Узор на всю жизнь: 10 главных стилей современных татуировок. Стиль рисования американский


Самые красивые Пин Ап картины в мире (список лучших работ)

Изображение красивой, чаще всего полуобнаженной девушки в определенном стиле, получившее название Пин Ап, на сегодня уже считается самостоятельным видом искусства.

А начиналось все на рубеже XIX – XX веков, когда художник Чарльз Дана Гибсон создал так называемый феномен «девушек Гибсона». Изображаемые иллюстратором девушки считались эталоном красоты.

В 20-х годах прошлого столетия изображения девушек стали использовать в рекламе, а в 1941 году слово «Пин Ап» впервые употребили по отношению к необычным, оригинальным рисункам.

Картинки с красивыми девушками вырывались из журналов и прикалывались (pin-up – прикалывать) в кабинах автомобилей, самолетов, на стенах квартир или рабочем месте.

Со временем изображения полуобнаженных женщин стали появляться на картах, зажигалках, самолетах. Чувственные картинки сильно поднимали боевой дух солдат в годы Второй мировой войны.

Сложно определить самые красивые Пин Апы, но постараемся представить разные тематические варианты этих вызывающих картинок с озорными и сексуальными девушками.

 

Самое начало. «Девушки Гибсона»

В рисунках художника Чарльза Гибсона не было ничего предосудительного. Ему удавалось в простой форме передать красоту и привлекательность женщины, ее сексуальность.

Но для того времени это стало настоящим прорывом в массовой культуре. «Девушки Гибсона» стали отправной точкой для зарождения жанра Пин Ап.

Актрисы

А вот теперь представим несколько известных моделей жанра Пин Ап. Популярные актрисы не считали зазорным позировать художникам при создании сексуальных картинок, а порой художники просто брали для создания прекрасных рисунков фотографии актрис.

Сегодня жанр переживает второе рождение, и многие известные актрисы и кино позируют для фривольных картинок или делают фото в стиле Пин Ап.

 

Ава Гарднер

Актриса с лицом ангела и телом богини первой из голливудских красавиц стала позировать для создания красивых картинок. Ава задала, по сути, и общий тон всех последующих рисунков.

 

Анита Экберг

Большой популярностью пользовались изображения, моделью для которых была шведская фотомодель и актриса Анита Экберг. Сценические образы и фотографии талантливой актрисы иллюстраторы и художники преобразовывали в картинки в стиле Пин Ап.

 

Бетти Пейдж

Настоящей королевой Пин Апа стала американская модель и актриса Бетти Пейдж. Откровенные и чувственные картинки Бэтти до сих пор будоражат воображения мужчин.

Считается, что именно Бетти Пейдж стала зачинателем сексуальной революции 60-х годов прошлого столетия.

 

Мэрлин Монро

Секс-символ XX века, американская актриса Мэрлин Монро тоже стала объектом Пин Апа. Ее яркие экранные образы стали использовать на плакатах.

Художник Ерл Морган перерисовывал сексуальные фотографии актрисы. Эти рисунки широко использовались в рекламе.

Мастера Пин Апа

 

Рисунки Альберто Варгаса

Самым лучшим художником, работавшим в стиле Пин Ап, считается перуанский мастер Альберто Варгас. Его картины полны женственности, чувственности. Мягкие, нежные полутона его произведений великолепно передают сексуальность и красоту женского тела.

На фото: Альберто Варгас работает с моделью

Работы Вергаса – это своеобразная и необычная техника смешивания акварели и аэрографа.

 

Джил Элвгрен

Еще один признанный мастер в жанре Пин Ап американский иллюстратор Джил Элвгрен. В рисунках Джила чувствуется энергия, эмоциональность, безграничное женское обаяние.

Pin Up сюжеты

Рассмотрим несколько примеров изображений с одинаковым сюжетом. Разные девушки попадают в одинаковые ситуации при выполнении определенной работы. Конкретно на этих озорных картинках юбки девушек предательски задраны шваброй и в игре с кием.

 

Ветер в Пин Ап

Такое природное явление, как ветер, частый гость на картинках с красивыми девушками. Именно он задирает им платья, обнажая красивые ножки, и сексуальные элементы гардероба – подвязки чулков, трусики, подвязки.

 

Девушки с животными

Озорства картинкам Пин Ап добавляют различные животные. В игре с животными у девушек обнажаются части тела, а иногда животные просто добавляют красивый сюжет.

 

Забавные случаи

Часто в жанре подобных картинок используют забавные происшествия. На одних девушки попадают в неприятные ситуации в домашних условиях, на других они оказываются в пикантных ситуациях на улице, а порой и на работе.

 

Вода

Очень распространенный сюжет, где вода, задирая элементы женского гардероба, представляют на всеобщий обзор сексуальные части женского тела. Сюжеты с водой получались забавными и комичными.

Из-за большого количества медиа-контента, продолжение статьи смотрите на СЛЕДУЮЩЕЙ СТРАНИЦЕ

Продолжение статьи

most-beauty.ru

стили рисунков — Какие есть стили рисования? — 2 ответа



стили рисования

В разделе Живопись, Графика на вопрос Какие есть стили рисования? заданный автором Евгения Шунькина лучший ответ это В Вашем вопросе - иллюстрация.

«Шоу Рена и Стимпи» — американско-канадский мультипликационный сериал, созданный мультипликатором канадского происхождения Джоном Крисфалуси

Под значением «стиль рисования» можно подразумевать такой стиль художника, который выгодно отличает его от всех остальных – это связано и с художественным направлением в искусстве, и техникой, в которой выполняется рисунок, и, конечно же, многое зависит от вкуса и умения самого мастера.

Стиль рисования карандашом открывает в себе безграничные возможности рисунка. С помощью простого карандаша можно передать множество оттенков и нюансов, переход светотени и градацию тона.

Стиль аниме отличается характерной манерой отрисовки персонажей и фона. У нарисованного персонажа в стиле аниме особое внимание уделяется прорисовке мимики и фигуры.

Стиль граффити, как часть хип-хоп-культуры, особенно популярен среди молодежи. Рисунки в стиле граффити выполняют баллончиками с разноцветной краской на оштукатуренных и кирпичных поверхностях.

Американский стиль представляет собой реалистичный рисунок с тщательно прорисованными деталями. Точная передача фактуры предметов, прорабатывание всех деталей и нюансов - это основная черта американского стиля рисования.

Подробнее ссылка

Ответ от 2 ответа[гуру]

Привет! Вот подборка тем с ответами на Ваш вопрос: Какие есть стили рисования?

