удивительно современны. Таков воспроизводимый нами «Вид Триента».

Расцвет акварели в странах Европы приходится на XVIII век. Поскольку акварель незаменима в передаче стремительно меняющихся состояний природы, эффектов освещения, сильных и ярких впечатлений, неудивительно, что она привлекла к себе особое внимание живописцев-романтиков. Поэтому многие из них предпочли акварельную живопись масляной. Так произошло в Англии на рубеже XVIII и XIX веков, где достижения акварелистов повлияли и на пейзаж в масляной живописи.

В этой стране акварель, которая сначала играла служебную роль при подкраске гравюр и рисунков, быстро стала самостоятельным видом живописи.

Уильям Тернер

Самым знаменитым мастером акварели в Англии был Уильям Тернер, открывший огромные возможности этой техники в создании романтических образов природы. Художник обычно работал на влажном листе бумаги, что позволяло одним мазкам переходить в другие тонкими переливами.

Тернер был выходцем из бедной семьи. Наблюдательный и впечатлительный мальчик рано начал рисовать. Он часами любовался Темзой, кораблями, окутанными загадочной туманной дымкой, игрой водяных бликов. Когда мальчику исполнилось двенадцать лет, отец выставил в окнах своей маленькой парикмахерской его акварели. Результат оказался неожидан-ным: работы имели большой успех, их стали охотно покупать...

Цветной туман, облака, морская пена в акварелях Тернера живут, дышат, полны движения и красоты. Он благоговел перед солнечным светом — недаром в его палитре преобладают желтые цвета.

Понятен интерес французских мастеров кон-ца XIX века к творчеству этого художника: ведь он предвосхитил их достижения в передаче движения, вибрации воздуха, игры красок под открытым небом. Они были поражены тем, как Тернеру удавалось передать белизну снега — не одними белилами, а бесконечными оттенками легких и чистых цветов.

В России в первой половине XIX века подлинный взлет акварельной живописи связан с именем К. Брюллова. Художник применял разнообразную технику: писал сразу в один слой, клал краску в два-три слоя по сухой поверхности бумаги, тонкой кистью многократно прописывал детали.

Прозрачна, наполнена воздухом и светом его акварель «Внутренний вид храма Аполлона Эпикурейского». Красивы сочетания серебристых, розовых, голубых, синих оттенков — краски ветреного летнего дня, когда солнце на считанные минуты скрылось за пробегающим облаком. Художник нашел удачную точку зрения, позволяющую лучше всего судить об архитектуре храма и о пейзаже, который его окружает.

Посмотрите, как внимателен К. Брюллов к деталям, как тонко проработал лицо и всю фигуру в акварели «Капитан греческого судна». Но в то же время это совсем маленькое по размерам произведение очень цельно, законченно и произ-водит впечатление большой картины. Не верится, что на самом деле оно величиной со страницу из ученической тетради.

Выдающимся акварелистом был Александр Иванов. В его работах исключительно точный и уверенный рисунок гармонично сочетается с ясными, насыщенными красками. Естественны, жизненны, грациозны девушки в этюде А. Иванова к акварели «Октябрьский праздник. Танец «Воздыхание».

В середине XIX века многие русские художники обращаются к бытовому жанру, используя для этого и акварельную технику. Среди них ведущее место принадлежит П. Федотову, обладавшему исключительной остротой видения, способностью запоминать и воспроизводить быстро меняющуюся мимику лица, движения человека. Все творчество этого художника пронизано неизменным стремлением к правде.

П. Федотов поздно начал учиться рисовать — ему пришлось овладевать основами изобразительного искусства в таком возрасте, когда воспитанники Академии художеств уже завершали свое образование. Будущий художник посещал рисовальные классы академии, одновременно служа в полку, где частые маневры, походы и учения отвлекали от систематической работы, а командиры смотрели на занятия искусством как на пустую забаву.

П. Федотов внимательно изучает окружающую жизнь. «Я стою в карауле (что может быть неприятнее!) и стараюсь развлечься тем, что про-исходит вокруг меня интересного...» — рассказы-вал он. А в свободное время любил смешиваться с многоликой толпой, прислушиваться к ее говору, изучать повадки и обычаи крестьян, мелких купцов, ремесленников.

