Стили японской живописи: от истоков до наших дней. Японская живопись техника рисования


Японская живопись. Современная японская живопись

Японская живопись – старейший и изысканный вид изобразительного искусства, который охватывает множество техник и стилей. За всю историю существования она претерпела большое количество изменений. Добавлялись новые традиции и жанры, а также оставались исконные японские принципы. Наряду с удивительной историей Японии живопись также готова представить множество уникальных и интересных фактов.

Древняя Япония

Первые стили японской живописи появляются в самый древний исторический период страны, еще до н. э. Тогда искусство было довольно-таки примитивным. Сначала, в 300 году до н. э., появились различные геометрические фигуры, которые выполнялись на гончарных изделиях при помощи палочек. К более позднему времени относится такая находка археологов, как орнамент на бронзовых колоколах.

Чуть позже, уже в 300 году н. э., появляются наскальные рисунки, которые намного разнообразнее геометрического орнамента. Это уже полноценные изображения с образами. Их находили внутри склепов, и, вероятно, люди, которые нарисованы на них, являлись захороненными в этих могильниках.

В 7-м веке н. э. Япония принимает письменность, которая приходит из Китая. Примерно в это же время оттуда поступают первые картины. Тогда появляется живопись как отдельная сфера искусства.

Эдо

Эдо – это далеко не первая и не последняя школа японской живописи, однако в культуру именно она принесла много нового. Во-первых, это яркость и красочность, которые добавлялись в привычную технику, выполняемую в черных и серых тонах. Наиболее выдающимся художником этого стиля считается Сотасу. Он создавал классические картины, но его персонажи были очень красочными. Позже он переключился на природу, и большинство пейзажей выполнялись на фоне из позолоты.

Во-вторых, в период Эдо появилась экзотика, жанр намбан. В нем использовались современные европейские и китайские техники, которые переплетались с традиционными японскими стилями.

И в-третьих, появляется школа Нанга. В ней художники сначала полностью имитируют или даже копируют произведения китайских мастеров. Затем появляется новое ответвление, которое получило название бунджинга.

Период модернизации

Период Эдо сменяет Мейджи, и теперь японская живопись вынуждена выйти на новый этап развития. В это время по всему миру становились популярными такие жанры, как вестерн и ему подобные, поэтому модернизация искусства стала обычным положением вещей. Однако в Японии, стране, где все люди почитают традиции, в данное время положение вещей значительно отличалось от того, что происходило в других странах. Здесь остро вспыхивает конкуренция между европейскими и местными техниками.

Правительство на этом этапе отдает свое предпочтение молодым художникам, которые подают большие надежды на совершенствование навыков в западных стилях. Поэтому они отправляют их в школы Европы и Америки.

Но так было только в начале периода. Дело в том, что известные критики довольно-таки сильно раскритиковали западное искусство. Чтобы избежать большого ажиотажа вокруг этого вопроса, европейские стили и техники стали запрещать на выставках, их показ прекратился, как, впрочем, и популярность.

Появление европейских стилей

Далее наступает период Тайшо. В это время молодые художники, которые уезжали учиться в зарубежных школах, приезжают обратно на родину. Естественно, с собой они привозят новые стили японской живописи, которые очень похожи на европейские. Появляется импрессионизм и постимпрессионизм.

На данном этапе образуется множество школ, в которых возрождаются древние японские стили. Но полностью избавиться от западных тенденций не удается. Поэтому приходится совмещать несколько техник, чтобы угодить как любителям классики, так и поклонникам современной европейской живописи.

Некоторые школы финансируются государством, благодаря чему удается сохранить многие из национальных традиций. Частники же вынуждены идти на поводу у потребителей, которые хотели чего-то нового, они устали от классики.

Живопись времен ВОВ

После наступления военного времени японская живопись некоторое время оставалась в стороне от событий. Она развивалась отдельно и самостоятельно. Но вечно продолжаться так не могло.

Со временем, когда политическая ситуация в стране становится все хуже, высокие и уважаемые деятели привлекают многих художников. Некоторые из них еще в начале войны начинают творить в патриотических стилях. Остальные приступают к этому процессу только по приказу властей.