Ответ от Alina Rakhimova[новичек]Дудлинг?Дудлинг — это бессознательный рисунок, сделанный во время какого-то занятия. Это те самые каракули, цветочки, елочки, или даже цельные образы, которые мы рисуем, сидя на лекции, скучном совещании или во время долгого телефонного разговора.Казалось бы, что в этом интересного? Нарисовал и выкинул... если бы не одно но. Есть люди, которые, рисуя таким образом, создали целое направление в современном художественном искусстве. Оно так и называется — "дудлинг". По-английски это «doodling», а слово «doodle», в свою очередь, переводится как каракули, черточки, или то, что человек непроизвольно и бесцельно рисует, в то время как его мысли заняты совершенно другим.Абстракционизм?Абстракционизм (от латинского abstractus — удаленный, отвлеченный) — это направление в искусстве, цель которого - не точное реалистичное изображение окружающего мира, а самовыражение с помощью образов и фигур, далеких от существующих в реальности.Художники-абстракционисты не рисуют привычные нам предметы, растения или людей, не стараются скопировать действительность, а используют линии, фигуры и пятна всевозможных цветов, форм и размеров, чтобы выразить свои чувства, эмоции, добиться гармонии.Что интересно, абстракционизм зародился в начале XX века в России и стал известен именно благодаря русским художникам - Василию Кандинскому, Казимиру Малевичу (все знают его знаменитый "Черный квадрат").Абстракционизм можно разделить на два течения:- геометрический, или логический абстракционизм, использующий геометрические фигуры, цветные плоскости, прямые и ломаные линии;- лирико-эмоциональный абстракционизм, где композиция создается из свободных форм и ритмов (волны, кляксы, мазки).Поп-арт?Поп-арт (сокращенное popular art — популярное искусство) — направление в искусстве, возникшее в противовес абстракционизму. Изначально художники, работавшие в стиле поп-арта, использовали широко известные всем образы - этикетки от знакомых всем продуктов, банки из-под напитков, упаковки из-под продуктов, а также фотографии известных всем звезд или просто фигуристых женщин и мужчин-культуристов. Художники поп-арта старались открыть выразительность самых простых предметов из нашей повседневной жизни.Кубизм?Кyбизм (фр. cubisme, от cube - куб) — направление в искусстве, представители которого изображают мир, используя геометрически правильные фигуры - кубы, шары, цилиндры, конусы и многогранники, пересечение прямых и ломанных линий.Художники-кубисты "раздробляют" цельные предметы на множество плоскостей и геометрических фигур, используют переливчатые цвета.Самый известный представитель кубизма - это Пабло Пикассо.Импрессионизм?Это направление живописи возникло во Франции в середине XIX века. Художники - импрессионисты отказались от традиционных тем в выборе сюжетов для своих картин и воспевали красоту природы, увиденной во всем её великолепии, а также сцены повседневной жизни. В то время картины писали в основном на религиозные или исторические сюжеты, а импрессионисты были своего рода революционерами. Свои картины они писали открытыми мазками, яркими, красочными, будто размытыми.Название направления было дано в насмешку неким журналистом: так была названа картина Клода Моне "Впечатление. Восход солнца" (impession - впечатление). Название прижилось и теперь неотъемлемо вошло в нашу жизнь.Самые знаменитые художники - импрессионисты: Дега, Кайбот, Кэссет, Мане, Моне, Моризо, Писсарро, Ренуар, Сислей.Пин-ап?Стиль "Пин-ап" появился в 30-ые годы прошлого века в Америке. В основе пин-ап стиля (от англ. «to pin-up» - пристегнуть, приколоть) лежат два ключевых направления: рисунок и фотография.На рисунках всегда изображались "идеальные" девушки, который сразу оценили солдаты, матросы и водители-дальнобойщики.

Ответ от 2 ответа[гуру]

Привет! Вот еще темы с нужными ответами:

 

Ответить на вопрос:

2oa.ru

Картины как фото - Топ-25 художников - гиперреалистов

Эти художники удивляют своим талантом и способами, которыми они создают свои гиперреалистичные картины. В это трудно поверить, но это не фото, а настоящие картины, нарисованные карандашом, красками и даже шариковыми ручками. Мы не понимаем, как у них это получается?! Просто наслаждайтесь их творчеством.

Омар Ортиз (Omar Oritz) — художник-гиперреалист из Мексики, бакалавр графического дизайна. Основной сюжет его картин — человеческие фигуры, в основном обнаженные женщины. На картине художник выделяет три элемента: фигуру человека, драпированные ткани, белый цвет. Особенность работ Омара — минималистический стиль, лаконизм в передаче тонких изгибов и линий тела, работа маслом.

Пол Кадден (Paul Cadden) — современный художник мирового уровня из Шотландии. Для своих работ Пол использует лишь белый мел и графит, с помощью которых может воссоздать практически любую фотографию, уделяя внимание незаметным мелким деталям. Как признается сам художник, он не придумывает новых деталей, а лишь подчеркивает их, тем самым создавая иллюзию новой реальности, которую зачастую не видно на оригинальных фотографиях.

Камалки Лауреано (Kamalky Laureano) — художник родился в Доминиканской Республике в 1983 году, в настоящее время живет и работает в Мехико. Камалки окончил школу дизайна и искусств, специализируется на создании гиперреалистичных портретов. Сюжеты сложно отличить от настоящих фото, хотя они написаны акриловыми красками на холсте. Для автора его работы — не просто подражание фотографиям, а целая жизнь, воплощенная на холсте.

Грегори Тилкер (Gregory Thielker) — родился в Нью-Джерси в 1979 году, изучал историю искусств и живопись в Вашингтонском университете. Переезд в Бостон стал отправной точной в его работе над гиперрреалистичными городскими пейзажами, которые сделали его знаменитым на весь мир. Картины Тилкера — это путешествие на машине в холодный дождливый день. Вдохновленный работами художников 70-х, автор создает свои реалистичные картины при помощи акварели и масляных красок.

Ли Прайс (Lee Price) — художница из Нью-Йорка, окончила университет по специальности живопись, занимается фигуративной живописью. Основной сюжет работ Ли — непростое отношении женщин к еде. Зритель словно со стороны наблюдает за женщинами, которые в тайне едят что-то вкусное, но вредное. Сама художница говорит, что в своих работах пытается показать тот факт, что женщины наделяют еду не присущими ей качествами, ищут утешение в неподходящем источнике. На картинах передана абсурдность ситуации, попытка сбежать от реальности, облегчить неприятные ощущения.

Бен Вайнер (Ben Weiner) родился 10 ноября 1980 года в Бёрлингтоне, Вермонт, окончил университет искусств, рисует маслом на холсте. Особенность работ художника — необычный сюжет. Бен рисует краски! Сначала художник наносит краски на рабочую поверхность, фотографирует их, а затем с готового фото пишет картину на холсте.

Ray Hare родился в 1950 году в Северной Калифорнии, известен своими реалистичными акриловыми изображениями на холсте. В детстве автор делил любовь к рисованию с успехами в спорте, но травма спины определила основной род деятельности Рэя. Как признался художник, рисование отвлекало его от постоянных болей в спине. Мастер еще в юные годы получил широкое признание и множество наград на художественных конкурсах.

Алисса Монкс (Alyssa Monks) живёт и создает свои картины в Бруклине, приобрела широкую известность благодаря своим реалистичным «мокрым» картинам. Художница использует такие фильтры, как вода, стекло или пар для создания абстрактных конструкций. Для работы Алисса часто использует фотографии из личных архивов родных и друзей. Женские лица и фигуры на картинах похожи между собой — художница часто рисует автопортреты, так как утверждает, что ей так «проще» создавать необходимый сюжет.

Педро Кампос (Pedro Campos) — гиперреалист из Мадрида, начал писать картины маслом лишь в возрасте 30 лет. Свои реалистичные натюрморты художник создает при помощи масляной краски. Кампос работал дизайнером интерьеров, иллюстратором, художественным реставратором мебели, скульптур и картин. Художник считает, что именно работа реставратором помогла ему отточить свое мастерство.

Дирк Дзимирский (Dirk Dzimirsky) — художник из Германии, родился в 1969 году, получил художественное образование, работает в карандашной технике. Художник рисует картины с фотографий, не вдаваясь в мельчайшие подробности, много импровизирует. Дирк говорит, что работая над картиной, он представляет живую модель, поэтому фото он использует лишь для доскональной передачи заранее установленных пропорций. Своей главной задачей автор считает создание ощущения присутствия субъекта на картине.