Прогулка ФедотовМы воспроизводим одну из ранних акварелей П. Федотова — «Прогулка». Она написана в 1837 году. Это семейный портрет: сдержанный суровый отец, чопорная сводная сестра Анна Ивановна и сам художник на фоне московской улицы. Посмотрите, как тщательно П. Федотов изображает лица, добиваясь точного портретного сходства, как любовно отрабатывает складки одежды, малейшие подробности, относящиеся к главным героям композиции. В то же время художник обобщенно показывает остальные фигуры, легкими мазками намечает постройки, задний план, небо. В этой акварели П. Федотова, как и в большинстве других, в равной степени соединяются два начала: графическое и живописное.

Прекрасные акварели создавали И. Крамской, Н. Ярошенко, В. Поленов, В. Серов, В. Савинский.

Великолепно владел акварелью И. Репин. Он писал сочно, смело, красочно. Мы воспроизводим принадлежащий его кисти портрет Е. В. Лавровой.

В работе преобладают два цвета. Но сколь-ко оттенков, тонких нюансов! Полон жизни облик молодой женщины, слегка склонившей голову над книгой. Из окна льется на нее свет и тонет в глубине комнаты. Воздух словно дрожит, лаская мягкие черты лица.

Кажется, что Репин создал портрет в считанные минуты, передав всю непосредственность первого впечатления. В то же время это законченное и цельное произведение живописи.

Особое место в истории русской акварели занимают работы В. Сурикова. Его акварели многокрасочны, темпераментны по исполнению, жизнерадостны, полнозвучны. В них много поэзии, широты, размаха. Вот, например, пейзаж «Енисей», переливающийся серебристо-перламутровы-ми тонами. Эта акварель монументальна и эпич-на. На небольшом листе бумаги художник сумел показать необъятность родной земли, ее красоту и величие.

Суриковские акварели обусловили расцвет этого вида живописи в искусстве многих художников следующих поколений.

Очень характерны акварели М. Врубеля. Они восхищают филигранной техникой, обилием тончайших цветовых и тоновых переходов, россыпями бликов, движением. Даже самые незначительные предметы, изображенные художником, наполняются смыслом и очарованием — цветы, раковины, камни, волны...

Для достижения такого совершенства одного таланта мало. М. Врубель был великим тружеником. Вот что он писал сестре в годы учебы в Академии художеств: «Я прильнул, если так можно выразиться, к работе; переделываю по десятку раз одно и то же место, и вот с неделю тому назад вышел первый живой кусок, который привел меня в восторг... Я счастлив, что переживаю момент сильного шага вперед...»

artnastroenie.ru

О рисунке акварелью или преодолении себя

Пока болею и не хочется заниматься исследованиями, хотела бы рассказать о других интересных вещах. Попросили меня на днях сделать рисунок акварелью. Когда уже больше 20 лет не держал в руках красок, а художнику, как и пианисту, надо упражнять навыки, задача получается нетривиальная. О том, как я выходила из положения, и будет этот рассказ. Кто-то увидит в этом лайфхак по рисованию, кто-то историю преодоления себя, кто-то еще что-то свое... Я очень волновалась и придумывала способы, как избежать подводных камней, чем и поделилась под катом. Но когда ты рассчитываешь только на себя - это намного проще, чем когда работа зависит не только от тебя.

2. Надо сказать, что последний раз я акварельные краски брала в руки где-то в 1994 году, но до того с 1983 года рисовала ими регулярно, почти каждый день. При этом меня никто технике не учил, до всего приходилось доходить самой, методом проб и ошибок. Мои детские работы акварелью можно посмотреть тут 1, 2 3. И как пример - пара моих рисунков школьных лет. Кстати, в такой "мокрой манере" я редко рисовала, мне тогда претила такая нарочито небрежная манера исполнения:

3. Вот это было более характерно для меня, с прорисовкой деталей (оба рисунка сделаны были в возрасте 15 лет):

4. Во время большого перерыва мне иногда доводилось читать теорию живописи и другие близкие к этой темы. Поэтому представление о том, как надо делать, имелось. Во-первых, нужны качественные материалы. У меня еще с советских времен сохранились наборы акварельных красок "Ленинград", некоторыми, по-моему, еще мой отец в студенческие годы рисовал. В те времена это были самые лучшие краски, сейчас они больше считаются любительскими, чем профессиональными. Все фото ниже для иллюстрации рассказа взяты из интернета, ибо пока не было сил подробно фотографировать.