Соответственно, особо развиваться японское изобразительное искусство в период ВОВ было неспособно. Поэтому для живописи его можно назвать застойным.

Вечная суйбокуга

Японская живопись суми-э, или суйбокуга, в переводе означает «рисование тушью». Это и определяет стиль и технику данного искусства. Оно пришло из Китая, но японцы решили назвать его по-своему. И изначально техника не имела какой-либо эстетической стороны. Ее использовали монахи для самосовершенствования во время изучения Дзен. Более того, сначала они рисовали картины, а впоследствии тренировали концентрацию при их просмотре. Монахи полагали, что совершенствованию помогают строгие линии, расплывчатые тона и тени – все то, что называется монохромностью.

Японская живопись тушью, несмотря на большое разнообразие картин и техник, является не настолько сложной, как может показаться на первый взгляд. В ее основу входят всего 4 сюжета:

  1. Хризантема.
  2. Орхидея.
  3. Ветка сливы.
  4. Бамбук.

Малое количество сюжетов не делает освоение техники быстрой. Некоторые мастера полагают, что учеба длится всю жизнь.

Несмотря на то что суми-э появилась давно, она востребована всегда. Более того, сегодня встретить мастеров этой школы можно не только в Японии, она распространена и далеко за ее пределами.

Современный период

По окончании ВОВ искусство в Японии процветало только в крупных городах, сельчанам и деревенским жителям хватало забот. По большей части художники старались отвернуться от потерь военных времен и изобразить на холстах современную городскую жизнь со всеми ее прикрасами и особенностями. Успешно принимались европейские и американские идеи, но такое положение вещей сохранялось недолго. Многие мастера начали постепенно отходить от них в сторону японских школ.

Традиционный стиль оставался модным всегда. Поэтому современная японская живопись может отличаться только по технике исполнения либо материалам, которые используются в процессе. Но большинство художников плохо воспринимают различные новшества.

Нельзя не отметить модные современные субкультуры, такие как аниме и похожие стили. Многие художники стараются стереть грань между классикой и тем, что востребовано сегодня. По большей части такое положение вещей обусловлено коммерцией. Классику и традиционные жанры фактически не покупают, соответственно, невыгодно работать художником в любимом жанре, нужно подстраиваться под моду.

Заключение

Несомненно, японская живопись представляет собой целый кладезь изобразительного искусства. Пожалуй, рассматриваемая страна осталась единственной, которая не пошла на поводу у западных тенденций, не стала подстраиваться под моду. Несмотря на множество ударов во времена прихода новых техник, художники Японии все-таки смогли отстоять национальные традиции во многих жанрах. Вероятно, именно поэтому в современности на выставках очень высоко ценят картины, выполненные в классических стилях.

fb.ru

Японская живопись – акварель Абе Тошиюки

29 Январь 2014       Nasati      Главная страница » Музыка цвета » живопись      Просмотров:   14639

(с) Абе Тошиюки

Дорогие друзья! За окном зима, а так хочется солнца и тепла. И зеленых красок! И цветов!) Особенно сейчас, когда очень холодно. Хоть зима набирает обороты, мы уже предвкушаем весну и лето.И желание приблизить солнечное настроение увеличивается. Живопись акварелью японского художника Абе Тошиюка хрупка, нежна и воздушна, она буквально погружает в атмосферу лета и тепла. Все его картины просто залиты светом!

Абе Тошиюки (с)

Многие, когда видят живопись Абе Тошиюки, утверждают, что это работы фотомастера, настолько реально всё, что изображено на них. А ведь это – акварель! Прозрачная, нежная, дышащая акварель!

(с) Абе Тошиюки

Некоторые люди с сомнением относятся к гиперреализму в картинах. Зачем так тщательно копировать природу, когда для этого есть фотоаппарат? Зачем использовать такую сложную и кропотливую технику акварели? Ведь акварельная живопись – это, прежде всего, недосказанность, тонкость и текучесть. В картинах Абе Тошиюки реалистичность сочетается с легкими акварельными мазками, его живопись дает ощущение воздушной перспективы и солнца.