Томас Арвид (Thomas Arvid) — американский художник-гиперреалист из Нью-Орлеана, который родился и вырос в Детройте, не имеет никакого формального образования, мастер так называемого «негабаритного» натюрморта. Его серия реалистичных картин «Винный погреб» — это пробки, бутылки, бокалы с искрящимися или густо-красными напитками. Авторитетные критики и издания отметили более 70 работ художника. Картины мастера украшают не только стены виноделен и престижных винных салонов, но и частные коллекции и галереи.

Робин Элей (Robin Eley) родился в Британии, вырос и продолжает жить и работать в Австралии, имеет степень бакалавра изобразительных искусств, награжден Национальной портретной премией Doug Moran. Свои гиперреалистичные картины он создает маслом, а основным «коньком» считает сюжет «люди и целофан». Мастер работает над одной картиной примерно 5 недель по 90 часов в неделю, практически каждая картина изображает людей, обёрнутых в целлофан.

Сэмюэль Сильва (Samuel Silva) — португальский художник-любитель без специального образования, который на личном примере доказывает, что создать шедевр можно из чего угодно. При создании картин художник использует палитру из восьми цветов шариковых ручек от фирмы Bic. По профессии Сильва юрист, а свое увлечение рисованием считает не более чем хобби. Сегодня известный во всем мире художник-самоучка осваивает новые техники живописи при помощи красок, мела, цветных карандашей, пастели и др.

Готфрид Хельнвайн (Gottfried Helnwein) — австрийский художник, автор гиперреалистичных картин на социальные, политические и исторические темы, «мастер неожиданного узнавания», как назвал его писатель У. Берроуз. Автор получил образование в Венской академии изобразительных искусств, относится к художникам высокого профессионального уровня. Славу ему принесли в некоторой степени спорные сюжеты, сюрреалистические композиции. Нередко мастер изображал на своих картинах героев комиксов и признается, что «узнал от Дональда Дака больше, чем во всех школах, в которых учился».

Франко Клун (Franco Clun) — итальянский художник-самоучка, который всем другим художественным техникам предпочитает рисунок графитом. Его черно-белые реалистичные картины — это результат самостоятельного изучения Франко различной литературы по технике рисования.

Кельвин Окафор (Kelvin Okafor) — художник-гиперреалист, родился в 1985 году, живет и работает в Лондоне. Кельвин получил образование по специальности изящное искусство в Middlesex University. Свои картины автор создает простым карандашом, основная тематика его работ — портреты знаменитостей.

Эми Робинс (Amy Robins) — британская художница, которая для своих гиперреалистичных работ использует цветные карандаши и плотную бумагу. Художница имеет образование в области искусства и дизайна, степень бакалавра изобразительного искусства, живет и работает в Бристоле. Про молодого автора известно мало, но ее работы уже успели прославиться на весь мир, поражая своей реалистичностью и техникой исполнения.

Роберт Лонго (Robert Longo) — американский художник и скульптор, родился в Бруклине в 1953 году, награжден легендарной премией Goslar Kaiser Ring. Свои трехмерные изображения ядерных взрывов, смерчей, ураганов и акул художник рисует углем на бумаге. Лонго часто называют «художником смерти». Знаменитая картина Untitled (Skull Island) с изображением волны была продана на аукционе Christie’s в Лондоне за $392 тыс.

Диего Фацио (Diego Fazio) — художник-самоучка, родился в 1989 году в Италии, не имеет художественного образования, начинал с разработок эскизов для татуировок, со временем разработал свою технику рисования. Молодой художник был участником многих международных конкурсов, где занимал призовые места, представлялся на выставках по всему миру. Художник работает под псевдонимом DiegoKoi.

Брайан Друри (Bryan Drury) родился в 1980 году в Солт-Лейк-Сити, имеет диплом об окончании Нью-Йоркской Академии Искусств, создает картины в жанре реализма. Свои картины художник пишет при помощи масляных красок. Как признается автор, в своих работах он пытается фокусироваться на органических качествах кожи, ее недостатках.

Стив Миллс (Steve Mills) — американский художник, который в 11 лет продал свою первую картину. Свои картины художник создает масляными красками, акцентируя внимание на мельчайших деталях повседневной жизни, которые мы зачастую не замечаем в вечной спешке. Художник отмечает, что изображает предметы такими, какие они есть в реальной жизни, без изменения и преувеличения их первоначальной формы.

Пол Лунг (Paul Lung) родился в Гонконге, рисует автоматическим карандашом на листах формата А2. Особенность техники создания картин — принципиальный отказ от использования ластика, все работы рисуются начисто. Главные «музы» художника — кошки, хотя он рисует и людей и других животных. На каждую работу у автора уходит не меньше 40 часов.

Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) родился в Италии, увлекся гиперреализмом в 19 лет, работал в качестве реставратора в церкви Сан-Франческо. Для создания картин использует масляные краски. Мировую славу художнику принесла серия работ, изображающая предметы, характерные для общества потребления. Картины со сладостями, торговыми автоматами, полками холодильника — визитная карточка художника, хотя в его арсенале есть пейзажи, натюрморты и многое другое.

Хуан Франсиско Касас (Juan Francisco Casas) — испанский художник, который создает свои картины обычной шариковой ручкой марки Bic. Касас был традиционным художником, который решил доказать окружающим, что важен не материал для работы, а способ и техника рисования. Первая же выставка креативного испанца принесла ему мировую славу. В основном на картинах Касаса изображены его друзья.

Тереза Эллиотт (Teresa Elliott) – американская художница, которая до создания реалистичных картин маслом, на протяжении 26 лет успешно работала иллюстратором. Тереза имеет степень бакалавра изящных искусств, вернувшись к классическому искусству, стала знаменита во всем мире благодаря своим правдивым до мельчайших деталей портретам.

art-holst.com.ua

10 главных стилей современных татуировок

Настал момент, когда количество людей с татуировками, живущих в большом городе, приблизительно сравнялось с теми, у кого нет рисунков на теле. Тату — это уже не тюремная или неформальная отметина, а обычное украшение вроде серег или часов (кстати, татуировка, сделанная по-настоящему профессиональным художником, сравнима с дорогими украшениями по цене, причем ее придется ждать в очереди несколько месяцев). Для кого-то рисунки на теле по-прежнему остаются сакральным действием, для кого-то они стали предметом коллекционирования, а для кого-то — способом скрыть шрам или недостатки фигуры. Мы собрали 10 популярных направлений, которые помогут тебе качественно и со вкусом шокировать маму.

Max & Akula Tattoo Lab — одна из самых старых тату-студий в Гоа, которую основала семья художников из Казахстана. Мастера Tattoo Lab приложили руку к созданию изрядной части той красочной толпы, которую принято называть местными фриками.

Американские традиционные (олдскул)

Стиль получил популярность благодаря тату-мастеру по имени Сэйлор Джерри (Джерри Морячок), который работал на Гавайских островах в 1930-е годы и делал простые яркие татуировки с жирным контуром и незамысловатым сюжетом: черепа, розы, пинап-девушки. Носить такие картинки было популярно среди моряков и прочих бродячих авантюристов. Толстые яркие линии не расплываются со временем, а простые цвета (преимущественно синий и красный) не так сильно выцветают на солнце. Человек с такой татуировкой мог позволить себе быть унесенным в океан и даже слегка объеденным акулами, однако у него все равно оставалась надежда на опознание и молитву за упокой его мятежной души: характерные татуировки записывали в паспорт моряка. Именно в этом стиле рисует знаменитый Эд Харди, майка с дизайном которого наверняка лежит у тебя в шкафу.