5. Относительно неплохие были и вот эти краски, что внизу. Но кисточка там - ужас-ужас. Надо брать не синтетическую, а беличью или колонковую, у которой смоченный кончик можно сделать заостренным (как на фото 9 ниже).

6. У меня были в 80-е годы и такие немецкие краски, но их лучше не брать для художественных работ - они не так хорошо смешиваются между собой и дают грязноватые оттенки.

7. В акварели главное - чувствовать, как ложатся краски на бумагу, какой будет цвет во время работы и при высыхании. Для этого лучше до начала работы сделать пробные выкраски и обязательно на такой же бумаге, на какой будет основной рисунок. Поэкспериментировать, сколько воды набирать на кисть - от этого зависит будет ли цвет темнее или светлее.

8. Бумага должна быть специальная для акварели. Она как правило, с фактурной поверхностью. С одной стороны это сложнее для начинающего художника, т.к. при недостаточно влажной кисти краска плохо будет ложиться, оставляя бумажные поры незакрашенными, с другой стороны шероховатость придает дополнительную фактуру и сложность фоновым заливкам. И акварельная бумага более устойчива к нескольким слоям краски, положенным друг на друга, простая бумага может коробиться или выглядеть грязной после нескольких мазков друг поверх друга. Акварельная тоже коробится, но меньше и законченные работы потом желательно подержать под прессом несколько дней. Последнее обстоятельство указывает на то, что работу лучше не сдавать в тот же день, как ее сделал.

9. К вопросу о чутье и навыках. Когда работаешь акварелью регулярно, чувствуешь, как краска ложится, как засыхает, неравномерно положенная краска образует такие вот подтеки и пятна. Это обстоятельство художники используют как специальный художественный эффект.

10. Вот на рисунке справа такие эффекты служат для выявления формы изображаемого объекта. Вообще высшим пилотажем считается, когда легким полупрозрачным единственным слоем краски получается изображение. Но для этого нужна практика. Когда навыки утеряны, надо думать, чем пожертвовать, упростить работу, чтобы не слишком сильно потерять в качестве.

11. Вот например, в живописи принято использовать сложные цветовые оттенки, получаемые смешением сразу нескольких цветов, как видно на этом фото. Но при отсутствии навыков пока лучше сразу за это не браться - скорость высыхания красок разная, заготовленных цветов может не хватить, при создании новых переборщить с их разведением водой и т.п. В результате рисунок можно испортить почти сразу. Поэтому по умолчанию для начала поработаем чистым цветом, внося оттенки с помощью последующих лессировок - попросту говоря наложением другого оттенка вторым слоем поверху. Но не больше двух-трех слоев, иначе рисунок опять будет казаться "грязным", или как еще говорят, "замученным".

12. Вот как тут добавляют мазки другим цветом поверху. За живописными потеками и растеканием краев пока лучше не гнаться - тут тоже нужно чутье и навыки.

13. Не стоит стремиться заливать весь лист сразу фоновой краской. Когда нет навыка, равномерной заливки, а тем более с постепенным переходом оттенков (градиентом) добиться трудно. Тут еще надо знать одну засаду, по крайней мере у красок "Ленинград" - цвета сине-фиолетовой гаммы более капризные и хуже ложатся на бумагу. Если вам нужен фон - лучше если он будет создан с помощью желто-зеленых цветов:

14. Когда мы наметили основные цвета фона изображаемых объектов, будь то цветы или архитектурные памятники, можно по чуть-чуть, местами добавлять отдельными мазками другие цвета, чтобы выявить форму, объем:

15. При этом опять же нужно чутье, понимание композиции, того, как ложатся тени и т.п. Но есть и упрощенные приемы, как здесь, простыми линиями создавать более четкие передние планы в виде деревьев и растений на более бледном фоне. Здесь важно вот что: проводя линию кистью, не надо бояться, что она будет кривой. Всякие поправки, попытки несколько раз малевать по одному и тому же месту, сразу испортят рисунок, показывая неуверенность руки. Не исправленная кривая линия, но одна - это художественный эффект - "художник так видит". :-) То же самое относится и к карандашным линиям. Лучше один раз чиркнуть карандашом, пусть и мимо поставленной цели, чем пытаться мазать им взад-вперед, выравнивая линию. Преподаватели называют такие неуверенные линии "шнурками". :-)

16. Можно дорабатывать рисунок не кисточкой, если нет уверенности в руке, а специальными акварельными карандашами. Но при этом надо учесть, что если линия такого карандаша попадает на сильно влажный фон, она растечется примерно так, как на иллюстрации. Это тоже может быть художественным эффектом.