Абе Тошиюки (с)

Мне кажется, если картины несут свет и тепло, если мы чувствуем их настроение, если они цепляют, то они имеют право на существование. А у этого японского художника картины именно такие. В них много солнца, бликовые переливы, игра цвета и тени… Они живые. Кто-то сказал, что живопись позволяет увидеть окружающее в тот момент, когда на него смотришь с любовью. Акварель Абе Тошиюки наполнена любовью, и мы с удовольствием входим в мир красок художника. Этот прием дает акварели глубину и создает ощущение солнечного света и воздушной перспективы.

Абе Тошиюки

Абе Тошиюки родился в 1959 году в Японии. Он 20 лет преподавал рисование, но всегда мечтал стать художником и творить. В 49 лет Абе решил изменить свою жизнь и довериться мечте. Еще один пример, что наши желания имеют способность исполняться. Надо только очень захотеть)) В течение долгих 2-х десятилетий он был рядовым учителем рисования (хоть, думаю, многие его ученики с благодарностью вспоминают своего преподавателя), и за какие-то 5 лет японский художник прославился как живописец. А может надо сначала отдать частичку себя, чтобы Вселенная стала помогать тебе?) Японская акварельная живопись приобрела еще одно известное имя.

Абе Тошиюки

За 5 лет Абе Тошиюки заслужил несколько наград, у него – персональные выставки, он стал известным мастером. Особенно он проникся акварельной техникой живописи. Японский художник Абе Тошиюки говорит, что через свою акварель, изображающую течение реки, хрупкость цветов, блики света художник выражает изменчивость и быстротечность нашего мира. А японцы, особенно чутко относятся к таким философским вопросам. Каждая картина, по мнению Abe Toshiyuki, обязана тронуть сердце человека, иначе она не выполняет своего предназначения.

Абе Тошиюки

Так ли это, смог ли затронуть все струны Вашей души японский художник и дотронуться до Вашего сердца, Вы можете проверить прямо сейчас. Вашему вниманию предлагаю выборку из картин японского мастера. А для того, чтобы создать особую восточную атмосферу и подчеркнуть японский колорит, я постаралась подобрать к картинам строки Басё.

Акварельная живопись – картины Абе Тошиюки

(с) Абе Тошиюки

Внимательно вглядись!Цветы пастушьей сумкиУвидишь под плетнем.Басё

 

Абе Тошиюки (с)

Ива склонилась и спит.И кажется мне, соловей на ветке –Это ее душа.Басё

 

Абе Тошиюки (с)

Чистый родник!Вверх побежал по моей ногеМаленький краб.Басё

 

Абе Тошиюки (с)

Опала листва,Весь мир одноцветен.Лишь ветер гудит.Басё

 

Абе Тошиюки (с)

Наскучив долгим дождем,Ночью сосны прогнали его…Ветви в первом снегу.Басё

 

(с) Абе Тошиюки

Видно кукушку к себеМанят колосья в поле:Машут словно ковыль…Басё

 

Абе Тошиюки (с)

Бабочки полетБудит тихую полянуВ солнечном свету.Басё

 

Абе Тошиюки (с)

Вот здесь в опьяненьеУснуть бы на этих речных камнях,Поросших гвоздикой…Басё

 

Абе Тошиюки (с)

О священный восторг!На зеленую, на молодую листвуЛьется солнечный свет.Басё

Дорогие друзья! Надеюсь, что акварель японского художника подарила тепло и напомнила, что лето уже скоро!)

Смотрите еще!

nasati.ru

от истоков до наших дней

Японское искусство вообще и японская живопись в частности многим людям Запада кажется сложным и малопонятным, собственно как и культура Востока в целом. Тем более редко кто различает стили японской живописи. Но культурному человеку, особенно если он ценитель прекрасного, неплохо было бы разбираться в этой теме.