Эд Харди

Художник

На самом деле его звали Норман Коллинз, и он действительно служил во флоте. Норман родился в 1911 году, сбежал из дома еще ребенком, путешествовал по Америке в товарных поездах и, добравшись до Чикаго, поступил в ученики к тату-мастеру. Освоив новое ремесло, ценителями которого были в основном матросы, Норман пошел служить во флот и побывал в половине стран мира, пока не нашел свою землю обетованную на Гавайях. Там он жил до старости, совершенствуя свое искусство и создавая дизайны, которые стали культовыми в XXI веке.

Японские традиционные (ирезуми)

Искусство нательной живописи получило широкое распространение в Японии еще в XVII веке. Именно тогда вышел перевод классического китайского романа «Речные заводи» с яркими литографиями, герои которой были покрыты художественными татуировками — мода на них распространилась среди знати. Однако столетие спустя, налаживая контакты с Европой, японский император обеспокоился имиджем страны: европейцы считали татуированных японцев дикарями. Нательные росписи были запрещены и стали особым признаком японской мафии — якудза. В 1948 году в ходе оккупации запрет был снят, однако в современной Японии до сих пор человека, украшенного картинками, могут не пустить в бассейн или фитнес-клуб.

Шигенори Ивасаки

Хоритоши Икебукуро

Филип Лью

Традиционный стиль ирезуми складывался не один десяток лет, с учетом того, чтобы татуировка не просто хорошо смотрелась, когда она только что сделана, но и жила долгие годы. Картинки располагаются при этом не отдельно, а полностью закрывают поверхность тела хитро­сплетениями цветов, драконов, священных карпов, тигров и демонов. Также как и олдскул, ирезуми исполняются толстыми линиями с использованием только основных цветов. Инструментом японских татуировщиков были остро отточенные бамбуковые палочки, которые окунали в чернила.

Сегодня существует так называемый неояпонский стиль, когда традиционные мотивы изображаются более реалистично, используются более широкая палитра и более мелкие детали.

Художник

Его родители были артистическими бродягами, в 1970-х годах семья кочевала по всему миру, зарабатывая на жизнь татуировками. Первую татуировку Филипу сделал отец, когда мальчику было десять лет. В тринадцать юный художник уже разрисовывал своего первого клиента (говорят, ужасно напортачил, слишком глубоко введя иглу), а в восемнадцать стал суперзвездой в тату-сообществе. Практически в любом тематическом журнале 1990-х можно было найти фотографию работы Филипа или копию с его дизайна. Именно он разработал яркий и сюрреалистический неояпонский стиль.

Реализм

Дмитрий Самохин

Карлос Торес

Boris

Благодаря появлению современных тату-машинок, промышленно сделанных игл и огромной цветовой палитре чернил стала возможна настоящая живопись на коже. Появился новый стиль — реализм: портреты, изображения животных или растений, выполненные с фотографической точностью. Как правило, такие татуировки делаются без четкого контура, с использованием плавных цветовых переходов. Их наносят «магнумом» — иглой, которая представляет собой широкую «лопаточку», состоящую из отдельных иголок.

Ньюскул

Джин Коффи

Стив Мур

Ларс Уве

Татуировки, напоминающие книжные иллюстрации с налетом гротеска. Используются яркие цвета, четкие контуры, неожиданные цветовые переходы. Эти картинки похожи на современную рисованную мультипликацию или работы художников арт-нуво.

Отдельно в этом жанре можно выделить «акварельные» татуировки — картинки, выполненные как будто бы мазками яркого цвета без четкого контура. Правда, поскольку этот стиль является достаточно новым, пока непонятно, как эти татуировки будут выглядеть с течением времени. Цветовые пятна без четкого контура, особенно желтого, белого, розового и зеленого цветов, довольно быстро исчезают с кожи.

Биомеханика

Гай Атчисон

Стиль, получивший распространение после выхода на экраны фильма «Чужой», когда сюрреалистические фантазии швейцарского художника Гигера стали являться не только в кошмарах богемных наркоманов, но и в среднестатистических снах рядового обывателя. Именно в этот момент яркие реалистические татуировки, в которых механические и растительные элементы как будто обвивают тело человека, начали набирать популярность и оформились как новое направление. «Биомеханические» дизайны напоминают трехмерные трайбл-орнаменты, зависшие в пустоте. В них могут присутствовать фантастические инопланетные существа, кристаллы, лучи света.

Художник

Основателем стиля «биомеханика», пожалуй, можно считать Гая Атчисона, который в 1980-е годы стал делать татуировки, напоминающие гигеровские декорации. Атчисон написал книгу, считающуюся одним из канонических тату-учебников (кстати, многие мастера очень злились на него за это, так как татуировка до этого момента считалась «цеховым» ремеслом, знания передавались исключительно внутри мастерских и были недоступны человеку с улицы). Именно Гай первым сформулировал правило обтекания тела узорами: рисунок должен ложиться по основным изгибам мышц, не обрубая, а подчеркивая линии тела (кстати, в японских и трайбл-татуировках это происходит само собой — таковы особенности дизайна). Чтобы добиться максимально реалистичного расположения световых пятен, художник строил трехмерные инсталляции по предварительным эскизам татуировок и подсвечивал их с разных сторон.

Трайбл

Таку Ошима

Традиционные татуировки разных народов мира принято называть «трайбл». На самом деле узоры на теле делали практически во всех древних сообществах, от Сибири до островных народов Полинезии (в качестве инициации во взрослую жизнь или свидетельства победы над особо злокозненным врагом). Как правило, такие татуировки представляют собой геометрические узоры и символические фигуры, которые, как и японские ирезуми, покрывают большие площади на поверхности тела. Обычно трайбл-татуировки выполняются в одном цвете.

Хоррор

Пол Бут

Смешение реализма и биомеханики для изображения персонажей из фильмов ужасов, зомби и прочей нечисти — это стиль хоррор, популяризованный тату-мастером Полом Бутом. Именно благодаря этому направлению на рынке тату-аксессуаров появились краски с заманчивым названием «зеленый гной» и «кровавая Мэри». Традиционным для этого направления считается фрихэнд — рисование прямо на теле без предварительного изготовления трафарета. Хоррор также подразумевает большие пространства — в этом стиле сразу забивают «рукав» или спину.

Художник

Один из самых звездных тату-мастеров современности. Он делал татуировки музыкантам Slipknot, Mudvayne, Slayer, Pantera, Soulfly и Sepultura. Пол начинал как граффити-художник. В девятнадцать лет он решил сделать себе первую татуировку и, глядя на процесс, загорелся желанием воплотить свои «черные» фантазии в тату. В 1998 году открыл в Нью-Йорке дарк-арт-пространство Last Rites — художественную галерею и тату-мастерскую, оформленную в готическом стиле.

Трэш-полька

Симон Пфафф и Волько Мершки

Стиль, изобретенный студией Buena Vista Tattoo Club в Вюрцбурге. Татуировки представляют собой имитацию грубых мазков краской, реалистичных портретов и кусков текста, скомбинированных в некий постмодернистский коллаж. Все изображения выполняются строго в красно-черном цвете и опять же подразумевают большие пространства.

Художники

Семейная пара художников Симон Пфафф и Волько Мершки — пример удивительно успешного творческого союза. Оба учились дизайну и долгие годы посвятили рисованию, фотографии и музыкальным проектам, прежде чем основать тату-студию и создать собственный стиль. «Трэш — тот абстрактный беспорядок, который мы создаем, но при этом все выглядит знакомым, как старая добрая музыка вроде польки» — так ребята поясняют название своего стиля. В настоящий момент они работают только с этим направлением, и очередь в их студию расписана на два года вперед.