17. У меня в моей работе был соблазн сделать рисунок на контрастном фоне, примерно как тут. Я всегда любила работать больше с графикой, где все достигается за счет контраста. Но в акварели делать темные фоны для непривычного человека тоже опасно. Не имея навыка сразу набирать достаточно насыщенную краску, при ее высыхании окажется, что фон получился бледным, в то время как будучи мокрым, он казался достаточным. И тогда обычно пытаются накладывать слой на слой и в итоге получать "замученный рисунок". И вот тут отсутствие навыка позволяет делать не как хочется, а как надо - не уходить для начала от светлой гаммы. Игра контрастов - это уже следующий этап, когда будет сделан не один рисунок.

18. Высший пилотаж в акварели - это работать примерно так:

19. Вот и исходя из вышеописанных соображений у меня получилось вот так. Мои рисунки в этом посте только на иллюстрациях №1-3 и этот, все остальное просто для иллюстрирования рассказа.

renatar.livejournal.com

Акварель VS гуашь, необычный эксперимент

Всем привет! Я Вера. Сегодняшняя статья посвящена гуаши и акварели. Меня много спрашивают об этих двух красках и техниках рисования, связанных с ними. Мое сегодняшнее сравнение скорее похоже на эксперимент. Мне очень давно хотелось сделать все наоборот — порисовать акварелью как гуашью, а гуашью как акварелью. Для наглядности я сделаю каждый вид зарисовок в родной технике и не родной. Итогом станут четыре работы. Каждую я по традиции подпишу и подробнее покажу в конце работы. И вы сами сможете сделать вывод о том, какая техника вам возможно ближе. Забегая вперед, рекомендую провести этот вдохновляющих опыт самостоятельно. Поверьте, это будет полезно. А пока я кое-что расскажу интересного а самих красках. Я заметила, что все очень любят интересные факты о предметах. Гуашь — водная краска, вид клиевых водорастворимых красок. Более плотная и матовая, чем акварель. Термин первоначально возник в 18 веке во Франции, хотя техника создании этой краски значительно старше. Она использовались в Европе еще в средние века. Гуашевые краски изготавливаются из пегментов и клея с добавлением белил. Примесь белил придает гуаши матовую бархатистость и кроющую способность. Но при высыхании цвета несколько выбеливаются, то есть высветляются, что делает сложным подбор цвета. С помощью гуашевых красок можно перекрывать темные тона светлыми. Гуашь, положенная толстым слоем, склонна к образованию трещин при высыхании, поэтому с работами, написанными в гуаши, нужно обращаться особенно внимательно. Эта проблема может быть в определенной степени ослаблена использованием специальной утолщающей основы или добавлением небольшого количества столярного клея и клея ПВА к краскам. Гуашью можно работать не только на бумаге, но и на различных поверхностях, будь то грунтовыми холст, ткань, даже шелк, пропитанный раствором бычей желчи или крахмальным клейстером, картон, фанера. Работы, выполненные гуашью, традиционно относятся к графике, но, что интересно, в последние годы появилась тенденция делить работы выполненные акварелью и гуаши на графические и живописные. И гуашь также не имеет срока годности. По сути это очень долговечная краска при правильном хранении. Но хочу обратить ваше внимание, что если вы покупаете в магазине очень свежую еще жидковатую гуашь, то ее ни в коем случае нельзя перемораживать. Если покупка происходит зимой, а на улице мороз хотя бы -10 градусов, то побывав при этой температуре хотя бы полчаса, гуашь в дальнейшем приобретает мылкость она расслаивается и полностью теряет свои свойства. Так что всем художникам советую завернуть ее под куртку для транспортировки до дома. Морозы у нас бывают гораздо ниже десяти градусов. Тоже самое касается и жидкой акварели в тубах и баночках. Ее вообще неьзя морозить на улице. Уже при -5 градусах вы рискуете своей драгоценной краской и просто, возможно, не донесете ее до дома. Акварель тоже краска на водной основе, но техника акварели отличается легкостью, тонкостью цветовых переходов. Созданию акварели мы обязаны Китаю. Она появилась в этой стране вслед за изобретением бумаги. Вскоре акварель стала популярной и в Японии. Она никогда не теряла своей популярности в этих странах. Акварелью рисовали на шелке, дереве и других материалах. В европе акварель появилась гораздо позже других видов живописи - только в тринадцатом веке. Однако она чрезвычайно быстро развивалась и в конце шестнадцатого века стала такой же популярной, как живопись маслом. Считается, что предвестниками акварельной живописи в европе является фрески, расписанные по сырой штукатурке. Однако не всегда мастера акварели стремились к легкостьи, некоторой размытости при работе с акварелью. Вплоть до 18 века прорисовка деталей, в особенности переднего плана, была строжайшим каноном, от которого не принято было отходить. И только в конце девятнадцатого века два замечательных английских художника Томас Герти и Джозеф Тернер решили нарушить это представление о живописи. Они отошли от активной прорисовки акварельных рисунков и плотности положения акварельных красок. В их картинах уже присутствует та акварельная легкость и прозрачность, к которой мы стремимся сейчас. В отличие от гуаши, акварельная техника капризна. Исправить работу случае неверного мазка будет крайне сложно не оставив грязи, а при смешении цветов более двух-трех краска теряет яркости и чистоту. При смывании красочного слоя нарушается поверхность бумаги, таким образом это часто приводит к неопрятности. Кстати, только Врубель умел работать акварелью долго, по многу раз переделывая отдельные куски. А такая работа требует огромного опыта и мастерства. Я завершила свои зарисовки. Вы можете увидеть рисунки яблок, написанных в несколько слоев акварелью и гуаши. Для гуаши такой стиль является родным, поэтому краска смотрится гармонично и, на мой взгляд, более аккуратно. Для акварели же это не свойственный стиль. Краску вторым слоем положить довольно затруднительно, не размыв нижний. И хоть обе работы смотрятся хорошо, в жизни гуашь выигрывает у акварели. На мой взгляд, акварель смотрится тусклее, чем гуашь. А вот прозрачно написанный попугай отличается существенно. Акварель дает характерные красивые затеки, которые я обыграла в иллюстрации, а вот с гуашью сложно такое повторить в виду присутствия в ее составе белил, утяжеляющих краску. По высыхании гуашевый попугай утратил цвет и стал более тусклым. Повторюсь, что это сугубо мое мнение. Вы можете сделать подобный эксперимент самостоятельно. Автор: ART Lover