Японская культура и живопись в древние времена

Представители ранней культуры дземон (около 7000 г. до н.э.) занимались изготовлением глиняных фигурок, в основном это были фигурки женщин. В более поздний период пришлые люди начали изготавливать медное оружие, бронзовые колокола со схематично нарисованными на них фигурками и примитивную керамику. Настенная роспись древних гробниц и контурные изображения на колоколах считаются наиболее ранними образцами японской живописи.

Влияние буддизма и китайской культуры

Развитие изобразительного искусства в Японии получило серьезный толчок с приходом на территорию Японии буддизма из Кореи и Китая. Особый интерес к буддизму проявляли люди, облаченные властью. Живопись 7-9 веков практически полностью копировала китайскую изобразительную традицию, основными сюжетами того времени был Будда, все, что с ним связано, и сценки из жизни буддистских божеств. В 10 веке живопись Японии ощутила сильное влияние буддистской школы «Чистой Земли».

В 6-7 веке по всей территории Японии началось строительство храмов и монастырей, которые требовали особой тематической отделки. Настенная храмовая живопись - один из начальных этапов развития японского изобразительного искусства. Яркими примерами храмовой живописи являются фрески в храмах Асука-дера, Шитеноджи и Хорюдзи. Одни из наиболее выдающихся работ того времени находятся в Золотом зале храма Хорюдзи. Помимо настенной росписи в храмах устанавливали статуи Будды и других божеств.

В середине периода хэйнань на смену китайской школе живописи в Японии появился собственный стиль под названием ямато-э. Роспись в стиле ямато-э украшала раскладные ширмы и скользящие двери, как правило основным сюжетом ямато-э выступал Киото и сцены из жизни города. Альбомный лист и иллюстрации на свитках (эмаки) как основные форматы живописи появились практически одновременно с ямато-э. Самые известные работы в стиле эмаки можно увидеть в японском эпосе «Повести о Гендзи», который датируется 1130 годом, хотя написан мог быть и раньше.

В период перехода власти от аристократии к самураям, аристократы, опасаясь потерять свое богатство, нередко вкладывали свои средства в произведения искусства, всячески покровительствуя известным художникам того времени. Классические образцы работ, которые выбирали аристократы, как правило, были выдержаны в стиле консерватизма. Самураям больше по душе был реализм, в период Камакуры (1185-1333) именно эти два направления превалировали в изобразительном искусстве Японии.

В 13 веке культура Японии почувствовала на себе достаточно сильное влияние дзен-буддизма. В монастырях Камакуры и Киото широко практиковалась живопись тушью, чаще всего рисунки тушью украшали свитки, настенный или трубчатые. Рисунки тушью были выдержаны в простом монохромном стиле, по сути, этот стиль живописи пришел в Японию из Китая империи Сун (960-1279) и Юань (1279-1368). К концу 1400 года особенно популярны стали монохромные пейзажи тушью под названием сибокуга.

Живопись периода Эдо

В 1600 году к власти пришел сегунат Токугава, и в стране воцарился относительный порядок и стабильность, причем проявлялось это во всех сферах жизни – от экономики до политики. Сословие купцов начало стремительно богатеть и проявлять интерес искусству.

Живописные работы периода 1624-1644 годов изображают представителей самых разных классов и сословий японского общества, собиравшихся в одном из районов Киото у реки Камогава. Подобные районы существовали и в Осаке, и в Эдо. В живописи появился отдельный стиль укие-э, в фокус его сюжетов попадали злачные места и театр кабуки. Работы в стиле укие-э стали популярны по всей стране, к началу 18 века стиль укие-э чаще всего был представлен в виде ксиллографии. Первые печатные картинки в этом стиле были посвящены чувственным и эротическим сюжетам или текстам. В концу 18 века центр живописной активности в стиле укие-э сместился из района Киото-Осака в Эдо, где центральное место в галерее сюжетов заняли портреты актеров театра кабуки и изображения японских красавиц.

Конец 18 века считается золотой эрой стиля укие-э. В это время творил замечательный японский художник Тории Киенага, изображавший в основном грациозных японских красавиц и обнаженную натуру. После 1790 года на художественной сцене начали появляться новые направления и художники, среди которых наиболее известными стали Китагава Утамаро, Кацухика Хокусаи, Андо Хирошиге и Утагава Куниеши.

