В помощь учителю рисования при подготовке к уроку (А. В. Щеглова, 2013). В помощь учителю рисования при подготовке к уроку


Анна Щеглова - В помощь учителю рисования при подготовке к уроку

Щеглова Анна Вячеславовна

В помощь учителю рисования при подготовке к уроку

Закончив обучение в детской школе искусств на художественном отделении, а затем и в индустриально-педагогическом техникуме, я начала работать преподавателем в той же художественной школе, которую некогда посещала сама. Естественно, что на первых порах мне пришлось столкнуться с проблемой нехватки материала для своих уроков и почти полного отсутствия новых методических пособий. Следовательно, чтобы подготовить интересный и в то же время познавательный урок, мне приходилось часами просиживать в библиотеках, посещать все ближайшие музеи и выставки.

С точно такой же проблемой сегодня приходится сталкиваться и многим другим преподавателям изобразительного искусства в школах, ведь похвастать большим опытом и знаниями способны немногие молодые преподаватели. Желая хоть как-то облегчить им задачу по поиску и подбору информации для своих уроков, я собрала наиболее интересный, на мой взгляд, материал и оформила его в виде пособия, в котором изложила собственный взгляд на методику проведения занятий. Надеюсь, что многим начинающим учителям, да и тем, кто посвятил школе большую часть своей жизни, эта книга поможет дать учащимся наиболее полную информацию о предмете и пробудить интерес к изобразительному искусству.

Щеглова А. В.

Раздел 1. Общие методические рекомендации при планировании занятий

Пояснительная записка

Художник-педагог может научить своего ученика только тому, чем он сам владеет, что знает, во что верит, чему предан. Отсутствие теоретических знаний и профессионального мастерства в педагогической работе недопустимо.

И. Е. Репин

Как не обидно это осознавать, но предмету «Изобразительное искусство» на протяжении последних нескольких лет отводилось самое последнее место в общеобразовательной системе обучения. Ведение «Изо» в школе, как правило, брали на себя те, кому просто-напросто не хватало часов, а потому о том, чтобы относиться к предмету с полной серьезностью, не было и речи. Рисование было лишь уроком развлечения и отдыха для школьников, да и для учителей тоже.

И только в последние годы школа осознала, что урок изобразительного искусства не просто времяпрепровождение, предназначенное для отвлечения и отдыха от более нужных и сложных предметов, а одна из составных частей эстетического воспитания школьников. Именно ему предназначено ознакомить учащихся с эстетической культурой восприятия прекрасного в жизни и в искусстве, дать знания об истории изобразительного искусства и выдающихся мастерах русского искусства, научить видеть прекрасное в окружающем мире.

Ведь если подумать, так о том, кто является в России лучшим мастером-маринистом или живописцем бытового жанра, вот так сразу способны ответить только единицы. И уж не имеет смысла говорить о том, что о художниках дети знают лишь то, что они что-то там рисовали, и хорошо, если они могут назвать по одному-два их произведения (что порой можно отнести и к самим преподавателям «Изо»). Между тем за рубежом истории развития и становления своего искусства и культуры отводится роль гораздо более важная, чем всем остальным точным предметами и наукам. Во многих странах давно поняли, что только через ознакомление детей с родной культурой и искусством можно привить им любовь к прекрасному и научить бережно относиться к достояниям своей культуры.

Вот в этом и состоит сегодня задача учителя изобразительного искусства: научить не только рисовать, это едва ли не самая последняя цель данного предмета, а научить видеть красоту окружающего мира, сформировать художественный вкус и дать возможность наслаждаться произведениями живописи настолько же, насколько все вокруг наслаждаются произведениями литературы и музыки. Донести художественное наследие до молодого поколения, обозначив ее как главную духовную летопись человечества, его путь к познанию правды и поиску истины, – вот наша главная задача и цель.

Очень правы те преподаватели «Изо», которые утверждают, что литература, музыка и изобразительное искусство самым тесным образом переплетены между собой и изучать их по отдельности не имеет смысла. Это действительно так, ведь все три предмета призваны открывать глаза на прекрасное, переносить в мир чистоты и гармонии. Смотреть произведения живописи без музыки – все равно что видеть ноты, но не слышать их звучания, читать произведения литературы и не представлять себе в воображении описанное. Словом, механистическое восприятие не принесет желаемого удовлетворения.

Музыка есть в душе каждого человека. А потому, едва приступив к просмотру картин, она сразу же, очень тихо, начинает звучать где-то в душе. То же самое можно сказать и о других предметах: воображение помогает оживить описанное в литературе, а картины мастеров живописи – перенестись в мир, созданный поэтом, вспомнить строки из полюбившихся стихов. Все здесь переплетено и взаимосвязано, но при этом во всех случаях перед преподавателями ставится одна-единственная задача: сформировать художественный вкус детей и развить их творческое воображение.

Именно с учетом этого требования и создано данное пособие. В нем учитель изобразительного искусства сможет найти для себя не только справочный материал о жизни и творчестве наиболее известных и признанных мастеров живописи, но и получит методическую помощь в подборе ряда музыкальных и литературных произведений, объединенных общим настроением, идеей и тематикой; сможет проследить связь всех трех предметов и влияние, оказываемое ими друг на друга. Правильно сочетав все это в уроке, умело подобрав его структуру и вариант проведения, преподаватель сможет достичь поставленных перед ним задач и целей.

Но вот найти в этом пособии пояснения о том, как изобразить тот или иной предмет, как научить видеть композиционный центр и соблюдать законы воздушной перспективы, преподавателю «Изо» не удастся, т. к. это совсем отдельный разговор, требующий гораздо большего времени. Практическими знаниями учитель «Изо» и без того должен владеть в полной мере, иначе задача передать все это ученикам и научить их правильно выражать свои замыслы живописными средствами ему будет не под силу.

В пособие же даны только советы по составлению содержательных уроков, на которых учитель не просто объясняет детям задание, и они приступают к его выполнению, не имея даже четкого представления о правильности изображения заданных предметов, а в первую очередь развивает эстетический вкус детей, их наблюдательность и воображение, показывает взаимодействие искусства с жизнью. А уже на основе этого подводит к заданию и приступает к практической части урока. Использование данного здесь материала поможет преподавателю разнообразить уроки, сделать их более интересными как для учеников, так и для самого себя.

1. Дидактические принципы обучения

К дидактическим принципам обучения изобразительного искусства относят следующее: научность, систематичность (последовательность), а также наглядность и прочность усвоения учебного материала. Только при соблюдении их всех можно без труда решить поставленные цели и задачи.

Принцип научности – один из наиболее важных принципов дидактического обучения изобразительному искусству. Он предусматривает изучение законов, правил и требований перспективы, светотени, цветоведения, композиции и истории искусства. При исключении из цепочки одной из тем знание материала не будет целостным.

Следующий принцип – систематичности – строится на том, что весь процесс обучения должен происходить последовательно, материал – быть логичным, подтверждаемым предыдущим и постепенно усложняющимся (в соответствии с возрастными особенностями учащихся). Он должен напоминать изучение азов русского языка и литературы: сначала знакомить с буквами, затем пробовать их соединять и только после этого переходить к чтению. Нельзя научить писать красками, не познакомив учащихся со светотенью и цветоведением, как и нельзя переходить к графике, не освоив рисунка.

Принцип наглядности говорит сам за себя: чтобы материал был воспринят надлежащим образом, он должен подтверждаться наглядным материалом, образцами, таблицами и этюдами. Данный принцип способствует повышению интереса учащихся к изучаемому предмету и теме. Без его соблюдения проведение уроков изобразительного искусства, особенно в младших классах, невозможно. Ребенок обязательно должен видеть то, о чем говорит учитель, будь то произведения определенного жанра, изучаемого на протяжении нескольких уроков, или же работы того или иного художника, с чьим творчеством он знакомится.