Геометрические

Назарено Тубаро

Томас Хупер

Одно из самых популярных в последнее время направлений — черно-белые геометрические узоры или фигуры. Часто они создают оптические иллюзии либо используют элементы так называемой сакральной геометрии: комбинации многоугольников, «цветок жизни» и т. п. Невероятно популярным ответвлением этого направления являются «мандалы» — шести-восьмиугольные узорчатые калейдоскопические «снежинки», похожие на кружевные салфетки.

Дотворк

Клаудиа Холда

Bintt

В буквальном переводе — работа точками. Черно-белые татуировки, в которых переходы цвета делают не с помощью распыления цвета магнумом, а расставляя точки отдельной иглой (почти что принцип газетной печати). Дотворк может быть элементом геометрических татуировок либо выступает как отдельный прием для изображения портретов или мультипликационных персонажей.

www.maximonline.ru

АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ - 6. MODERN ART.

В предыдущих пяти частях нашего обзора истории американской живописи мы говорили о периоде с 18 по начало 20 веков, о становлении и развитии разных направлений в американской живописи, о наиболее известных ее представителях. Осталось кратко пробежаться по истории современного искусства Америки и показать репродукции работ художников, ставших не только знаменитостями, но и законодателями «художественной моды» в мире современного искусства.

Первая мировая война и экономический кризис привели к массовому переезду, пусть для некоторых и временному, многих художников из Европы и России (Дали, Шагал, Танги, Бурлюк, Мондриан), давших толчок развитию разных направлений модернистского искусства.Одним из них был экспрессионизм*, расцветший в Америке накануне Второй мировой войны. Этому способствовало и то внимание, которое оказывали американские магнаты творчеству художников-абстракционистов. Миллионер Гуггенхайм в 1937 году пожертвовал средства на создание Музея беспредметной живописи. Затем семья Рокфеллеров выделила огромные средства на создание Музея современного искусства (МоМА, о посещении которого расскажу отдельно). В США было выпущено много альбомов и периодических изданий, пропагандирующих разные виды абстрактного искусства.

Макс Вебер (1881-1961), один из первых художников Америки, работавших в стиле кубизма. Он родился в Белостоке (в Польше, входившей позже в состав России) в ортодоксальной еврейской семье, в возрасте 10 лет эмигрировал с родителями в Америку. Первые годы своего творчества находился под сильным влиянием Сезанна и Матисса, с работами которых познакомился в Париже, а после возвращения в Америку стал последовательным пропагандистом кубизма, и сегодня он считается одним из наиболее значимых ранних американских кубистов. Первое время Вебер получал резкие отзывы критики, неприятие зрителей, но со временем его работы нашли большее понимание, в 1948 году в опросе среди искусствоведов он был признан величайшим из живущих художников, «пионером современного искусства в Америке», а у студентов, которым он преподавал в Лиге студентов- художников, он считался «живым хранилищем современного искусства». В послевоенное время Вебер обратился к более фигуративным еврейским темам, к экспрессионистическому изображению жизни еврейских семей и раввинов.

Ясуо Куниёси (1893-1963) родился в Японии, в 14 лет эмигрировал один в Америку, учился в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке. Он работал не только в разных направлениях живописи от сюрреализма до реализма, но известен и своими гравюрами, был прекрасным фотографом. Вторая мировая война, вызвавшая прилив патриотизма, национализма и антияпонских настроений в США, отразилась и на творчестве Куниёси,в его произведениях много болезненно-красного цвета, они становятся темнее, в них проглядывает разочарование и трудности существования в двух культурах в то время, его стиль становится все боле экспрессионистическим.

Элтон (Олтон) Пиккенс (1917-1991) родился в Сиэтле, его юность прошла под тенью Великой депрессии, прихода Гитлера к власти, гражданской войны в Испании. Со своими одноклассниками он наблюдал за тем, как загружаются военные корабли, обсуждал угрозу японского или большевистского вторжения. У него не было возможности обучаться живописи, но он учился, посещая музеи и изучая работы старых мастеров, зарабатывая себе на тушь для рисунков на случайных работах. Только в 1956 году состоялась его первая персональная выставка картин со странными, тревожными, вызывающими жалость образами.

Пол Джексон Поллок (1912-1956), главная фигура абстрактного экспрессионизма** был младшим из пяти сыновей в семье фермеров, пресвитерианцев ирландского происхождения. Его дважды исключали из разных художественных школ, но после переезда в Нью-Йорк он учился у Томаса Бентона в Лиге студентов-художников, оказавшего на него некоторое влияние, но не сумевшего справиться с его стремлением к ритмическому и необычному использованию краски.. В 1938 году ему был установлен диагноз алкоголизма, он проходил курс психотерапии, есть предположение, что у него могло быть биполярное расстройство. Примерно тогда же он стал разрабатывать свою уникальную «капельную» технику и технику «заливки» работы с краской, которые принесли ему всемирную славу, этот способ получил термин «живопись действия». Он рисует на огромных холстах, натянутых на стену или лежащих на полу, разбрызгивая по ним краску или просто разливая и размазывая разными инструментами. Позже, в 50-е годы, он начал просто нумеровать свои произведения, не желая давать им названия. Погиб Поллок в автомобильной катастрофе в состоянии сильного алкогольного опьянения.

Марк Ротко (Маркус Яковлевич Роткович) (1903-1970), ключевая фигура в абстрактном экспрессионизме, родился в Даугавпилсе (тогда – Двинск) в еврейской семье фармацевта, его детство было пронизано страхом погромов. Родители стремились дать детям светское образование, в семье много читали. Опасаясь призыва сыновей в армию, в 1913 году отец увозит семью в США, дети с раннего возраста начинают работать, а Маркус увлекается политикой левого толка. Окончив с отличием школу, он учится 2 года в Йельском университете, бросает, работает в швейной мастерской, поступает в Нью-Йорке в Школу дизайна, где впервые знакомится с американским авангардным искусством, заражается им и берет курс Макса Вебера в Лиге студентов-художников.. В 1933 году состоялась его первая персональная выставка, он экспериментирует с цветом, пишет акварелью и маслом, изучает примитивное искусство и детские рисунки и считает, что живопись начинается не с рисунка, а с цвета, используя «поля цвета» в своих акварелях и городских сценках. В 1940 году, обеспокоенный ростом антисемитизма, Маркус берет псевдоним, не имеющий явного еврейского звучания. В эти годы он увлекается мифологией, он называл себя «мифотворцем», занимающимся «восстановлением картинной плоскости, разрушением иллюзий, раскрытием правды».В послевоенное время Ротко вырабатывает свой зрелый фирменный стиль "multiforms", который, по его словам, содержит «дыхание жизни», наполнен возможностями, по его мнению, «цветовое поле – это простое выражение сложной мысли». Через два года после обнаружения у него артериальной аневризмы его состояние усугубилось алкоголизмом, курением, семейным кризисом и разводом, и он покончил жизнь самоубийством, приняв большую дозу антидепрессантов и вскрыв вены. Марк Ротко входит в число самых продаваемых и дорогих художников 20 века.