Для представителей западной художественной школы японский стиль укие-э стал не просто одним из экзотических стилей живописи, а настоящим источником вдохновения и заимствования определенных деталей. Такие художники как Эдгар Дега и Винсент ван Гог использовали в своих работах заимствованные в укие-э стилистические композиции, оформление перспективы и использование цвета. В западном искусстве тема природы была не очень популярна, а вот в Японии природу и животных рисовали достаточно часто, что в свою очередь несколько расширило тематику западных мастеров. Французский художник и мастер по стеклу Эмиль Галле использовал в декоре своих ваз эскизы рыбок работы Хокусаи.

В эпоху императора Мейджи (1868-1912) и его прозападной политики стиль укие-э, всегда тесно связанный с народной национальной культурой, существенно замедлил свое развитие и практически пришел в упадок. В работах японских художников появлялось все больше западных мотивов, стиль европейского искусства во многом повлиял на творчество таких японских художников, как Маруяма Окио, Мацумара Гошун и Ито Якусю, которые при всей европеизации умело совмещали в своих работах традиции японской, китайской и западной живописи.

Современная японская живопись

В период Мейджи культура Японии пережила достаточно радикальные трансформации: повсеместно внедрялись западные технологии, и этот процесс не обошел стороной и изобразительное искусство. Правительство отправляло на учебу в Европу и США многих художников, при этом в культуре отмечалась довольно заметная борьба западных нововведений и традиционных японских стилей. Так продолжалось несколько десятилетий, и в конечном итоге в период Тайсе (1912-1926) влияние Запада в японском искусстве стало превалирующим.

Такие художники, как Умехара Рюзабуро и Ясуи Сотаро изучали и всячески пропагандировали стиль Поля Сезанна, Пьера Огюста Ренуара и Камиля Писарро. В годы, предшествующие Второй мировой войне, в работах Ясуи и Умехара появились элементы японского стиля, и это веяние подхватили и другие художники того времени.

Современное развитие японского изобразительного искусства продолжилось в работах Ясуда Тукиико и Кобаяси Кокеи, многие художники всячески пытались привлечь внимание мировой общественности к японскому искусству: чаще стали проводиться тематические выставки работ художников из Страны восходящего солнца, а в сюжетах картин популярные темы обыгрывались с национальным японским колоритом.

Годы войны негативно сказались на продуктивности японского искусства, но с другой стороны этот период застоя поспособствовал возрождению оригинальности японского стиля и формированию современной японской культуры. Несмотря на достаточно сильное влияние культурных традиций других стран, японская живопись сохранила свою самобытность и тонкость стиля.

Статьи по теме

www.luxemag.ru

Школа японской живописи: стили и направления

Японское изобразительное искусство пронизано чарующей магией Азии, особая атмосфера японской живописи поражает не только знатоков, но и тех, кто воспринимает картины исключительно как декоративный элемент. Школа японской живописи – интересный и занимательный предмет, тем, кто только знакомится с особенностями японского изобразительного искусства, не всегда легко разобраться в различных стилях и направлениях.

Японская живопись – это специфика использования различных инструментов для рисования, плюс к этому - определенную сложность составляет насыщенная своеобразными терминами лексика и глубокая связь японского изобразительного искусства с философией дзен-буддизма.

Пытаясь понять японскую живопись, важно не забывать, что японское искусство на протяжении всей своей истории неизменно испытывало глубочайшее влияние мощных культурных школ Китая и Запада, однако при этом японцам удалось привнести в живопись свое особое видение сюжета, будь то пейзаж, натюрморт или портрет.

История японского изобразительного искусства

Живопись, также как и другие направления японского искусства, на раннем этапе своей истории испытывала сильное влияние китайской культурной традиции. Со временем японские мастера сформировали собственный стиль творчества, богатый и многогранный, но китайское влияние оставалось достаточно сильным вплоть до начала эпохи Эдо (1603-1867). Для обозначения японской живописи в целом нередко используется термин ямато-э.