Последний принцип – прочность усвоения учебного материала – является как бы подведением итогов по пройденному и позволяет выявить пробелы в изучении, а при необходимости и восполнить их. Если тема усвоена некачественно, переходить к следующей нельзя, т. к. количество пробелов с каждым новым материалом будет только увеличиваться.

www.libfox.ru

Читать книгу «В помощь учителю рисования при подготовке к уроку» онлайн полностью — Анна Вячеславовна Щеглова — Страница 1 — MyBook

Закончив обучение в детской школе искусств на художественном отделении, а затем и в индустриально-педагогическом техникуме, я начала работать преподавателем в той же художественной школе, которую некогда посещала сама. Естественно, что на первых порах мне пришлось столкнуться с проблемой нехватки материала для своих уроков и почти полного отсутствия новых методических пособий. Следовательно, чтобы подготовить интересный и в то же время познавательный урок, мне приходилось часами просиживать в библиотеках, посещать все ближайшие музеи и выставки.

С точно такой же проблемой сегодня приходится сталкиваться и многим другим преподавателям изобразительного искусства в школах, ведь похвастать большим опытом и знаниями способны немногие молодые преподаватели. Желая хоть как-то облегчить им задачу по поиску и подбору информации для своих уроков, я собрала наиболее интересный, на мой взгляд, материал и оформила его в виде пособия, в котором изложила собственный взгляд на методику проведения занятий. Надеюсь, что многим начинающим учителям, да и тем, кто посвятил школе большую часть своей жизни, эта книга поможет дать учащимся наиболее полную информацию о предмете и пробудить интерес к изобразительному искусству.

Пояснительная записка

Художник-педагог может научить своего ученика только тому, чем он сам владеет, что знает, во что верит, чему предан. Отсутствие теоретических знаний и профессионального мастерства в педагогической работе недопустимо.

И. Е. Репин

Как не обидно это осознавать, но предмету «Изобразительное искусство» на протяжении последних нескольких лет отводилось самое последнее место в общеобразовательной системе обучения. Ведение «Изо» в школе, как правило, брали на себя те, кому просто-напросто не хватало часов, а потому о том, чтобы относиться к предмету с полной серьезностью, не было и речи. Рисование было лишь уроком развлечения и отдыха для школьников, да и для учителей тоже.

И только в последние годы школа осознала, что урок изобразительного искусства не просто времяпрепровождение, предназначенное для отвлечения и отдыха от более нужных и сложных предметов, а одна из составных частей эстетического воспитания школьников. Именно ему предназначено ознакомить учащихся с эстетической культурой восприятия прекрасного в жизни и в искусстве, дать знания об истории изобразительного искусства и выдающихся мастерах русского искусства, научить видеть прекрасное в окружающем мире.

Ведь если подумать, так о том, кто является в России лучшим мастером-маринистом или живописцем бытового жанра, вот так сразу способны ответить только единицы. И уж не имеет смысла говорить о том, что о художниках дети знают лишь то, что они что-то там рисовали, и хорошо, если они могут назвать по одному-два их произведения (что порой можно отнести и к самим преподавателям «Изо»). Между тем за рубежом истории развития и становления своего искусства и культуры отводится роль гораздо более важная, чем всем остальным точным предметами и наукам. Во многих странах давно поняли, что только через ознакомление детей с родной культурой и искусством можно привить им любовь к прекрасному и научить бережно относиться к достояниям своей культуры.

Вот в этом и состоит сегодня задача учителя изобразительного искусства: научить не только рисовать, это едва ли не самая последняя цель данного предмета, а научить видеть красоту окружающего мира, сформировать художественный вкус и дать возможность наслаждаться произведениями живописи настолько же, насколько все вокруг наслаждаются произведениями литературы и музыки. Донести художественное наследие до молодого поколения, обозначив ее как главную духовную летопись человечества, его путь к познанию правды и поиску истины, – вот наша главная задача и цель.

Очень правы те преподаватели «Изо», которые утверждают, что литература, музыка и изобразительное искусство самым тесным образом переплетены между собой и изучать их по отдельности не имеет смысла. Это действительно так, ведь все три предмета призваны открывать глаза на прекрасное, переносить в мир чистоты и гармонии. Смотреть произведения живописи без музыки – все равно что видеть ноты, но не слышать их звучания, читать произведения литературы и не представлять себе в воображении описанное. Словом, механистическое восприятие не принесет желаемого удовлетворения.

Музыка есть в душе каждого человека. А потому, едва приступив к просмотру картин, она сразу же, очень тихо, начинает звучать где-то в душе. То же самое можно сказать и о других предметах: воображение помогает оживить описанное в литературе, а картины мастеров живописи – перенестись в мир, созданный поэтом, вспомнить строки из полюбившихся стихов. Все здесь переплетено и взаимосвязано, но при этом во всех случаях перед преподавателями ставится одна-единственная задача: сформировать художественный вкус детей и развить их творческое воображение.

Именно с учетом этого требования и создано данное пособие. В нем учитель изобразительного искусства сможет найти для себя не только справочный материал о жизни и творчестве наиболее известных и признанных мастеров живописи, но и получит методическую помощь в подборе ряда музыкальных и литературных произведений, объединенных общим настроением, идеей и тематикой; сможет проследить связь всех трех предметов и влияние, оказываемое ими друг на друга. Правильно сочетав все это в уроке, умело подобрав его структуру и вариант проведения, преподаватель сможет достичь поставленных перед ним задач и целей.

Но вот найти в этом пособии пояснения о том, как изобразить тот или иной предмет, как научить видеть композиционный центр и соблюдать законы воздушной перспективы, преподавателю «Изо» не удастся, т. к. это совсем отдельный разговор, требующий гораздо большего времени. Практическими знаниями учитель «Изо» и без того должен владеть в полной мере, иначе задача передать все это ученикам и научить их правильно выражать свои замыслы живописными средствами ему будет не под силу.

В пособие же даны только советы по составлению содержательных уроков, на которых учитель не просто объясняет детям задание, и они приступают к его выполнению, не имея даже четкого представления о правильности изображения заданных предметов, а в первую очередь развивает эстетический вкус детей, их наблюдательность и воображение, показывает взаимодействие искусства с жизнью. А уже на основе этого подводит к заданию и приступает к практической части урока. Использование данного здесь материала поможет преподавателю разнообразить уроки, сделать их более интересными как для учеников, так и для самого себя.

mybook.ru

В помощь учителю рисования при подготовке к уроку (А. В. Щеглова, 2013)

Цвет – материал живописи: цвета в своем уединении плачут и смеются, мечтают о счастье, о любви, они поют волшебные хоралы, они оживают и умирают.

Эмиль Нольде

Уже давно люди стали ассоциировать цвета с различными состояниями природы (весна – зеленые, осень – желтые), настроением, состоянием души (горечь и печаль – черные, радость – нежно-голубые и розовые). То, что цвет оказывает разностороннее влияние, ни у кого не вызывает сомнений. Каждый знает, что если долго любоваться желтым цветом, то в душе зарождается беспокойство, зеленый же, напротив, успокаивает и расслабляет, красный будоражит кровь и возбуждает. Не только любой цвет, но и его оттенок несет определенную смысловую нагрузку.

Если опросить какое-то число людей, задавая им вопрос, какой цвет был самым известным более длительное время, чем другие, то все их ответы будут приблизительно одинаковыми: золотой – как цвет роскоши и богатства, красный – как цвет славы и силы, черный – как неоспоримая классика и постоянна тайна. На самом же деле таким цветом является голубой. Именно он привлекает к себе взоры мечтателей, любующихся небесным простором, очаровывает художников своими возможностями. Под действием связанных с ним ассоциаций в России появляются целые организации любителей искусства. Их названия говорят сами за себя: «Голубая роза» (художественное объединение), «Синий всадник» (группа любителей холодных оттенков). Да и само творчество во времена Пикассо очень сильно поддается влиянию охватившего художников «голубого периода».

Стремление сравнивать и сопоставлять все с цветом появилось очень рано. При этом каждая эпоха толковала символику цвета по-своему. Так, в древности красный цвет символизировал кровь. Возможно, именно поэтому у многих народов было принято покрывать умерших красной тканью или посыпать краской. Он же олицетворял одну из сторон света, а именно – запад. А у некоторых народов его даже сравнивали с женщиной. Чуть позднее к этим ассоциациям присоединились еще и страсть, слава и сила.