Марк Джордж Тоби (1890-1976), родился в семье плотника, учился два года в Художественном институте в Чикаго, но в основном был самоучкой. После переезда в Нью-Йорк работал иллюстратором в модном журнале и зарабатывал, рисуя портреты.В начале 20-х годов Тоби много путешествует – Париж, Барселона, Афины, Ближний Восток, интересуется арабской и персидской каллиграфией, работает учителем рисования в школе, изучает индейское искусство.В 1928 году он создает свою художественную школу в Сиэтле, а затем переезжает по приглашению в Англию для преподавания. Путешествие в Китай и Японию отразилось в его работах, там он изучал восточное искусство, философию Дзэн и каллиграфию в монастыре в Киото. В 1944 году Тоби впервые представляет свои «белые» картины, написанные в новой технике: носитель изображения, бумага или холст, покрываются многими слоями белой или светлой краски – это начало «всей» живописи, все более абстрактной, созерцательной, медитативной. Марк Тоби принадлежит к числу самых важных зачинателей абстрактного экспрессионизма.

Виллем де Кунинг (1904-1997) родился в рабочем районе Роттердама (Нидерланды), 8 лет учился в Академии художеств, а в 22 года безбилетным пассажиром на грузовом судне перебрался в США. Вскоре его в составе 38 художников пригласили участвовать в создании 105 фресок для всемирной ярмарки. До середины 40-х годов он создавал не только фигуративные работы, но и серии лирических цветных абстракций, а позже эти две тенденции начинают сливаться, и де Кунинг стал все более отождествляться с движением абстрактного экспрессионизма, был признан одним из его лидеров. В 1948 году состоялась его первая персональная выставка из черно-белых композиций, а в 1950 году он подписал открытое письмо 17 художников, обвинив Метрополитен-музей во враждебности по отношению к «передовому искусству».Интересна его многолетняя работа над образом женщины, прошедшим через бесчисленные метаморфозы - агрессивная манера письма, яркие стратегически расположенные цветовые пятна сочетаются с изображением зубастых, перезрелых, с увеличенными глазами, отвислыми грудями и изуродованными конечностями «женщин». Я думаю, как же надо было ненавидеть и бояться Женщину, чтобы так ее изображать, хотя в жизни он был женат на известной художнице, разделявшей его пристрастия. К концу жизни де Кунинг страдал болезнью Альцгеймера, его жена и дочь умерли и он находился под опекой адвокатов. Его произведения сегодня имеются в крупнейших музеях мира и очень дорого продаются, он – второй по дороговизне художник.

Роберт Мазервелл (Мотеруелл), (1915-1991), родился в Абердине в семье банкира, большую часть детства провел из-за астмы в Калифорнии. Там он полюбил широкие пространства и яркие цвета, характерные для его раннего творчества.Он недолго обучался живописи, получил степень бакалавра философии, увлекался всю жизнь символистской литературой, что вместе с озабоченностью темой смерти (из-за слабого здоровья) стало главной темой его поздних рисунков. Большое влияние на Мазервелла в начале его творческого пути в 40-х годах оказали эмигранты-сюрреалисты и путешествие по Мексике.В 1944 году состоялась его первая персональная выставка, он становится одним из самых молодых представителей «йоркской школы Нью» (неформальная группа американских представителей разных видов авангардного искусства в 50-60 годы). Он много путешествует по Европе, участвует в выставках, проводит лето в колонии художников и все время очень много рисует.Последние 20 лет жизни Мазервелл посвятил своей «открытой» серии, изображающей сопоставление большого и малого холстов.

Франц Йозеф Клайн (1910-1962), родился в Пенсильвании, в семье эмигрантов из Германии и Англии, учился в Бостонском университете, начинал с городских пейзажей, портретов и фресок по заказу. Наиболее известные его работы, однако, выполнены в черно-белом цвете, изображение мостов, тоннелей, промышленных объектов часто является содержанием его картин, относят нас к японской каллиграфии.Клайн был красивым, обаятельным и общительным человеком, но влияние представителей абстрактного экспрессионизма, особенно де Кунинга, а также трудный брак с балериной, страдавшей депрессией и шизофренией, наложили неизгладимый отпечаток на его творчество.Его репутация художника стала быстро расти после нескольких удачных выставок в 50-е годы, но ему не удалось насладиться ни славой, ни достатком – ревмокардит и алкоголизм привели к его ранней смерти.

Аршил Горки (Востаник Манук Адоян) (1904-1948) родился в Армении в бывшей Османской империи, его отец, убежав от призыва в армию, эмигрировал в Америку, бросив семью. Востаник с матерью и тремя сестрами бежал от геноцида в 1915 году на территорию, контролируемую русскими, а в 1920 году уехал в США,изменив позже имя и фамилию и выдавая себя иногда за родственника Максима Горького. В начале своей карьеры он был под влиянием импрессионизма, затем постимпрессионизма, Сезанна и Пикассо.Известные картины того времени представляют собой пейзажи и портреты, позже он работает в стиле кубизма и переходит к сюрреализму. В 30-е годы Горки пишет серию сложных работ в сюрреалистическом стиле, в некоторых из которых есть ностальгические намеки на его армянское прошлое.Горки претерпел ряд личных драм в 40-е годы, у него был диагностирован рак, он попал в автомобильную катастрофу, перелом позвоночника и временный паралич правой руки лишил его возможности рисовать, от него ушла жена, забрав с собой детей. Аршил Горки повесился в возрасте 44 лет на взлете карьеры и славы. Его картины и рисунки висят в каждом крупном музее, а его родственники создали в 2005 году фонд Аршила Горки, имеющий свой вебсайт.

Энди Уорхолл (Андрей Вархола)(1928-1987), ведущая фигура американского поп-арта***, родился в Питтсбурге в семье эмигрантов из Словакии (бывшей тогда в составе Австро-Венгрии), отец был шахтером. Маленький Энди был болезненным ребенком - после скарлатины у него обнаружили хорею (заболевание нервной системы, вызывающее непроизвольные движения конечностей), у него появляется страх перед больницей и врачами, развивается ипохондрия. В это время он много рисует, слушает радио, собирает фотографии кинозвезд, читает о них. Окончив среднюю школу, Уорхолл изучает коммерческое искусство в Технологическим институте Карнеги, а переехав в Нью-Йорк, работает в журнальной иллюстрации и рекламе и получает степень бакалавра.Вскоре он приобретает известность как рекламный художник в обувной промышленности и изготовлении обложек для пластинок. Уорхолл разработал метод применения фотографически полученной шелкографии в живописи, это было сродни процессу изготовления эстампа, но с участием инновационных методов.В 1962 году в Лос-Анджелесе состоялась дебютная выставка поп-арта, включавшая много работ Уорхолла, на которых были изображены знаковые американские объекты и знаменитости. В эти годы он организовал свою студию «Фабрика», собрал вокруг себя многих людей искусства, представителей контркультуры, богемы, многие из которых стали его помощниками и друзьями.В 1968 году Уорхолл был тяжело ранен в результате покушения, еле выжил, всю жизнь был вынужден носить корсет. Энди Уорхолл пережил периоды неприятия своего искусства, признания и поклонения, критики за коммерциализацию живописи и использования ее на потребу рекламе, за гомосексуальные связи и использование своих знаменитых друзей в личных целях.Умер Уортхолл от внезапной аритмии после операции на желчном пузыре, он оставил след не только в живописи, гравюре, шелкографии, скульптуре, музыке, кино и литературе, но и в использовании компьютерной техники.В Питтсбурге, на его родине, находится самый большой музей в США, посвященный одному художнику.