wearts.ru

Масло или акварель? - {иллюстрация, дизайн и другие ...котики}

Upd. Хотелось бы подчеркнуть, что речь не о станковой, а о коммерческой деятельности художника.

В рецензии к книге "Как понять акварель" я уже упоминала один момент, когда автор рассказывает, почему якобы люди переходят от такого воздушного материала как акварель к плотному маслу. Дело якобы в том, что акварель требует предварительного обдумывания и планирования - важно понимать на несколько шагов вперёд, что за чем отображать или обходить цветом, а ошибки уже не спрячешь. В масле всё, якобы, просто - каждый неудачный штрих можно замазать новым. Мол, поэтому тот, кто не может совладать с акварелью, переходит на непрозрачные, кроющие материалы.

Я, к сожалению, не имею возможности проверить, что же там стояло в оригинальом тексте на английском, но вполне вероятно, что переводчик слишком категорично перевёл слова автора. Однако одно то, что тема "Масло или акварель" периодически всплывает в разговорах, говорит о том, что речь здесь о больной для художников теме.

Масло считается королевской дисциплиной у профессиональных художников. Потому что оно, как правило, требует бОльших материальных и временных затрат: художнику лучше иметь отдельную мастерскую из-за запахов и пачкающей краски, дороговизна материалов, длительное время просыхания, продолжительная поэтапная работа, хитрости различных техник письма маслом и так далее. Эти сложности часто способствуют тому, что живописцы пользуются бОльшим уважением коллег и окружения, чем художники, работающие в других изобразительных техниках, не требующих таких жертв. Акварель в плане "танцев с бубнами" весьма беспроблемный материал.