Белый относили к цветам божественным и чистым. В одежду этого цвета всегда облачали невест, тем самым подчеркивая их невинность и чистоту. Тем же, кто до брака имел плотские связи, венчаться в белом запрещалось. Белый в современном искусстве – это центр внимания и концентрация на главном.

Голубой считали цветом неба и водной стихии, мечты и одновременно холода. Этот цвет был единственным, который удостаивался звания «божественного». Объяснить это можно тем, что вода являлась символом крещения, отсюда и такое восприятие данного цвета. Как и голубой, многие другие цвета тоже имели свое объяснение, основанное на божественном к ним отношении. Так, зеленый стал символом надежды, фиолетовый – душевного страдания и раскаяния, коричневый указывал на отрешение от мира, серый характеризовался как смирение, желтый был цветом предательства и измены, черный же закрепил за собой звание цвета смерти и тьмы. А вот цветом рая стала комбинация золотого, зеленого и красного.

На основе этого довольно легко понять, что именно пытались подчеркнуть на своих иконах древние иконописцы, на чем концентрировали внимание зрителя, на какое отношение их настраивали. Все, что имело отношение к крови, они окрашивали в красный. Красный фон на иконах расценивался как кровь Христа, красными были и сосуды со священной водой. Желтым окрашивали одеяния предателей (изображения Иуды). Но понимание цвета у каждого художника различное, а потому очень большой была вероятность возникновения серьезных разногласий в написании одного и того же святого, а этого церковь допустить никак не могла.

Желая хоть как-то упорядочить распределение цветов при изображении образов святых, папа Иннокентий III ввел единую цветовую символику для иконописи, составленную на основе взаимосвязи цветов с Богом. В соответствии с канонами, белым рисовали все, что имело отношение к рождению и вознесению, красным писали предметы, окропленные кровью (распятия, мучеников). Зеленый цвет стал символизировать праздники, синий – близость к Богу, возвышенность, черный так и остался цветом тьмы, горечи и скорби. Опорными же цветами иконописи стали красный, синий и зеленый. Именно они составляют основную цветовую гамму Святой Троицы.

Система написания икон стала настолько упорядоченной, что, еще не приступив к работе, художник уже знал, что и в какой последовательности следует делать. Сначала он деревянную заготовку покрывал левкасом, иначе говоря, меловым грунтом, по поверхности которого и велась вся остальная работа. Готовое произведение художник-иконописец сверху покрывал ровным слоем олифы или иной масляной смеси, которая, к сожалению, быстро темнела и приводила иконы к порче. Естественно, что от таких ненужных икон следовало как-то избавляться. Лучшим вариантом для уничтожения святых предметов древние люди посчитали сплав их по реке ликом вверх. Они полагали, что икону по пути непременно подбирает Бог и помещает в свои хоромы, вернув ей былой вид. Чуть позднее христиане стали сжигать иконы по окончании молебна на перекрестке или же использовали их для создания новых, нанося прямо на старый рисунок что-то иное.

Для икон церковь определяла не только цвета, но и правила самого их изображения, ведь иконные образы считали первообразами, т. е. не просто придуманными человеком, а заданными свыше. Церковники установили нормы написания каждого святого: как он должен быть изображен, в какой позе, что держать в руках, каким должен быть его взгляд. Эти нормы назывались канонами (строгими правилами). В связи с возникновением этого значения образовались и его составляющие: брацы и прориси. И те, и другие схожи по значению и представляли собой контурные рисунки на кальке, которую накладывали на заготовку и переводили. Иначе говоря, художники попадали в полную зависимость от строгих рамок и не имели возможности отклониться от правил.

Многие, если не сказать все, иконы дошли до нас написанными на одном и том же материале – дереве, чаще всего липовых или сосновых пород. Почему древние художники предпочли именно его, а не бумагу, понять просто. Во-первых, изображения, написанные на бумаге, очень быстро портились, выцветали на солнце и были неудобны для постоянного использования. Во-вторых, дерево на Руси всегда считалось самым дешевым материалом, чего нельзя сказать о бумаге, производство которой в большом количестве началось очень поздно и было неспособно обеспечить нужды всей страны. Деревьев же было хоть отбавляй, да и хлопот они требовали не особенно много.

Вносить что-то свое в изображение древние художники не имели права, а потому старательно срисовывали уже существующие образы святых с икон, написанных ранее. Вот и выходило, что все иконы получались очень похожими, порой даже совершенно идентичными не только по цветовым комбинациям, но и по образу изображенного на них святого.

Церковь же вела тщательный надзор за иконописцами, а найдя расхождения в написании божественных ликов, могла жестоко расправиться с ослушником. Ни о каком дальнейшем развитии живописи в этот период ограничений и строгих рамок просто не могло быть и речи.

Проведение беседы с учащимися

Чтобы проверить и закрепить данный материал, во время беседы с учащимися следует задавать им наводящие вопросы, в процессе решения которых они могли бы еще ярче осознать значение цвета в жизни и творчестве человека. Задаваемые им вопросы могут быть различными. Чуть ниже приводятся несколько их вариантов.

1. Цвет сегодня ассоциируют буквально со всем: с темпераментом, с состоянием души, со сторонами света. А с какими цветами, на ваш взгляд, ассоциируются образы мужчины и женщины? Обоснуйте свой ответ.

Выслушав ответы детей и обсудив их, можно поведать о том, что некоторые страны пошли несколько иным путем, и их символика цвета относительно пола человека значительно отличалась и отличается от распространенной. Так, в Древней Греции цветом мужчин считают синий, а потому часто подкрашивают им бороды и статуи. В Египте таким цветом является темно-коричневый, в то время как образы изображаемых женщин окрашивают гораздо более светлыми тонами.

2. Некоторое время назад цвет был ассоциирован с четырьмя сторонами света. В результате золото стало характеризовать север, такой же холодный, как и оно само, серебро – восток, сияющий и искрящийся поутру или на вечерней зорьке, словно серебро. Цветом юга стала лазурь, а запада, куда чаще всего уходит солнце, красный. Согласны ли вы с этим распределением? Какие бы цвета вы сами соотнесли с данными сторонами света и почему?

3. Для детей, уже имеющих знакомство с цветом, вопросы можно усложнить. Например, попросите их выбрать цвет, соответствующий каждому из четырех типов темперамента. Обсудите эти утверждения, а только затем ознакомьте их с установленной символикой. (Красный цвет характеризует сангвиника, желтый – холерика, белый – флегматика, а черный – меланхолика).

4. Как вам известно, традиции написания икон были тщательно отточены и выверены. Назовите мне несколько основных правил, отражение которых можно найти во многих иконах?

5. Опишите последовательность создания иконы.

«Троица» А. Рублева (ок. 1360 – ок. 1430)

Рисовать – значит видеть пропорции.

Н. Н. Ге

Вряд ли можно встретить человека, который не знал бы и ни разу не видел произведения Андрея Рублева «Троица». Эта икона знакома всем с детства. Изображенные на ней три образа как бы говорят нам о дружбе, любви и согласии, дают веру в лучшее и возвращают в старину.

О создателе «Троицы» известно очень мало, т. к. он жил шесть столетий назад, во времена частых монголо-татарских набегов. Ученые-библиографы выдвигают различные версии о его жизни. Одни утверждают, что Рублев – это не настоящая фамилия художника, а всего лишь его прозвище, данное по месту рождения, деревни Рублево близ Москвы-реки. Другие считают, что художник начал свой путь как иконописец в городе Старице Тверской губернии и почти до 40 лет проработал в мастерской великокняжеского двора, где его работа заключалась в написании икон и внутреннего интерьера церквей. Третьи уверены, что свои юные годы Рублев коротал в Троице-Сергиевой лавре. Когда же достиг совершеннолетия, постригся в монахи. К концу жизни ему удалось продвинуться по этой линии и стать иноком Андроникова монастыря.

Кто прав в своей версии, определить сложно, уж слишком мало упоминаний о художнике дошло до наших дней. В любом случае, совершенно ясно, что всю свою жизнь Рублев занимался написанием икон, украшал стены храмов и церквей (Успенский собор во Владимире, Троице-Сергиеву лавру, Благовещенский собор Московского кремля). На его счету роспись самых известных храмов Московской Руси.