В эпоху Мэдзи (1868-1912) Япония стала более открытой страной, на заре этого периода японское искусство активно впитывало в себя западные идеи и концепции. В университетах, которые в то время открывались в крупных городах страны, широко практиковалось преподавание основ западной культурной традиции, причем в роли преподавателей нередко выступали приглашенные из Европы специалисты, талантливые японские студенты проходили обучение в знаменитых художественных академиях Европы, по большей части итальянских и французских.

Однако в это же время в стране нарастали националистические настроения, и маятник творческих тенденций качнулся в другую сторону. В искусстве началась активная пропаганда национального культурного достояния, и западное искусство из фаворита перешло практически на опальное положение. В ХХ веке японское изобразительное искусство, пережив бурные периоды концептуальных споров, вновь вошло в стадию плодотворного сотрудничества с западной культурой.

Японская живопись: школы и стили

Если вы хотите узнать больше о специфике японской живописи и разбираться в тонкостях той или иной школы или стиля, приготовьтесь к своеобразному уроку японского языка. Дело в том, что японская живопись немыслима без уникальной терминологии, поэтому настоящий знаток японской культуры и изобразительного искусства в частности, должен быть знаком с основными терминами в этой области.

Суйбокуга – термин, обозначающий искусство живописи черной тушью. Техника росписи тушью пришла в Японию из Китая и в своей тематике и изобразительной философии глубоко пропитана идеями дзен-буддизма. По-настоящему японским суйбокуга стало примерно в 15 веке, именно в тот период в этом стиле начали появляться особенности, которые не были присущи китайской школе.

Школа Кано – старейшая и наиболее влиятельная художественная школа в истории японского изобразительного искусства. Школа Кано с ее более чем трехсотлетней историей – по-настоящему уникальное явление в мировой культуре. Основателями этой живописной школы стали Масанобу (1453-1490) и его сын Кано Мотонобу (1476-1559). Первоначальная концепция школы строилась на протесте и поиске новых решений, позволявших отойти от традиционной китайской техники рисования черной тушью. Художники Кано смело использовали цвет и оригинальные композиции. Масштабные плоские площади также впервые начали осваиваться мастерами Кано, впоследствии эти приемы стали доминировать в стиле укие-э.

В крупных формах внука Мотонобу Кано Эйтоку (1543–1590) появился особый динамизм и сила, такая стилистика очень импонировала военной аристократии периода Моноямы. Полотна Эйтоку идеально подходили к величественным и тяжелым интерьерам огромных замков. Его серии скользящих дверей и складных ширм изобилуют крупными изображениями животных, фигур и пейзажей на фоне горящей, как солнце, золотой фольги. Все это как нельзя лучше отвечало представлениям японских феодалов о силе и мощи, к которой они стремились. В более поздний период школа Кано распалась на несколько течений, однако не потеряла своей доминирующей роли в японском изобразительном искусстве на протяжении всей эпохи Эдо. Многие художники, творившие в стиле укие-э в свое время прошли художественную школу Кано.

Школа Тоса-ха

Основателем художественной школы Тоса-ха считается японский художник Тоса Юкихиро, творивший в 14 столетии. Основная специализация школы Тоса – миниатюры и иллюстрации к книгам. Школа Тоса носила официальный статус придворной школы живописи в Киото. Императорский двор в то время представлял собой закрытый обособленный мир, по сути лишенный политической власти, однако при этом в распоряжении двора имелись достаточно большие средства, позволявшие удовлетворять интерес сегунов к изящным искусствам.

Школа нанга

Художественный стиль нанга приобрел широкую популярность в начале 19 века, в период бунка и бунсаи. Мастера школы нанга питали особую любовь к идеальным пейзажам, а также к изображениям цветов и птиц. Стиль нанга по своей сути был в большей степени китайским, нежели чисто японским.

Школа шиджо

Шиджо отпочковалась от легендарной школы Кано в 18 веке. Чаще всего художники данного направления изображали бытовые сцены, сюжеты из жизни обычных граждан. Живопись шиджо – это некая смесь реализма, приправленного известной долей сатиры.

Статьи по теме

www.luxemag.ru


Смотрите также