Роберт Раушенберг (1925-2008), родился в Техасе в семье христиан-фундаменталистов, отец был выходцем из Германии. Роберт учился в Художественном институте Канзас-Сити и в Академии Жулиана в Париже, а затем в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке.После женитьбы и скорого развода у него были романтические гомосексуальные отношения с другими художниками. Он путешествовал по Европе, побывал в Марокко, создает композиции всякого мусора, коробок, старых велосипедов и домашней утвари, утверждая, что хочет работать «в промежутке между искусством и жизнью», ставя под сомнение различия между произведениями искусства и предметами быта.Его произведения включают в себя не только всякие мусорные объекты, но и изображения, переданные на холст с помощью фотографии (как у Уорхолла),он способствует сотрудничеству между инженерами и художниками, создает серию литографий, включавших в себя собственные живописные работы и материалы из архивов НАСА. В последние десятилетия он начал использовать технологические инновации, применять биоразлагаемые растительные красители, подчеркивая свою заботу об окружающей среде.Раушенберг более 40 лет плодотворно работал на художественном рынке, имел много наград, и умер от сердечной недостаточности, уединившись на острове во Флориде.

Джаспер Джонс (1930), ныне живущий живописец и гравер, в детстве из-за развода родителей часто переезжал с места на место, живя то с мамой, то с дедушкой или тетей, не имея никакого понятия об искусстве вообще. Он немного учился в Университете Южной Каролины, немного в Школе дизайна в Нью-Йорке, в 1954 году встретил Раушенберга, они не только стали жить вместе, но и развивать свои художественные идеи.В 1958 году состоялась первая персональная выставка Джонса и МоМА приобрел 4 картины с неё. Ранние его живописные работы построены по простой схеме – флаги, карты, буквы и цифры.В течение 20 лет он изображал американский флаг в разных видах, в первую очередь как визуальный объект, в отрыве от своего символического значения, эти картины принесли ему первую известность. Джонс также известен как график и скульптор, помогал создавать декорации и перформанс, писал тексты для авангардной музыки. Самая его дорогая работа, «Фальстарт», была продана за 80 миллионов долларов.

Рой Лихтенштейн (1933-1997) родился в Нью-Йорке в обеспеченной еврейской семье брокера по недвижимости, до 12 лет получал домашнее воспитание. Во время обучения в школе заинтересовался искусством и дизайном, стал горячим поклонником джаза, часто посещал концерты в Гарлеме и рисовал музыкантов. Рой начинал изучать искусство в Лиге студентов-художников, потом в Университете штата Огайо, а затем три года служил в Армии во время Второй мировой войны. Вернувшись в университет, прошел аспирантуру и получил степень магистра изобразительных искусств. Его творчество тех лет сочетало элементы кубизма и экспрессионизма,а в конце 50-х он обратился к абстрактному экспрессионизму, начал включать образы героев мультфильмов и комиксов в свои работы. В следующем десятилетии он приобретает известность не только в Америке, оставляет преподавательскую работу, переезжает в Нью-Йорк, чтобы полностью посвятить себя работе над картинами. Во всех его работах-комиксах просвечивает ирония, как будто он не относится серьёзно к тому, что рисует. В конце 60-х Лихтенштейн перешел к использованию своих характерных методов в создании сложных образов знакомых архитектурных сооружений, картин и узоров, напоминающих уже ар-деко. Позже в его творчестве проявляются не только элементы, заимствованные у немецких экспрессионистов, но и сюрреалистов, китайской живописи,Лихтенштейн много рисует карандашом, увлекается гравюрой. В 1997 году его жизнь неожиданно оборвалась от воспаления легких.

Том Вессельман (1931-2004), психолог по образованию, 2 года служил в армии, после нее учился рисованию в Академии художеств Цинциннати, рисовал мультфильмы и успешно продал первые из них. Сначала он восхищался работами Мазервелла и де Кунинга, но вскоре отверг абстрактный экспрессионизм, он понял, что должен найти собственный стиль, идти в противоположном направлении.После окончания Академии Вессельман занимается созданием коллажей и преподаванием. Впервые на него обратили внимание в мире искусства после серии «Великая американская ню», над продолжением которой он будет работать долгие годы.Он работает в рекламе, изготавливает коллажи из старых журналов и плакатов, еще не определив для себя свое направление, считает необходимым «сделать прыжок, который выходит за рамки самого искусства». Вассельман не любил, когда его называли представителем поп-арт, указывая, что он использует повседневные объекты в эстетических, а не потребительских целях.Он пробует себя в живописном и коллажном натюрморте, сопоставляя различные элементы и изображения, пишет маслом пейзажи, экспериментирует с формой женского тела, работает над серией «Спальня», увлекается скульптурой, особенно из металла. Последние годы его жизни были омрачены болезненным состоянием из-за сердечной недостаточности, и он умер после операции на сердце.

Итак, мы вкратце ознакомились с основными современными направлениями живописи США и наиболее известными ее представителями (85 художников). Мы закончили путешествие в мир американской живописи, я открыла для себя много нового, неожиданного, и хотя в основном американские художники 18-19 веков шли в арьергарде мирового изобразительного искусства, в 20 веке им удалось выйти на авансцену и даже стать ведущими и родоначальниками в некоторых направлениях живописи, графики, дизайна. И как всегда, клип к последней части,в котором гораздо больше репродукций.*Экспрессионизм (в переводе с латинского «выражение») – направление в мировом искусстве возникшее в Европе (преимущественно в Германии и Австрии) в первых десятилетиях 20 века. Экспрессионизм выражает эмоциональный и чувственный мир художника, часто в абстрактных (отвлеченных), не связанных с непосредственным восприятием реального мира формах.**Абстрактный экспрессионизм течение в абстрактном искусстве, возникшее в США в 1940-х годах. «Беря истоки в раннем творчестве В. Кандинского, отчасти в экспрессионизме и дадаизме, абстрактный экспрессионизм сформировался под влиянием сюрреализма и его основополагающего принципа психического автоматизма, воспринятого американскими художниками от европейских мастеров, продолжил «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума и логических законов, поставив своей целью спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, абстрактных формах и взяв за главный творческий принцип самопроизвольное, автоматическое нанесение красок на холст, происходящее исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний.*** Поп-арт (популярное искусство) – «направление в искусстве 1950-1960-х годов, для которого характерны использование и переработка символических и знаковых объектов рекламной продукции и массовой культуры. Поп-арт, возникнув как реакция на засилье абстрактного искусства, провозгласил своей целью возвращение к реальности и «раскрытие эстетической ценности» образцов популярной культуры. Абстракционистскому отказу от действительности он противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус. Каждая вещь в определенном контексте теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства».Ссылки: http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Pagehttp://arshilegorkyfoundation.org/http://www.izostili.ru/index.phphttp://char.txa.cornell.edu/art/fineart/modernus/modernus.htmhttp://char.txa.cornell.edu/art/fineart/modernus/modernus.htmhttp://allpainters.ru/hudozhniki-po-alfavitu.html

vanatik05.livejournal.com

Классные рисунки идеальных девушек в стиле Пин-ап (56 фото)

Коллекция классных рисунков и изображений в стиле Пин-ап,который в 60-70 годы был очень популярен в США.В этом стиле изображался собирательный образ "идеальной девушки",которая может не только вкусно приготовить, но еще и выглядит очень сексуально.В основном, такие плакаты развешивались на заводах и рабочих местах для того,чтобы мотивировать работников к продуктивному труду, стремлению к карьерному росту,и все это - ради достижения заветной цели - возможности содержать "идеальную жену" ;)

Новости партнёров

fishki.net

АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ. Часть 2. Вторая половина XIX века.

К середине 19 века пейзаж становится господствующим жанром американской живописи. Многих художников того времени объединяют в группу «Школа реки Гудзон», в которую входило более 50 пейзажистов двух поколений.