Не вызывает сомнений также и его дружба с такими художниками, как Феофан Грек, Прохор и Даниил Горные, очень известными в свое время иконописцами. Черты их творчества, под влиянием которого развивался Рублев, заметны во многих его произведениях. Вместе с двумя из этих учителей (Феофаном и Прохором) Андрей создавал украшение интерьера Благовещенского собора Московского кремля, где их труды были большей частью уничтожены во время пожара.

Рублев мечтал сделать жизнь людей счастливее, а потому во всех его работах чувствуется душевная теплота, надежда на светлое будущее. Его «учителями» были иконы старых мастеров, которые он часами рассматривал, стараясь прочувствовать их, понять мечты и надежды, запечатленные художниками. Но уже тогда Рублев начал понимать, что живопись требует развития и что скоро художники смогут писать лица людей гораздо свободнее и совершенно иначе, чем в его времена. Самому же ему мирские сюжеты пока еще не были свойственны, хотя начинало уже прослеживаться соприкосновение с реальностью, выражавшееся в первую очередь в том, что художник делил в иконах добро и зло и подчеркивал это при помощи цветовой гаммы.

Зрительный ряд

Знакомя учащихся с жизнью и творчеством иконописца Андрея Рублева, необходимо продемонстрировать им различные работы, позволяющие понять, что «Троица» – это не единственное произведение художника, заслуживающее внимания. Дети должны запомнить, что такие иконы, как «Пророк Даниил» (фреска собора Успения), «Благовещение», «Вознесение», «Преображение», «Страшный суд» (фреска собора Успения во Владимире), «Апостол Павел», – это тоже произведения рук замечательного иконописца Андрея Рублева.

Литературный ряд

В знакомстве учащихся с иконами и их историей поможет детская Библия, в которой школьники сами или при помощи преподавателя смогут найти рассказы о некоторых святых. Этот же материал ответит и на многие возникающие у детей в процессе урока вопросы (Кем был данный святой при жизни? За какие заслуги он причислен к лику святых? и т. д.).

Музыкальный ряд

Изучение иконописи просто немыслимо без церковных песнопений, которые помогают гораздо острее почувствовать атмосферу возвышенной духовности, веры в Бога и преклонения перед всем прекрасным.

Применение материала

История иконописи, манера письма художников Древней Руси является сегодня одной из главных тем на уроках изобразительного искусства, позволяющих понять истоки живописного искусства и намного ближе познакомиться с символикой цвета. В связи с этим справочный материал по данной теме может быть использован как после знакомства учащихся с основными цветами, так и в качестве итогового урока по ряду тем, знакомящих с цветом как средством выражения и способом передачи различных состояний природы и души.

Проведение беседы с учащимися

Рассматривая иконы, созданные Андреем Рублевым, не следует сводить всю беседу к самой известной его работе – «Троице». Ее дети знают и без того с малых лет, а потому гораздо продуктивнее поговорить об иных его работах, манере их написания, сходных и отличительных чертах. Дети должны обратить внимание на то, какие требования и каноны повторяются во всех работах (цвет, поворот головы и т. д.), что отличает иконы, написанные иными художниками, от работ Рублева.

Строгановы и их вклад в иконопись и коллекционирование

Многие любители искусства и просто сторонние обыватели считают, что первым коллекционером картин и основателем галерей в России был П. М. Третьяков. На самом же деле коллекционирование произведений живописи началось гораздо раньше. Первые его корни можно встретить еще в 1584 г., когда по желанию Аника Федоровича Строганова (1497–1570) был возведен Благовещенский собор. Именно для его украшения потребовалось собирательство со всей страны работ мастеров иконописи и фрески.

Желание же Аника было немаленьким – храм намеревалось сделать в два раза лучше, чем покои самого московского царя. Этому делу Строганов отдался полностью. Он не только приглашал к себе лучших мастеров, делал заказы царским художникам, тратил на создание картин массу денег (это подтверждает наличие на иконах большого количества золота, серебра и камней), но и построил возле своего дома специальные мастерские, для того чтобы творчеству иконописцев ничто не мешало.

Оформление этого собора длилось очень долгое время. Но это и понятно, ведь чтобы запечатлеть эпизоды из очень редких библейских сказаний, необходимо было их хорошо изучить, чем и занимались сами Строгановы. Представители их рода обладали не только великолепным художественным вкусом, но и просто огромными знаниями в области богословской литературы. Потому все иконы храма индивидуальны, и это при том, что существовали строгие каноны иконописи, эти произведения богаты по содержанию и хранят в себе все древние традиции живописи.

Оформляя собор Богоматери, Строгановы многие работы доверяли своим собственным иконописцам. В их число обычно входили принадлежащие семье крестьяне – Истома и Назарий Савины, Богдан Соболев, Истома Лазарев, Прокопий Чирин и другие. Эти мастера в совершенстве владели манерой строгановского письма, особенность которого заключалась в его миниатюрности.

Первым же человеком, по-настоящему увлеченным коллекционированием, стал Сергей Григорьевич Строганов, известный граф и государственный деятель. Его увлечение не являлось чем-то случайным и нужным лишь для того, чтобы развеяться и развлечь себя. Григорий Строганов испытывал глубокую любовь к живописи. В 1825 г. им была даже основана «Школа рисования в отношении к искусствам и ремеслам», позднее ставшая Строгановским училищем, в котором готовили художников декоративно-прикладного искусства.

О происхождении такой известной фамилии, как Строгановы, давно уже существует много мнений. Одни считают, что их предками были знатные мурзы Спиридоны, плененные, а затем и застроганные татарами. Оставшегося же в живых после этих событий мальчика окружающие прозвали Строгановым. Иные утверждают, что Строгановы – это крестьяне, открывшие месторождение соли у речки Вычегды. За это они были приближены к царскому двору и с тех пор стали одними из главных советников самого государя. Так и продолжая свою солевую торговлю, Строгановы быстро разбогатели. Известен даже случай, когда на выкуп у татар московского князя Василия Темного сумели собрать нужную сумму только Строгановы.

Зрительный ряд

Во время урока могут быть использованы следующие иконы Строгановской школы: «Страшный суд» (конец XVI в.), «Воскресение Христово» (XVI в.), «Никита-воин», а также многие другие работы.

Литературный ряд

При знакомстве с искусством иконной миниатюры на основе Строгановской школы живописи можно использовать произведения различных поэтов, пишущих об иконах, фресках и древних художниках. Очень хорошо вписываются в данную тему стихотворения «Ожившая фреска», написанное Б. Пастернаком, и «Всадник» В. Рождественского. Последнее приводится ниже:

Темнолицый и огневолосый,

Весь в лучах уходящего дня,

Порываясь сквозь сумрак белесый,

Над обрывом он вздыбил коня.

И глаза его в сумрачном блеске,

Разгораясь, как темный алмаз,

С полустертой столетьями фрески

Неотступно летели на нас…

Живописца в монашеской келье,

Видно, мучили страшные сны,

Если он не ушел от похмелья

Забродившей в душе старины.

И, должно быть, каноны святые

Нарушая, он вспомнил о том,

Как рубился с ордою Батыя

На таком же коне боевом…

И возник перед ним, как виденье,

Этот всадник на голой стене,

Уносящийся вихрем в сраженье

Со стрелою, застрявшей в броне.

Он схватил свои кисти в восторге,

Чтоб навеки тот миг удержать,

Словно некогда сам, как Георгий,

Вел на недругов русскую рать…

В полумраке пустого собора,

Про еду забывая и сон,

Он писал то, что встало для взора

Из клубящейся дали времен.

Он писал – не для тьмы и покоя,

Не для нимбов и ангельских крыл, —

Он в отважное сердце героя

Неуемную страсть перелил.

Музыкальный ряд

Учитывая то, что изучение икон Строгановской школы обычно следует за несколькими другими темами, имеющими отношение к иконописи, подбор музыки для данного урока можно возложить на учащихся.

Прослушав на предыдущих уроках различные церковные мелодии и напевы, колокольные перезвоны, дети легко смогут сориентироваться и найти такое произведение, которое объединит иконы разных мастеров иконописи воедино.