Обращали уже внимание, что именно акварельные блоги пользуются огромной популярностью на том же Инстаграме? Вы можете в реальной жизни ничего не знать о человеке - у него нет публикаций, громких выставок или элементарно блога, но с удивлением обнаружить, что на Инстаграме за его акварельным творчеством следят более 100 тыс. человек, активно "лайкают" (простите за это жутенькое слово) и общаются с человеком. Что же происходит? Акварель любят и уважают, но только ровно до тех пор, пока речь ни заходит о масле?

Я уже много раз рассказывала, что акварель очень сложный и многогранный материал. И что художников-акварелистов совершенно незаслуженно списывают в "просто графики". Одно то, что принято говорить, что акварелью не пишут, а рисуют - заставляет задуматься. Как художника-иллюстратора, увлечённого акварелью, меня достаточно долго мучила несправедливость по отношению к художникам-акварелистам. Чтобы овладеть техникой акварели нужны годы напряжённой работы, но при этом работы стоят в сравнении с работами маслом намного меньше.

В частных галереях часто можно наблюдать картину, что одинаковые по формату и содержанию работы одного и того же автора, выполненные маслом и акварелью отличаются в десятки раз в цене. Акварель воспринимается чуть ли ни эскизом к маслу. Мои собственные работы акварелью были проданы за время моей последней выставки в галерее "Clowns & Pferde" со значительной скидкой. До выставки я честно верила, что продам всё и ровно по той цене, какую запросила, потому что у меня была оригинальная и концептуальная идея, несколько месяцев напряжённой работы, изящная техника. Но в итоге я была вынуждена уступить покупателям, потому как поклонникам моего творчества пришлось дополнительно потратиться на должное обрамление и дорогостоящую защиту работы от воздействия ультрафиолета. Именно тогда я впервые задумалась над тем, чтобы сменить технику работ на продажу и снова вернуться к маслу, как когда мне было 18-20. И это при всей моей горячей любви к акварели.

Последней каплей для меня стал многосерийный документальный фильм о самых известных аукционах мира: Auction Series. Не помню точно, какой именно эпизод, но когда посмотрела фильм, с печалью поняла, что если хочу зарабатывать на жизнь не только иллюстрацией, но и живописью, то любимой акварельной техникой на больших форматах (а мои работы для галереи были размером 90x130см) придётся пожертвовать. В фильме даже одна из редких акварелей Тёрнера, найденная какими-то сложными манипуляциями, ушла на аукционе Christie's - одном из старейших аукционных домов Англии - в разы дешевле его же более потоковой работы маслом.

Так что выбор художника в пользу масла обусловлен не тем, что его, масло, легче контролировать, чем акварель, а большей выносливостью и долговечностью материала. Кстати, именно поэтому даже работы маслом по дереву ценятся в разы больше, чем работы маслом по холсту. Нужно так же понимать, что освоить акварель и масло - одинаково энергозатратно. И расходы на материалы у акварелистов часто даже выше. При этом отдача от работы маслом в разы больше, а результат долговечнее. Нужно смириться с тем, что состоятельные люди с удовольствием вкладывают деньги в искусство. Но одно из основных требований к нему совсем не оригинальность, как может показаться.

И раз я затронула тему масла. Вы знали, что уже существует огромное множество материалов для холстов - от традиционного льна до шёлка? И что уже давно изобрели масло, которое разбавляется просто водой (например, у компании Winsor&Newton это масло серии Artisian по цене ниже, чем акварель - Winsor & Newton Artisan). Для него не нужно никаких терпентинов или растворителей. Мечта художника - масло без диких химических запахов! Только лак для возможных корректур и финального закрепления работы всё же нужны. По словам производителя, эти краски имеют такой же блеск, как традиционные. Но на деле я уже от пары художников слышала, что они, краски этой серии, становятся чуть бледнее после высыхания. О холстах, Тинторетто, технике сухой кисти маслом по бумаге и прочих грунтах для рисования в следующий раз.

А ниже - просто "иллюстрация" для привлечения внимания. Промо одной из увлекательных передач о творческих людях канала Sky Arts. Я теперь фэн этого канала, да.

conjure.livejournal.com


Смотрите также