Наиболее известным американским художником-пейзажистом тех лет можно считать Томаса Коула (1801-1848),

родившегося в Англии и переехавшего в 17 лет с родителями в Америку. Живописи он обучался у бродячего художника, был самоучкой, много путешествовал по стране, побывал в Англии и Италии,

но американскую природу считал гораздо более живописной, чем европейская.

Наиболее близким к манере Коула был его друг Эшер Дюран (1796-1886), начинавший как график,

но после путешествия с другом по горам Америки он увлекся пейзажем, очень много рисовал с натуры.

Эту картину художник написал в память об умершем друге, на аукционе в 2007 году за нее было уплачено 35 миллионов долларов.

Одной из центральных фигур в «Школе реки Гудзон» был Фредерик Эдвин Чёрч, уже в 18 лет ставший учеником Коула. С весны до осени он путешествовал по стране и по миру,

сначала один, а потом и с семьей, часто пешком, делал эскизы, а зимой рисовал свои большие яркие картины и успешно продавал их.

Альберт Бирштадт (1830-1902) тоже много путешествовал по стране и по Европе, охотно рисовал Альпы, но настоящей его любовью были Скалистые горы,

Дикий Запад, индейцы.

Эту любовь ему удавалось передать на своих больших полотнах, мастерски используя эффект света и тени.

Томас Моран (1836-1926), ребенком эмигрировал с родителями из Англии, подростком работал подмастерьем резчика по дереву, рано начал рисовать пейзажи.

Большое влияние во время учебы в Англии оказали на него работы Уильяма Тернера, его умение наполнять свои полотна светом.Моран рисует пейзажи Англии, виды Венеции,

но большинство его работ посвящено Дикому Западу и любимым Скалистым горам. Его участие в исследовательской экспедиции в эти места и его рисунки способствовали превращению Йелоустона в национальный парк.

Джон Фредерик Кенсетт (1816-1872), представитель «люминизма» * в американской пейзажной живописи «Школы реки Гудзон». Первое свое художественное образование он получил у своего отца, работая в его граверной мастерской, но мечтал писать пейзажи.

Он отправляется в Англию, затем во Францию, восхищается голландской и английской пейзажной живописью, путешествует по Италии.

Вернувшись в Америку, продолжая писать спокойные, наполненные чистым светом и выполненные в изысканной манере пейзажи, Кенсетт приобретает популярность у коллекционеров, успех и богатство.

Джон Ф.Френсис (1808 -1906), художник-самоучка, начинавший как портретист, известен своими натюрмортами.

Именно портретная живопись пробудила в нем интерес к мелким деталям, который он так успешно развил в своих работах.

Натюрморт был популярен в то время, картины Френсиса пользовались спросом, он стал ведущим художником в жанре «столового» натюрморта, изображая фрукты, орехи, сыр, печенье и другие продукты.

Мартин Джонсон Хид (1819-1904), родился в семье кладовщика, начинал тоже как портретист, поддерживал дружеские отношения с художниками «Школы реки Гудзон» и писал романтические морские пейзажи,

путешествовал по Европе, странствовал по американским берегам. После поездок по тропикам главными темами его работ стали флоридские пейзажи,

тропические птицы (только с колибри около 40 картин) и цветы, особенно магнолии.

Он не стал признанным и известным художником при жизни, но сегодня его работы можно найти в крупнейших музеях, а иногда даже в гаражах и на блошиных рынках.

Томас Икинс (1844-1916), один из основоположников реалистического направления, живописец, график, скульптор, фотограф, педагог,

одним из первых обратился к изображению городской жизни Америки. Он получил образование в Филадельфии, продолжил его в Париже, путешествовал по Европе, восхищался работами испанских мастеров-реалистов Веласкеса и Риберы, эффектом света и тени у Рембрандта.

Именно у них он научился изображать обнаженное тело в движении, драматизм происходящего действия, противопоставлять темный интерьер в портрете напряженному свету, направленному на лицо и фигуру.

При жизни Икинс не получил большого признания, но позже потомки по достоинству оценили его реалистический стиль.

Уинслоу Хомер (1838-1910), выдающийся американский художник- пейзажист и гравер, работавший в реалистическом стиле.

Начальное художественное образование он получил от матери, писавшей талантливые акварели, от нее же унаследовал волевой общительный характер и чувство юмора. Началась его карьера с графики, в течение 20 лет работал иллюстратором, во время Гражданской войны делал эскизы и рисунки о войне и ее последствиях, на основании которых позже создавал картины.

Вскоре после войны Хомер отправляется в Париж, продолжает там писать пейзажи и сцены городской жизни, его творчество близко к Барбизонской школе. Хотя он и использует активно игру света в своих картинах, характерную для импрессионистов, нет никаких доказательств их влияния на его творчество, у него к тому времени сложился уже свой независимый стиль.

Наибольшую известность ему принесли картины морской тематики,

сценки из сельской жизни, а из путешествия в Англию он привез картины, рассказывающие о жизни рыбацких деревень, морские пейзажи и акварели.

Он много путешествует по США и Центральной Америке, рисуя тропические и снежные пейзажи, детей и животных. Считается, что Хомер был одним из поколения тех художников, которые создали собственную художественную американскую школу.

Джеймс Уистлер (1834-1903), родился в семье известного инженера,

в восьмилетнем возрасте он переехал с родителями в Петербург, куда его отец был приглашен на работу в управление железной дороги. Там молодой Уистлер сначала брал частные уроки рисования, а в 11 лет поступил в Императорскую Академию художеств. Некоторое время он с матерью жил в Лондоне, продолжая изучать искусство, рисовать и собирать книги о живописи.

После смерти от холеры отца, семья Уистлера вернулась в Америку, жила скромно, и он поступил в Военную Академию в Вест-Пойнте, но ни физически, ни внешне, ни морально он не был готов к военной карьере и был отчислен. Тогда же он твердо решил, что искусство будет его будущим, начал создавать офорты, уехал в Париж и уже никогда не возвращался на родину. Там Уистлер арендовал студию в Латинском квартале, вел богемную жизнь, много курил и пил, но и писал копии с картин великих мастеров в Лувре для заработка, изучал искусство, поклонялся Курбе и Коро, восхищался японской графикой и вообще восточным искусством.

После переезда в Лондон и удачного участия в выставке Уистлер вскоре сделал себе имя не только как художник, но и приобрел много друзей в среде художников и литераторов благодаря своему остроумию, умению одеваться и щедрости. Он много ездил для изучения творчества великих мастеров и написания картин, с 1869 года начал подписывать свои картины монограммой – бабочки, состоящей из его инициалов.

Любимыми его цветами становятся серый, черный и коричневый. Уистлер проповедовал «искусство ради искусства», чистое, не обремененное идеями, обращающееся к художественным чувствам, а не эмоциям, и часто давал своим картинам музыкальные названия.

Считается, что он был близок к импрессионизму по настроению в своих картинах, но не по цветовой гамме и световым эффектам. В предлагаемом слайдшоу можно увидеть больше картин всех упомянутых художников.

Наконец, я подошла к своей любимой теме - "Импрессионисты", но это уже в следующий раз. Продолжение следует.

*Люминизим – направление в американской пейзажной живописи, характеризуется насыщенностью светом, использованием воздушной перспективы и сокрытием видимых мазков. (http://en.wikipedia.org/wiki/Luminism_(American_art_style)Ссылки:http://allpainters.ru/hudozhniki-po-alfavitu.htmlhttp://www.wikipaintings.org/ru/alphabethttp://en.wikipedia.org/wiki/

vanatik05.livejournal.com


Смотрите также