Применение материала

Строгановскую манеру письма, образно, можно воспринимать как задатки миниатюры в русском искусстве. В связи с этим вышеизложенный материал может использоваться не только как продолжение темы иконописного письма, но и как предшествующий изучению миниатюры.

Проведение беседы с учащимися

Построение беседы по иконописи лучше всего строить не по принципу вопрос-ответ, а немного иначе. Наверняка у каждого учащегося дома имеется несколько икон, именно на них и следует опираться при закреплении материала. Попросите учащихся принести на урок иконки или зарисовки с них, а затем, в виде соревнования, попросите в нескольких словах охарактеризовать данные работы. Пусть они расскажут, какие цвета использовал при их написании художник и что при их помощи он хотел подчеркнуть? Есть ли у этих икон сходство с иконами, созданными строгановскими мастерами? Благодаря такому наполнению урока класс не просто перескажет ранее услышанное, но и сам переосмыслит новые для него сведения.

В виде домашнего задания к уроку может служить и сбор материала об истории выбранной детьми ранее иконы, ответов на вопрос о том, что за святой или святая изображен(а) на иконе и за какие заслуги данный человек был возведен в этот ранг.

kartaslov.ru

В помощь учителю рисования при подготовке к уроку (А. В. Щеглова, 2013)

1. Декоратор императорских театров И. И. Фирсов (ок. 1733 – после 1785)

Надо рисовать беспрестанно, рисовать глазами, когда нет возможности рисовать карандашом…

Энгр

Биография художника

Иван Иванович Фирсов знаком нам по одному-единственному произведению «Юный живописец», которое, впрочем, и подарило русской живописи это имя. Более ни единой работы художника до сих пор не обнаружено, да и в самой его биографии все еще остается очень много пробелов. Известно лишь, что художник родился в семье московского купца примерно в 1733 г. Когда юноша повзрослел, он был принят на работу в Канцелярию живописцем-декоратором. Некоторое время спустя Фирсов переводится в дирекцию Императорских театров и приступает к оформлению церковных и царских палат, написанию театральных декораций. В конце 1750 г. Фирсов становится придворным художником. В его обязанности входит написание икон, театральных декораций и панно теперь уже только для петербургских театров. Через некоторое время его направляют в Париж для обучения мастерству живописи. Вернувшись оттуда, Фирсов становится подмастерьем и приступает к работе над оформлением Императорских театров. Умирает художник в полной безвестности и нищете. Никаких сведений о семье и детях история для нас не сохранила.

История создания произведений

Фирсов первым из русских художников обращается к жанру бытовой живописи и начинает писать образы обыкновенных людей, что было совершенно не принято делать.

Самая известная его картина «Юный живописец» долгое время считалась написанной А. Лосенко. Именно его фамилия стояла в углу произведения. Искусствоведы и ученые не сразу обратили внимание на несоответствие дат и различие в технике письма, а обнаружив это, сделали попытку стереть верхнюю надпись. И каково же было всеобщее удивление, когда под подписью «Лосенко» они увидели другую, гласящую на латинском: «И. Фирсов». Именно его перу и принадлежит эта мастерски написанная картина.

Возникает вопрос: каким же образом на картине появилась подпись А. Лосенко? Ученые на это выдвинули версию, что, желая продать подороже работу мало кому известного на начальном этапе творчества автора, ее хозяин решил прибегнуть к обману и, закрасив подпись автора, нанес на нее иную, более известную.

Зрительный ряд

Какие картины были созданы художником на протяжении жизни, истории неизвестно, но вот работа «Юный живописец» знакома всем с детства. На ее основе и следует знакомить детей с творчеством И. И. Фирсова.

Литературный ряд

К картине «Юный живописец» просто сами собой напрашиваются стихи о живописи, о работе художников, материалах (красках, кистях) и т. д. Здесь могут быть использованы стихотворение «Если видишь на картине», загадки о материалах художника и о нем самом.

Музыкальный ряд

Картина «Юный живописец» лучше всего будет воспринята, если ее просмотр осуществить под тихую, мелодичную народную музыку или песни.

Применение материала

Без использования справочного материала о жизни и творчестве И. И. Фирсова очень сложно представить переход к изучению бытового жанра живописи. Поэтому такие темы, как «Бытовой жанр в живописи», «Реальность и ее отражение в искусстве», следует начинать именно с ознакомления с данным материалом.

Проведение беседы с учащимися

Поскольку никаких работ, написанных Фирсовым, кроме «Юного живописца», неизвестно, беседу, естественно, придется строить по этой картине. Задаваемые же детям вопросы могут быть такими:

1. Что запечатлел на своей картине художник? Какова главная мысль данного произведения?

2. Почему возле модели юного художника стоит мать? (Девочка устала позировать, и мать ласково уговаривает ее потерпеть еще немного.)

3. Почему на картине присутствует гораздо больше теплых и нежных тонов, нежели холодных? Что хотел этим показать художник? (Подчеркнуть возраст детей и их восприятие мира в розовом свете можно только такими тонами и цветами.)

4. Опишите интерьер вокруг юного живописца. Что в нем выделено особенно, а что погружено в тень? Для чего это требовалось?

5. Какое настроение навевает на зрителя картина? Что вы добавили бы в нее или, наоборот, убрали и почему?

2. Портреты Ф. С. Рокотова (1735–1808)

Биография художника

Федор Степанович Рокотов родился в семье крепостного крестьянина, принадлежащего некогда князю И. Репнину. О жизни самого художника известно очень мало. Нет сведений о том, у кого учился Федор Рокотов, очень мало известно и о его дальнейшей судьбе. По данным, дошедшим до нас, можно сказать только следующее: в 1762 г. Федор получает звание адъюнкта, а через 3 года – звание академика. В этом же году переезжает жить в Москву, где большей частью выполняет заказы царского двора, в том числе и самой Екатерины Второй, чей портрет художнику было позволено написать. Такой чести удостаивались немногие. Кроме работы при дворе, много писал для себя, пытаясь выразить свое, индивидуальное восприятие мира.

Слово «художник» известно всем и каждому, только вот о его изначальном значении практически никто не имеет ни малейшего представления. Оказывается, «художник» в переводе со старославянского означает «искусный» («худог»). И это действительно так, ведь только по-настоящему близким к искусству людям дано тонко чувствовать и видеть красоту простых вещей, творить прекрасное и тем самым украшать жизнь.

История создания произведений

Во время жизни Ф. С. Рокотова задачей художников-портретистов уже не является написание человеческого образа по-настоящему живым и реальным, эту проблему к данному времени уже удалось решить. Теперь образ жизни индивида диктует свои собственные правила, а именно: представление людей о важности той или иной личности и ее заслугах выражается через одежду. Именно ей и начинает отводиться особая роль при написании портретов. Ведь по тому, во что облачен человек, сразу можно понять, князь перед тобой или простой крестьянин, царь или его холоп. Это приводит к тому, что художники начинают тщательно выписывать медали, типы тканей и гораздо меньшее значение придают передаче характера человека через его лицо.

И только Ф. С. Рокотов не принял этого правила. Он ставил перед собой более глубокую задачу – передать через лицо человека его духовный мир. Глядя на его работы, трудно сказать, о чем думает его модель, что у нее творится на душе в сию минуту, – к этому художник не стремился. Напротив, он делал попытки запечатлеть всю сложность человеческой натуры, ее разносторонность, умение быть как грустным, так и веселым, как добрым, так и злым. Вот и выходило, что все изображенные им люди для окружающих представлялись загадкой, полной тайн и не раскрытых художником черт характера.

Работая над портретом великой императрицы Екатерины Второй, художник также не подчинился правилам, отобразив лицо государыни в профиль. Постепенно взгляд Рокотова на портретную живопись значительным образом меняется. Его привлекает душа, а не внешняя оболочка. С этого момента Рокотов выдвигает на передний план написание лица, глаз, поворота головы и все более небрежно относится к одежде. Но обнаружить, что художник почти малевал двумя мазками одеяния своих моделей и в подробностях прописывал их лица, очень сложно, т. к. многолетние навыки давали о себе знать, и любой мазок художника сразу превращался в легкое кружево или нежный шелк.

Еще одной особенностью позднего периода творчества Рокотова являлось то, что он наносил краску на холст прозрачными слоями, добиваясь т. о. ее свечения и невероятных цветовых комбинаций. В связи с этим все в картинах строилось на оттенках и полутонах, а потому каждый новый портрет Рокотов писал в каком-то определенном эмоциональном и колористическом ключе. Так, портрет «Неизвестной в розовом платье» написан им в розовых тонах, «Портрет Струйской» изобилует серебристо-пепельными оттенками, в «Портрете Обрезковой» преобладают золотистые и охристые тона, а «Неизвестный в треуголке» выполнен в богатой гамме черного цвета.

Зрительный ряд

Лучше всего характеризуют творчество художника такие его произведения, как «Портрет Струйской», «Неизвестная в розовом платье», «Неизвестный в треуголке», «Портрет В. Е. Новосильцевой», «Погрудный портрет поэта В. И. Майкова», «Портрет Ланской». Именно репродукции этих картин лучше всего использовать при изучении портретного жанра на основе работ Ф. С. Рокотова.

Литературный ряд

Знакомство с портретной живописью художника можно сопроводить прочтением отрывка из стихотворения «Если видишь на картине». Кроме того, при рассмотрении «Портрета Струйской» желательно зачитать стихотворение Николая Заболоцкого, посвященное этой самой картине: «Любите живопись, поэты!»:

Любите живопись, поэты!

Лишь ей единственной дано

Души изменчивой приметы

Переносить на полотно…

Ты помнишь, как из тьмы былого,

Едва закутана в атлас,

С портрета Рокотова снова

Смотрела Струйская

Ее глаза – как два тумана,

Полуулыбка, полу плач,

Ее глаза, как два обмана,

Покрытых мглою неудач.

Соединенье двух загадок,

Полувосторг, полуиспуг,

Безумной нежности припадок,

Предвосхищенье смертных мук.

Когда потемки наступают

И приближается гроза,

Со дна души моей мерцают

Ее прекрасные глаза.

А просмотр портрета поэта В. И. Майкова сопроводите отрывком из его произведений, например из поэмы «Раздраженный Вакх» или стихотворения «Елисей».

К женским портретам, написанным с такой любовью и нежностью, подойдет и отрывок из всем известного стихотворения А. С. Пушкина:

Я помню чудное мгновенье:

Передо мной явилась ты,

Как мимолетное виденье,

Как гений чистой красоты.

Музыкальный ряд

Ф. С. Рокотова иногда называют певцом человеческой души, а не его заслуг. А потому при изучении его творчества на уроках необходимо подбирать в виде звукового фона такие музыкальные композиции, которые четко передавали бы черты характеров людей и помогали детям осознать, что не только живописные, но и музыкальные краски способны точно передать особенности человеческой личности. Одним из таких произведений является работа Д. Кабалевского «Три подружки» («Резвушка», «Плакса», «Злючка»). Кроме того, женские портреты лучше всего рассматривать под звуки лирической музыки – такой же нежной, воздушной и легкой, как и те, кто изображен Рокотовым.

Конец ознакомительного фрагмента.

kartaslov.ru

Читать книгу В помощь учителю рисования при подготовке к уроку Анны Вячеславовны Щегловой : онлайн чтение

Текущая страница: 3 (всего у книги 20 страниц) [доступный отрывок для чтения: 14 страниц]

4-й стенд: «Родителям об изобразительном искусстве»

Этот стенд предназначен для родителей. Его задача – познакомить пап и мам с изобразительным искусством, обратить их внимание на взаимосвязь предмета с другими видами искусства. На стенде должны присутствовать материалы о том, какую литературу родителям и их детям стоит использовать, чтобы поближе познакомиться с творчеством любого художника, на чем заострить внимание ребенка при изображении им природы или человека.

5-й стенд: «Живопись нашего города»

Этот стенд представляет собой материал о художниках и мастерах декоративного искусства – выходцах из данного населенного пункта. В каждом, даже самом маленьком селе непременно имеются если не настоящие мастера живописи, то хотя бы любители искусства, художники-самоучки и ремесленники.

Чтобы собрать о них материал и оформить его в виде краеведческого стенда, можно устроить вместе с детьми поход к этим художникам, провести с ними беседу в классе и познакомить детей с их работами. Благодаря этому учащиеся смогут понять, что великие мастера – это не только в прошлом студенты Академии художеств, но и простые любители искусства, живущие среди нас, о которых хоть и очень мало известно, но это тем не менее не означает, что они не заслуживают признания. Вполне возможно, что именно работы этих людей через несколько десятков лет будут вспоминать потомки.

На данном стенде могут быть расположены фотографии художников вашей местности, их первые рисунки, картины, заметки из газет и даже сочинения учащихся, рассказывающие о впечатлениях, полученных в результате беседы и знакомства с творчеством художников родного края.

6-й стенд: «Природа – художник»

Данный стенд, в отличие от остальных, не просто напомнит о видах и жанрах живописи и биографических данных художников, а скорее станет ознакомительным и познавательным. Причем познавать дети будут сами, а стенд расскажет об их выводах и наблюдениях.

Иными словами, подбирать материал для данного стенда следует не учителю, а учащимся, которым необходимо пояснить, что для оформления в классе уголка на тему «Природа – художник» им следует быть очень наблюдательными и внимательными, примечать самое неприметное для глаза, собирать красочные и оригинальные по рисунку листья деревьев, необычайно, художественно изогнутые веточки, фотографии различных состояний природы, делать ее зарисовки и т. д. Когда же достаточное количество материала будет в наличии, совместно с классом преподаватель может спланировать расположение предметов на стенде и оформить его.

7-й стенд: «Декоративно-прикладное искусство в жизни человека»

Сама по себе тема очень обширна, а потому требует отдельного внимания. На этом стенде могут располагаться не только фотографии изделий мастеров Жостова, Гжели, Городца, но и современные изделия: деревянные игрушки, восковые и тряпичные куклы, металлические кованые изделия и т. д. Данный материал можно расположить на стенде в хронологическом порядке: сначала деревянные поделки, а затем постепенное их преображение до современной интерпретации.

5. Определение уровня усвоения материала учащимися

В конце каждой четверти желательно выявлять самых знающих учащихся и организовывать их награждение, чтобы тем самым стимулировать остальных детей на дальнейшее изучение материала. При этом следует проводить все так, чтобы сами учащиеся заинтересовались оценкой собственного уровня знаний.

Всего, образно, можно выделить три уровня: хорошее знание материала, средний уровень знания и недостаточный. Хороший уровень подразумевает быстрый ответ на заданные учителем вопросы, без наводящих вопросов осуществляемый анализ произведения, умение доказывать правоту своего утверждения, а также определять основную цветовую гамму, композиционный центр, настроение и тему произведений. Средний уровень отличается от предыдущего тем, что учащийся не может доказать свою точку зрения или затрудняется в подборе образных сравнений. И, наконец, недостаточное знание материала характеризуется неумением учащегося осуществлять характеристику произведений и находить ответы на вопросы без помощи преподавателя.

Это определение степени знания материала позволяет учащемуся увидеть свое слабое место, а значит, иметь представление о том, к чему следует стремиться в дальнейшем. Все данные желательно оформить в виде графика или таблицы и поместить на доске в классе, чтобы дети имели возможность сами ознакомиться с ним. Кроме того, желание быть лучше вызовет у учащихся желание стремиться к достижению этого.

6. Организация родительского собрания

Прочитав заголовок данной подтемы, вы, возможно, невольно подумаете: а зачем, собственно, учителю рисования родительское собрание? Как-никак, это вовсе не основной предмет, не что-то важное, на что следует отвлекать и без того занятых людей. И все же без подготовки к родительскому собранию преподавателю изобразительного искусства не обойтись.

Начну с того, что в каждом классе обязательно проводятся хотя бы раз в месяц встречи с родителями. На них классный руководитель решает все возникшие общие вопросы, и, конечно же, если это и в самом деле квалифицированный преподаватель, он не забудет сказать об успехах своих учеников по всем предметам, т. е. подчеркиваются достижения каждого учащегося по тому или иному предмету, который дается ему наиболее легко и не вызывает затруднений. И это вполне нормальное явление, т. к. каждый родитель идет на собрание только для того, чтобы услышать о своем собственном ребенке, а не о чьих-то еще, пусть даже и самых великолепных детях. Об этом следует помнить.

Услышать что-то о своем ребенке мамам и папам, конечно же, всегда приятно, т. к. у них возникнет гордость за малыша. Но еще больше радости доставит родителем выступление на собрании учителя рисования, который поведает, чего успели достичь их дети, в каких школьных художественных конкурсах они одержали победу, и продемонстрирует работы учеников. Таким выражением внимательности к их детям преподаватель, с одной стороны, вызовет у них интерес к увлечению ребенка, а во-вторых, позволит учителю найти в лицах родителей необходимых для себя помощников. В дальнейшей работе, когда будут проводиться вечера искусства, иные мероприятия, имеющие отношение к рисованию, он без проблем при необходимости получит от родителей помощь в подборе нужного материала, изготовлении оформления сцены (задника) и т. д.

Словом, участие в классных и общешкольных родительских собраниях для учителя изобразительного искусства – занятие очень важное и необходимое, составляющее часть его методической работы, а потому отнестись к нему стоит с особой серьезностью.

Задачи родительского собрания

В чем же состоит основная задача выступления и участия преподавателя рисования на родительском собрании? Главной целью данного мероприятия следует ставить привитие интереса родителей к предмету, сообщение им минимума знаний, необходимых для осуществления самостоятельного обучения изобразительному искусству своего ребенка.

Кроме того, именно на собраниях родители должны в очередной раз, но теперь уже от самого преподавателя, а не ребенка, услышать о его достижениях.

Темы выступления преподавателя рисования на родительском собрании

Приступая к подготовке речи для родительского собрания, преподавателю изобразительного искусства следует обратить внимание на то, что действительно будет интересно узнать родителям по данному предмету. Такими темами будут, скорее всего, рассказ о том, как научить ребенка правильно смотреть картину, находить выразительные средства в живописи, разъяснение правил правильного рассмотрения картин в кругу семьи или во время посещения музея.

Особенно заинтересует родителей рассказ о том, как организовать в доме свой собственный музей, как красиво оформить альбомы малыша. Здесь учителю следует представить родителям образцы распределения в альбоме открыток с репродукциями произведений живописи, по аналогии с которым можно создать и свой собственный альбомный музей. Или же дать пояснения о том, как расположить произведения, созданные своими руками, на стене в комнате ребенка. Это может быть распределение по временам года, жанрам, настроению и т. д.

При этом во время каждого собрания непременно следует подчеркивать, что «изобразительное искусство – это средство воспитания», а потому относиться к нему небрежно не следует.

Структура проведения

Свой краткий рассказ на родительском собрании учителю можно построить по следующему плану.

1. Краткое знакомство с изучаемыми на протяжении года темами.

2. Перечисление списка запланированных мероприятий и конкурсов.

Это необходимо сделать, чтобы родители заранее знали, к чему дети будут готовиться, и помогли им, когда придет время. Здесь же может быть дан справочный материал по поводу того, каким образом можно вызвать у ребенка интерес к этим темам, ведь если он заинтересует родителей, то и интерес к ним ребенка будет несомненным.

3. Краткая характеристика успехов каждого учащегося.

О каждом из учеников обязательно следует сказать хоть сколько-нибудь хороших слов. Если же имеются какие-то замечания или требуется заострить внимание родителей на каких-то проблемах ребенка (о постоянной неподготовленности к уроку, торопливости и т. д.), беседу на эти темы следует вынести за пределы собрания и поговорить наедине. Иначе родитель невольно станет испытывать к учителю антипатию и вряд ли попытается помочь в решении проблемы, после того как только что во всеуслышание было заявлено о плохом поведении или иных нарушениях их чада.

4. Знакомство родителей с тематической выставкой, подготовленной к собранию.

Здесь необходимо продемонстрировать работы каждого из учеников и пояснить, где и у кого что получилось лучше, чем у остальных.

5. Ответы на вопросы родителей.

И последним этапом, конечно же, следует сделать ответы на задаваемые родителями вопросы. В тех случаях, когда родители стесняются что-то высказать вслух или поделиться своими впечатлениями и мыслями, следует подготовить небольшую книгу заметок или отзывов, где каждый сможет оставить свои замечания и дать советы.

Раздел 2. Зарождение и дальнейшее развитие изобразительного искусства
1. Первые рисунки древних художников

Рисовать – не значит просто воспроизводить контуры: рисунок не состоит из одних только очертаний.

Энгр

Рисовать человек начал очень давно. Первыми его рисунками были наскальные изображения, выбитые в глубине пещер и промазанные, для большей сохранности, глиной, смешанной с животным жиром; небольшие нательные рисунки, наносимые как для украшения тела, так и для устрашения своих врагов. Рисовали они и на глиняной посуде, выдавливая на ней палочками странные иероглифы и значки, и даже наносили краски на кожу животных, тем самым клеймя их.

Как это ни странно, но уже тогда древние художники имели свои особые правила изображения и близкий и понятный только им материал: камень, глину, золу, раскаленные копья. Изображаемые ими символы и рисунки были не просто простым украшением, но и своеобразным заклинанием, способным отпугнуть врага (рисунки на теле), поспособствовать удачной охоте (рисунки исколотых копьями животных) и т. д. Древних художников можно было бы даже назвать магами и шаманами, ведь именно от их умения рисовать зависело, будет ли племя сыто, сможет ли одолеть врагов и избежать болезней.

Значение слова «рисунок» трактуется по-разному: это и основа языка всех видов изобразительного искусства, и беседа художника с натурой, и рассуждение о жизни, и даже лепка предметов светом и тенью. Хотя суть его значения от этого не меняется. Иными словами, рисунком можно назвать все, что изображено карандашом от руки, так, как это видит человеческий глаз.

Самыми первыми красками, открытыми нашими предками, стали глина и сажа. Первая составляла палитру из следующих цветов: желтого, красного, слегка зеленоватого и белого, а вторая выполняла роль черного цвета. Именно этими материалами природного происхождения долгое время выполнялись все рисунки. Чуть позднее эта краска получила название «охра» – т. е. краска, растертая с маслом. В дальнейшем она хоть и претерпела некоторые изменения, но название за собой все же сохранила.

Спустя несколько веков появилась необходимость в поиске более стойкого художественного материала, который не смывался бы с одежды, стальных предметов и домов. Этим материалом стали растения. Человек научился добывать из них соки, перерабатывать их и превращать в краску. Первоисточником желтого цвета стали соки молочая и шелковицы, отвары луковой шелухи до сих пор дают нам коричневый, многие ягоды – красный. Все эти накопленные веками знания все еще находят применение в сельской местности, где натуральными красками так и продолжают расписывать пасхальные яйца, подкрашивать всевозможную выпечку. Не смогли вытеснить природных красителей и появившиеся химические краски.

Зрительный ряд

Наглядным материалом при изучении искусства древних художников, конечно же, будут слайды с изображением первых наскальных рисунков, глиняных табличек, украшенной изображениями посуды и даже варианты нательной росписи некоторых племен. Все это можно обнаружить в стандартных учебниках по истории.

Неплохо продемонстрировать детям и первые натуральные краски, приготовленные из соков растений (сока свеклы, отвара луковой шелухи, сока молочая), а также кусочки разноцветной глины. Эту краску учащиеся могут попробовать нанести на бумагу. Как правило, зрительное видение предметов, о которых здесь рассказано, позволяет на длительное время закрепить материал в сознании учащихся.

Литературный ряд

Литературным фоном для урока будут служить стихи и рассказы о быте древнего человека, его повадках, манере поведения, внешности и т. д. Его могут подобрать и сами учащиеся.

Полезно также зачитать в начале урока стихотворение Олега Тарутина «Иероглифы», дающее представление о том, как при помощи символических рисунков наши предки передавали друг другу информацию.

Музыкальный ряд

Тематика урока, конечно же, накладывает отпечаток на выбор музыкального ряда. В данном случае почувствовать атмосферу древности помогут народные и былинные музыкальные произведения, песни жителей севера и индейских племен, игра на бубнах и других первоначальных музыкальных инструментах.

Применение материала

Знакомство учащихся с первыми художественными материалами и искусством живописи в произведениях древних мастеров лучше всего проводить на вводном занятии. Это позволит не только заинтересовать уроками, сконцентрировать внимание школьников, только что вернувшихся с летних каникул, на материале, но и настроить их на дальнейшую работу. Кроме этого, дети получат знания о первых красках и изобразительных материалах, что поможет им при дальнейшей работе.

Проведение беседы с учащимися

Проведение беседы при изучении этого материала лучше всего начать с опроса учащихся о том, какие натуральные краски используют их мамы при необходимости подкрасить выпеченные изделия, крем, пасхальные яйца и каким образом они это делают? Этот ход привлечет учеников к беседе, заинтересует будущей темой и заданием. Чтобы слегка разнообразить урок, во время беседы можно привести небольшой рассказ о том, как были обнаружены человеком те или иные краски, какие соки растений русичи использовали в качестве косметики. Детям наверняка будет интересно узнать, что сажей женщины рисовали брови, свеклой подкрашивали щеки и губы. К следующему уроку им можно дать задание расспросить своих бабушек и дедушек о том, какие соки растений и как они использовали в молодости.

2. Иконопись как фундамент изобразительного искусства в России Традиция иконописи и символика цвета

Цвет – материал живописи: цвета в своем уединении плачут и смеются, мечтают о счастье, о любви, они поют волшебные хоралы, они оживают и умирают.

Эмиль Нольде

Уже давно люди стали ассоциировать цвета с различными состояниями природы (весна – зеленые, осень – желтые), настроением, состоянием души (горечь и печаль – черные, радость – нежно-голубые и розовые). То, что цвет оказывает разностороннее влияние, ни у кого не вызывает сомнений. Каждый знает, что если долго любоваться желтым цветом, то в душе зарождается беспокойство, зеленый же, напротив, успокаивает и расслабляет, красный будоражит кровь и возбуждает. Не только любой цвет, но и его оттенок несет определенную смысловую нагрузку.

Если опросить какое-то число людей, задавая им вопрос, какой цвет был самым известным более длительное время, чем другие, то все их ответы будут приблизительно одинаковыми: золотой – как цвет роскоши и богатства, красный – как цвет славы и силы, черный – как неоспоримая классика и постоянна тайна. На самом же деле таким цветом является голубой. Именно он привлекает к себе взоры мечтателей, любующихся небесным простором, очаровывает художников своими возможностями. Под действием связанных с ним ассоциаций в России появляются целые организации любителей искусства. Их названия говорят сами за себя: «Голубая роза» (художественное объединение), «Синий всадник» (группа любителей холодных оттенков). Да и само творчество во времена Пикассо очень сильно поддается влиянию охватившего художников «голубого периода».

Стремление сравнивать и сопоставлять все с цветом появилось очень рано. При этом каждая эпоха толковала символику цвета по-своему. Так, в древности красный цвет символизировал кровь. Возможно, именно поэтому у многих народов было принято покрывать умерших красной тканью или посыпать краской. Он же олицетворял одну из сторон света, а именно – запад. А у некоторых народов его даже сравнивали с женщиной. Чуть позднее к этим ассоциациям присоединились еще и страсть, слава и сила.

Белый относили к цветам божественным и чистым. В одежду этого цвета всегда облачали невест, тем самым подчеркивая их невинность и чистоту. Тем же, кто до брака имел плотские связи, венчаться в белом запрещалось. Белый в современном искусстве – это центр внимания и концентрация на главном.

Голубой считали цветом неба и водной стихии, мечты и одновременно холода. Этот цвет был единственным, который удостаивался звания «божественного». Объяснить это можно тем, что вода являлась символом крещения, отсюда и такое восприятие данного цвета. Как и голубой, многие другие цвета тоже имели свое объяснение, основанное на божественном к ним отношении. Так, зеленый стал символом надежды, фиолетовый – душевного страдания и раскаяния, коричневый указывал на отрешение от мира, серый характеризовался как смирение, желтый был цветом предательства и измены, черный же закрепил за собой звание цвета смерти и тьмы. А вот цветом рая стала комбинация золотого, зеленого и красного.

На основе этого довольно легко понять, что именно пытались подчеркнуть на своих иконах древние иконописцы, на чем концентрировали внимание зрителя, на какое отношение их настраивали. Все, что имело отношение к крови, они окрашивали в красный. Красный фон на иконах расценивался как кровь Христа, красными были и сосуды со священной водой. Желтым окрашивали одеяния предателей (изображения Иуды). Но понимание цвета у каждого художника различное, а потому очень большой была вероятность возникновения серьезных разногласий в написании одного и того же святого, а этого церковь допустить никак не могла.

Желая хоть как-то упорядочить распределение цветов при изображении образов святых, папа Иннокентий III ввел единую цветовую символику для иконописи, составленную на основе взаимосвязи цветов с Богом. В соответствии с канонами, белым рисовали все, что имело отношение к рождению и вознесению, красным писали предметы, окропленные кровью (распятия, мучеников). Зеленый цвет стал символизировать праздники, синий – близость к Богу, возвышенность, черный так и остался цветом тьмы, горечи и скорби. Опорными же цветами иконописи стали красный, синий и зеленый. Именно они составляют основную цветовую гамму Святой Троицы.

Система написания икон стала настолько упорядоченной, что, еще не приступив к работе, художник уже знал, что и в какой последовательности следует делать. Сначала он деревянную заготовку покрывал левкасом, иначе говоря, меловым грунтом, по поверхности которого и велась вся остальная работа. Готовое произведение художник-иконописец сверху покрывал ровным слоем олифы или иной масляной смеси, которая, к сожалению, быстро темнела и приводила иконы к порче. Естественно, что от таких ненужных икон следовало как-то избавляться. Лучшим вариантом для уничтожения святых предметов древние люди посчитали сплав их по реке ликом вверх. Они полагали, что икону по пути непременно подбирает Бог и помещает в свои хоромы, вернув ей былой вид. Чуть позднее христиане стали сжигать иконы по окончании молебна на перекрестке или же использовали их для создания новых, нанося прямо на старый рисунок что-то иное.

Для икон церковь определяла не только цвета, но и правила самого их изображения, ведь иконные образы считали первообразами, т. е. не просто придуманными человеком, а заданными свыше. Церковники установили нормы написания каждого святого: как он должен быть изображен, в какой позе, что держать в руках, каким должен быть его взгляд. Эти нормы назывались канонами (строгими правилами). В связи с возникновением этого значения образовались и его составляющие: брацы и прориси. И те, и другие схожи по значению и представляли собой контурные рисунки на кальке, которую накладывали на заготовку и переводили. Иначе говоря, художники попадали в полную зависимость от строгих рамок и не имели возможности отклониться от правил.

Многие, если не сказать все, иконы дошли до нас написанными на одном и том же материале – дереве, чаще всего липовых или сосновых пород. Почему древние художники предпочли именно его, а не бумагу, понять просто. Во-первых, изображения, написанные на бумаге, очень быстро портились, выцветали на солнце и были неудобны для постоянного использования. Во-вторых, дерево на Руси всегда считалось самым дешевым материалом, чего нельзя сказать о бумаге, производство которой в большом количестве началось очень поздно и было неспособно обеспечить нужды всей страны. Деревьев же было хоть отбавляй, да и хлопот они требовали не особенно много.

Вносить что-то свое в изображение древние художники не имели права, а потому старательно срисовывали уже существующие образы святых с икон, написанных ранее. Вот и выходило, что все иконы получались очень похожими, порой даже совершенно идентичными не только по цветовым комбинациям, но и по образу изображенного на них святого.

Церковь же вела тщательный надзор за иконописцами, а найдя расхождения в написании божественных ликов, могла жестоко расправиться с ослушником. Ни о каком дальнейшем развитии живописи в этот период ограничений и строгих рамок просто не могло быть и речи.

iknigi.net


Смотрите также